HISTOIRE et ORIGINE DE LA GUITARE......La 6 cordes

Les premières traces d’un instrument de musique cordophone ressemblant à une guitare remontent à l’antiquité, tel qu’il est montré sur les fresques babyloniennes et égyptiennes. Ce qui laisse entendre que la guitare a dû traverser les siècles avant de parvenir jusqu’à nous. Voici l’origine et l’histoire de cet instrument.

La guitare : une origine millénaire

Outre les fresques babyloniennes et égyptiennes, représentant des joueurs d’instruments à cordes, qui datent de 2000 ans avant notre ère, l’étymologie du mot guitare nous ramène vers des civilisations anciennes du bassin méditerranéen. Quelques chercheurs attribuent l’origine du mot guitare au vieux persan ki-tˉar (ki signifiant « trois », et tˉar, « cordes »). De même, les Egyptiens, les Grecs, les Assyriens et les Chaldéens utilisaient des mots apparentés au ki-tˉar pour désigner leurs instruments à cordes pincées, qui connaissaient des variantes propres à chaque peuple. Tout porte à croire qu’un instrument cordophone, apparenté à la guitare fut connu des cours royales européennes du moyen âge, car le mot « quitarre » fut mentionné dans Roman de la Rose de Jean de Meung, un roman daté du XIIIème siècle.

Histoire de la guitare

Introduite en Espagne par les Maures, la guitare, sous sa forme ancienne, s’est développée sous le terme de vihuela. La vihuela de mano qui est un instrument à cordes pincées, joué avec les mains, en est une variante. Popularisé dans la péninsule ibérique, il connaît l’essor durant des siècles car des recueils de répertoires de musique pour vihuela se sont vite répandus.

Du moyen-âge à l’ère moderne

Déjà au XVIème siècle, la guitare qui avait 4 cordes apparaissait comme un instrument relativement petit, comparé à la vihuela qui comptait 6 cordes et un manche à dix frettes. Cependant, avec l’apparition d’une technique de jeu innovante, la vihuela tombe en désuétude au profit de la guitare qui s’est vu dotée d’un cinquième chœur et d’une apparence plus esthétique. L’Europe tombe sous le charme de la « Guitare Espagnole ».

La guitare moderne : du XIXème siècle à nos jours

Après avoir connu la gloire, durant le premiers tiers du XIXème siècle, la guitare est reléguée au rang d’instrument domestique, à cause de son faible volume sonore. C’est en 1874 que le luthier espagnol Antonio de Torres lui a rendu sa notoriété, en lui donnant la forme et les dimensions de la guitare classique telle que nous la connaissons aujourd’hui. Cependant, la faiblesse du volume sonore persiste. En effet, le son de la guitare est étouffé par les puissances sonores des autres instruments comme les trompettes, dans une formation de jazz. Il a fallu attendre la découverte de l’amplificateur de son, au début du XXème siècle pour qu’une nouvelle génération de guitare voit le jour : la guitare électrique, commercialisée pour la première fois dans les années 30. De même, avec la notoriété que connaissaient les premières générations de Cowboy chanteurs, la guitare classique a été revisitée par le luthier Christian Frederick Martin, vers la fin du XIXème siècle. Il en résulte un autre type de guitare, caractérisé par un corps plus massif et des cordes métalliques. L’Amérique est conquise par la guitare acoustique folk. Actuellement, la guitare est classifiée selon ces trois types connus, la guitare classique, la guitare folk et la guitare électrique.

LES DIFFÉRENTES TYPES DE GUITARE

Est-ce que la forme d’une guitare a une influence dans le son ? Quelles sont les formes les plus confortables pour s’accompagner ou jouer des solos ?

Types de guitares

Il existe deux grandes familles de guitare de guitare :
  1. les guitares électriques avec un corps solide ou creux (solid ou hollow body)
  2. les guitares acoustiques aussi appelées guitares sèches avec une forme généralement arrondie à caisse de résonance creuse. Elle comprend les guitares folk, classiques et electro-acoustiques.
Formes de guitares électriques Aujourd’hui, on peut observer six grandes formes de guitare électrique :
  • La guitare Les Paul (A prononcer "laisse paul") La forme élevée au rang d'icône est bien connue du plus grand nombre. Cette forme est directement issue de la lutherie guitare très traditionnelle de Gibson, bien que le corps, muni d'une seule échancrure facilitant l'accès aux notes aiguës, soit d'une taille beaucoup plus petite que les guitares à « caisse creuse » de la marque. Les modèles « Standard » et « Custom » sont équipés d'un chevalet de type Tune-o-matic, permettant de régler l'action des cordes sur le manche et de faire un réglage très précis de la longueur vibrante de chaque corde (compensation) et d'un cordier de type Stop-bar, les deux étant fixés directement dans le corps de la guitare. Deux micros sont positionnés dans des cavités prévues à cet effet : un très près de l'extrémité de la touche et l'autre près du chevalet. Un sélecteur à 3 positions permet de choisir l'un ou l'autre micro ou les deux en parallèle. est une icône pour les guitaristes Ce modèle de guitare électrique a été fabriqué en 1952, pour contrer la Fender Telecaster (autre type de guitare que l’on verra plus bas).
  • la guitare électrique SG À l'origine, cette guitare avait été conçue pour remplacer les modèles Les Paul existants. Son design original avec une double échancrure, pas tout à fait symétrique, aux pointes biseautées en forme de « cornes de Belzébuth », la finition rouge cerise (cherry finish) et sa maniabilité due à son poids réduit, en a fait rapidement l'instrument de prédilection de beaucoup de guitaristes style « Rock ». Le manche est très fin et réputé pour sa facilité de jeu. Il est pourvu d'une barre de réglage intégrée (appelée « truss rod » en anglais) servant à régler sa courbure, dont l'accès se trouve sous une petite plaque vissée sur la tête du manche. a été conçue pour remplacer les modèles Les Paul existants. Son design original avec ses doubles cornes emblématiques et double pan coupé ressemble à une sorte de hache.
  • Les guitares RG (Roadster Guitar), conçue en 1979 par Ibanez, est une série de guitares électriques parmi les plus populaires et les plus rock /métal jamais réalisées.
  • Les guitares Stratocaster C'est l'un des modèles les plus répandus au monde. La Stratocaster se distingue surtout par ses aspects pratiques : son poids est peu élevé en comparaison d'autres modèles et ses pans coupés qui permettent un accès facilité aux cases les plus aiguës. Elle est sans aucun doute le modèle de guitare électrique le plus polyvalent et aussi le plus imité. Dotée de trois micros simple bobinages, la Stratocaster permettait à l'origine d'obtenir trois sons. C'est aussi la première guitare à être munie d'un bras de vibrato efficace ont été concue par Leo Fender et son équipe en 1954. Au fil des ans, elle est devenue l’un des modèles les plus répandus au monde. Elle se caractérise surtout par ses aspects pratiques : son faible poids en comparaison d’autres modèles et ses pans coupés qui permettent un accès facilité aux cases les plus aiguës.
  • La guitare Telecaster Le premier modèle de Telecaster (initialement commercialisé sous le nom de Fender Broadcaster) était doté de deux micros. Adoptée dans un premier temps par les musiciens de country et de blues, la Telecaster se caractérise par un son claquant résultat de l'ensemble micro chevalet/chevalet/support métallique : c'est en fait le micro principal, disposé très près du chevalet, qui donne ce son brillant et nerveux caractéristique de l'instrument. Le micro côté manche présente la particularité d'être recouvert par un capot métallique destiné à filtrer les aigus et à donner un son neutre, moins dynamique et plus velouté, mieux dédié à l'accompagnement. a été développée par Leo Fender en 1950. Elle a été conçue dans l’esprit des guitares hawaïennes fabriquées par l’américain Rickenbacker. D’abord adopté par les musiciens de country et de blues, la guitare électrique Telecaster est connue pour sa capacité à produire des sons lumineux, riches et chaleureux.
  • La forme explorer & flying V, La première série de la Gibson Flying V fabriquée en Korina apparue en 1958 ne rencontra pas un grand succès au départ et fut même retirée du marché vers la fin de l'année 1959. C'est seulement à partir de 1966, lors de l'apparition de la Flying V mahogany (acajou) que le modèle connaît un regain de popularité, notamment grâce à des guitaristes comme Albert King ou Jimi Hendrix l'adoptant, en raison de son look original, provoquant ainsi un regain d'intérêt envers ce modèle en avance sur son temps. La première version de la Flying V de '58/'59 avait la particularité d'avoir un corps en deux pièces de korina, essence aujourd'hui protégée. Ce type de bois contribue grandement au caractère sonore unique des Flying V originales alors que les modèles actuels sont presque toujours réalisés en acajou, comme la plupart des guitares Gibson. La Gibson Explorer qui apparut en même temps ('58/'59) connu un sort à peu près identique, avec les mêmes remarques concernant le korina et le faible taux d'expédition.typique des gibsons et des productions de ESP-LTD. Ces formes sont très typiques aux guitaristes de rock et de metal/ le guitariste chanteur de Metallica utilise énormément cette forme EX !

LES GUITARES À CAISSE CREUSE (HOLLOW BODY)

Ce type de guitares est un développement des guitares acoustiques de jazz des années 1930, qui avaient déjà des cordes métalliques, une vaste caisse de résonance doté d'une échancrure pour permettre un accès plus facile aux notes très aiguës sur le manche, et d'ouvertures en formes d'ouies de violon. Les guitares à caisse creuse se différencient en fonction de 2 paramètres essentiels : l'épaisseur de la caisse et son coté complètement ou partiellement creux :

Le type de caisse

  1. - Pleine caisse : la caisse est de la même épaisseur qu'une acoustique. En fait c'est une guitare acoustique à table bombée, à laquelle on a ajouté des micros de guitare électrique. Usage orienté Jazz, country, Rockabilly.
  2. - Demi caisse : la caisse est plus fine, ça sonne donc moins fort en acoustique (ça va pour s'entrainer, mais pas plus). Ce sont donc plutôt des guitares électriques, mais qui bénéficient du son boisé de la caisse. Même usage que les "pleine caisse".
  3. - Quart de caisse : l'épaisseur de la caisse est encore réduite, pour arriver à la même que pour une solidBody. Ca ne sonne plus vraiment en acoustique. Ce sont des guitares SolidBody creuse en fait, le son est légèrement boisé, plus aéré que sur une solid body. En contrepartie, on peut jouer saturé. Guitares orientées Blues et Rock roots.

Full ou semi Hollow

    1. - Full hollow (complètement creuse) : la caisse est vraiment comme une caisse de guitare acoustique, le son est très boisé, presque acoustique selon le micro et son réglage... mais, une fois amplifiée, l'ensemble ampli + caisse + micro débouche sur du larsen assez facilement.
    2. - Semi Hollow (partiellement creuse) : pour limiter le larsen et augmenter le sustain, certaines HollowBody sont équipées d'une poutre centrale ou d'un système équivalent. La partie centrale de la caisse est pleine ou renforcée, les côtés restent creux. On y gagne de pouvoir mettre l'ampli plus fort et d'enclancher la saturation, mais le son perd de son boisé. Il est intermédiaire entre Solid et HollowBody. La plupart des 1/4 de caisse ont une poutre de sustain, et les 1/2 ou pleine caisse destinées au Country ou Rockabily aussi.

Vous êtes à la recherche de votre prochaine gratte électrique mais vous ne savez pas sur quel modèle vous lancer ? C’est bien normal! Il existe tellement de différents types de guitares que cela devient très compliqué de choisir.

Est-ce que la forme d’une guitare influence le son ?

La forme va impacter le son de la guitare Si vous êtes un guitariste de longue date et que vous vous destinez à l’achat d’une guitare électrique ou d’une guitare folk, vous n’êtes pas sensé ignorer que toutes ces différentes types de guitare vont avoir une influence directe sur votre style de jeu. En effet le marché actuel présente tant de modèles qui varient en fonction de leur essence de bois, leur forme, leur poids et donc leur sonorité. C’est pour cela que nous avons catégorisé ce qui nous semblait être les modèles les plus courants sur le marché. Nous y avons inclus bien évidemment les guitares basses qui sont des modèles à part entière.

Pour une guitare électrique, cela n’a pas énormément d’importance au niveau de la forme. Néanmoins, vous sentirez bien la différence entre une guitare avec un corps semi-creux, creux ou solide. L’intérêt pour ce type est surtout esthétique et pratique. Avec une guitare Flying V, vous aurez un accès aux aiguës absolument exceptionnel. Par contre, il sera bien difficile de jouer assis. Il faudra vous équiper d’une bonne sangle de guitare et jouer debout. On pourrait considérer cette guitare comme un instrument de scène, utilisé uniquement lors des répétitions et des concerts. Il n’est pas non plus impossible de jouer assis, mais il vous faudra sortir votre jambe de votre chaise ou tabouret pour que les pics de la flying V ne viennent pas vous gêner.

Pour une guitare acoustique, la forme n’aura pas d’influence, mais ses dimensions auront une importance. Une “grosse guitare” aura plus de coffre et de basses qu’une guitare avec un corps plus petit. Un autre facteur peut venir en plus, ce sont les essences et types de bois utilisés pour fabriquer votre instrument, ainsi que la qualité de la lutherie, le collage ou vissage du manche… Tant de facteurs qui me permet de vous dire : testez votre future guitare ! Sa forme, son prix, sa marque et ses essences permettront d’avoir une idée de sa qualité, mais rien ne changera de l’avoir entre vos mains.

18 formes de guitares

Si vous souhaitez donc en savoir en peu plus sur les différents types de guitares qui existent, voici un aperçu des 18 modèles que nous avons pu répertorier en 4 grandes famille : les guitares acoustiques, les guitares électriques, les guitares basses et les « mini » guitares

Les différents types de guitares acoustiques

Les guitares classiques

La guitare classique fait souvent référence à la guitare hispanique d’où elle tire son origine. Elle est davantage plus petite et fait souvent le bonheur des guitaristes débutants.

Les guitares folk

Martin : plus de 175 ans d’histoire

Depuis plus de 175 ans, C.F MARTIN & CO. fabrique des instruments reconnus comme les plus prestigieux au monde. En constante mouvance, l’entreprise continue d’innover au profit de nouvelles techniques, dont certaines sont devenues des références dans l’industrie de la guitare, à l’image du barrage en X, de la jonction à la 14e frette, ou encore du modèle Dreadnought. Figurant parmi les principaux fabricants d’instruments acoustiques au monde, C.F Martin & Co doit également son succès à l’excellence de sa lutherie, aux femmes et hommes mettant à contribution leur savoir-faire et ingéniosité au bénéfice de nouveaux procédés et designs, allant de pair avec les concepts initiés par le fondateur.

La guitare folk est une guitare acoustique, plus massive qu’une guitare classique, aux six cordes métalliques. Il existe 4 formes principales pour la guitare acoustique, dont la plus célèbre – la Dreadnought – qui a été inventée par le luthier Nord-Américain Martin de la marque Martin.La firme, fondée aux États-Unis, poursuit son œuvre familiale depuis six générations. Actuellement dirigée par le Président Directeur Général Christian Frederick Martin IV, la société a connu cinq transitions majeures depuis sa fondation en 1833 par l’immigrant allemand, Christian Frederick Martin Sr. « Notre gamme de produits signature et notre dévouement pour la qualité d’une génération à l’autre sont une grande source de fierté pour ma famille, et tous ceux contribuant à la fabrication de ces instruments extraordinaires », a déclaré le PDG de Martin Guitar, Christian Frederick Martin IV.

Adulées par de nombreux musiciens à travers le monde, les guitares Martin ont participé à l’essor de la plupart des styles de musique, allant du classique et du country au blues, et du folk au rock acoustique. La liste des musiciens Martin est telle, qu’elle pourrait illustrer l’histoire de la musique moderne grâce à des légendes comme Paul Mc Cartney, Elvis Presley, Eric Clapton, John Mayer et bien d’autres.

« Depuis 1833, des musiciens, issus de tous les styles musicaux, ont fédéré des publics dans le monde entier, ont mis en lumière leur talent et leur virtuosité. L’impact culturel de Martin est, depuis plus de 175 ans, tout simplement incommensurable »CHRIS MARTIN

LES TAYLORS Taylor Guitars fabrique des instruments acoustiques exquis depuis des décennies. Des matériaux qu’elles utilisent à l’attention portée au savoir-faire, les guitares Taylor sont considérées comme l’un des meilleurs instruments de production sur le marché.Une grande partie de cette réputation est due à leur engagement à innover et à repousser les méthodes traditionnelles de construction d’une guitare loin dans l’avenir, ce qui n’a jamais été aussi évident que leur contreventement paradoxal. Et chaque aspect de chaque guitare Taylor est conçu pour le joueur. C’est pourquoi vous trouverez des guitares Taylor entre les mains de certains des plus grands interprètes, auteurs-compositeurs et guitaristes-enregistreurs du monde entier.

Taylor est également réputé pour offrir une vaste gamme de guitares et d’instruments qui confèrent chacun son propre caractère et son propre son. Les amateurs de guitare haut de gamme s’émerveillent devant la magnifique série d’instruments Presentation Series de la société, avec leur travail d’incrustation exotique et leurs bois de voix profondément figurés. Les joueurs qui viennent d’apprendre les bases de la guitare acoustique à 6 cordes apprécieront la manière dont Taylor a entassé ses rendez-vous personnalisés, sa jouabilité et le ton de sa série académique à un prix abordable. Quel que soit le niveau de Taylor qui convienne à votre situation et à votre désir tonal uniques, il y a toujours une guitare conçue avec soin qui vous attend.

Nous avons réuni ce guide d’achat Taylor Guitars pour vous aider à naviguer dans les choix en matière de design, de bois et d’électronique, en vous guidant vers la guitare acoustique Taylor qui vous inspirera pour les années à venir. Suivez les étapes étape par étape et nous sommes certains que cela vous indiquera le bon instrument pour vous et votre musique,

Quelle forme de corps de guitare Taylor vous convient?

La première étape pour trouver votre Taylor idéal est de choisir la forme de votre corps qui vous convient. Chaque design confère à votre son un caractère sonore unique et se sent radicalement différent entre vos mains. Que vous recherchiez puissance et projection ou harmonie des détails et des nuances, vous trouverez ici les directives générales de ce que chaque design offre.

Quelle série de guitares Taylor vous convient le mieux ?

Pour simplifier les choses, Taylor a regroupé par série, les types de bois utilisés et les fonctionnalités. La majorité de leur gamme se compose des séries allant de 100 à 900. Cependant, il arrive également que certaines références se distinguent du lot compte tenu de caractéristiques de construction spécifiques. Il s’agit par exemple des bois de résonance rares ou ayant une sonorité particulière. Après avoir choisi les spécifications qui vous conviennent, focalisez-vous sur la série qui vous convient le mieux. Les instruments acoustiques Taylor Series GS et Baby sont destinés aux joueurs plus petits et aux débutants à la recherche d’un instrument compact. Mais la qualité de la guitare fait que ces modèles sont également utilisés par des adultes et des musiciens professionnels. Leur corps ergonomique et confortable est par ailleurs très apprécié des guitaristes en général. La série Academy a été conçue pour permettre à des musiciens, moyennant un budget relativement limité, d’accéder à la gamme Taylor. La série Academy s’est rapidement imposée comme un instrument à destination des joueurs de niveau professionnel. L’épicéa massif de la guitare présente un contour confortable pour le bras et offre un son de qualité et une expérience de jeu très agréable.

Comment choisir une guitare Taylor

Taylor Guitars fabrique des instruments acoustiques exquis depuis des décennies. Des matériaux qu’elles utilisent à l’attention portée au savoir-faire, les guitares Taylor sont considérées comme l’un des meilleurs instruments de production sur le marché.Une grande partie de cette réputation est due à leur engagement à innover et à repousser les méthodes traditionnelles de construction d’une guitare loin dans l’avenir, ce qui n’a jamais été aussi évident que leur contreventement paradoxal. Et chaque aspect de chaque guitare Taylor est conçu pour le joueur. C’est pourquoi vous trouverez des guitares Taylor entre les mains de certains des plus grands interprètes, auteurs-compositeurs et guitaristes-enregistreurs du monde entier.

Taylor est également réputé pour offrir une vaste gamme de guitares et d’instruments qui confèrent chacun son propre caractère et son propre son. Les amateurs de guitare haut de gamme s’émerveillent devant la magnifique série d’instruments Presentation Series de la société, avec leur travail d’incrustation exotique et leurs bois de voix profondément figurés. Les joueurs qui viennent d’apprendre les bases de la guitare acoustique à 6 cordes apprécieront la manière dont Taylor a entassé ses rendez-vous personnalisés, sa jouabilité et le ton de sa série académique à un prix abordable. Quel que soit le niveau de Taylor qui convienne à votre situation et à votre désir tonal uniques, il y a toujours une guitare conçue avec soin qui vous attend.

Nous avons réuni ce guide d’achat Taylor Guitars pour vous aider à naviguer dans les choix en matière de design, de bois et d’électronique, en vous guidant vers la guitare acoustique Taylor qui vous inspirera pour les années à venir. Suivez les étapes étape par étape et nous sommes certains que cela vous indiquera le bon instrument pour vous et votre musique.

Quelle forme de corps de guitare Taylor vous convient?

La première étape pour trouver votre Taylor idéal est de choisir la forme de votre corps qui vous convient. Chaque design confère à votre son un caractère sonore unique et se sent radicalement différent entre vos mains. Que vous recherchiez puissance et projection ou harmonie des détails et des nuances, vous trouverez ici les directives générales de ce que chaque design offre.

Formes des corps

Grand concert

La forme du corps Grand Concert est l’offre la plus compacte de Taylor Guitars. Il est extrêmement confortable pour les plus petits joueurs, tout en restant idéal pour tout le monde. Sur le plan sonore, le Grand Concert chante avec une voix très concentrée qui pousse chaque note avec très peu de grondements graves ou de graves aigus.

Modèles dont la référence termine par un « 2 », comme par exemple la 812

  • Longueur du corps : 49,5 cm
  • Largeur du corps : 38 cm
  • Profondeur du corps : 11,1 cm

La plus petite de nos formes de taille 4/4 possède un corps légèrement moins profond et un diapason plus court que les autres styles. La Grand Concert constitue également le type de corps sélectionné pour nos guitares 12 frettes.

Profil de jeu

  • Graves puissantes, volume imposant lors d’un jeu en accords ou en flatpicking
  • Très dynamique : sonorités riches et imposantes réagissant également à un toucher léger
  • Graves similaires à celles d’un piano, médiums conséquents, aigus résonnants et carillonnants

Adapté aux usages suivants :

  • Musiciens novices ou non spécialisés recherchant une guitare polyvalente
  • Performances live ou enregistrements
  • Compositeurs-interprètes ou musiciens lead dans un groupe
  • Quasiment tous les musiciens, sauf ceux jouant en picking/accords énergique(s)

Profil de jeu

  • Mélange équilibré entre chaleur, clarté et sustain
  • Médiums bien définis • Adaptée au jeu en fingerpicking ou en accords légers/moyens
  • Réagit bien à plusieurs styles musicaux

Grand Auditorium

Le design le plus populaire de Taylor, le Grand Auditorium, est un merveilleux équilibre entre confort compact et ton plus large que prévu. C’est une forme qui est progressivement devenue standard. Avec un barrage sculpté, la Grand Auditorium est sensible, on effleure les cordes et ça part. Elle se joue donc plus délicatement et a moins de puissance qu’un modèle dreadnought. Le jeu au doigt est particulièrement agréable car le son est parfaitement équilibré. C’est également une guitare confortable assis comme debout.

Si vous rechercher une guitare pour un usage « electro » ou très picking, la grand Auditorium est très adaptée.

Modèles dont la référence termine par un « 4 », comme par exemple la 814
  • Longueur du corps : 50,8 cm
  • Largeur du corps : 40,6 cm
  • Profondeur du corps : 11,7 cm

Cette guitare Taylor originelle a permis de définir le son de la guitare acoustique moderne et demeure notre forme la plus populaire. Si vous recherchez une excellente guitare pour tous les styles, la Grand Auditorium délivre une grande polyvalence sonore.

Adapté aux usages suivants :

  • Musiciens jouant en fingerstyle ou en accords légers
  • Musiciens trouvant les corps de petite taille plus confortables
  • Personnes cherchant à placer moins de contraintes sur la main jouant les notes sur le manche
  • Applications d’enregistrement

Profil de jeu :

  • Sonorités précises avec aigus carillonnants et harmoniques contrôlées
  • Dimensions discrètes, idéale pour en jouer assis/sur un canapé
  • Le manche de 24” 7/8 diminue la tension des cordes pour des sensations plus fluides
  • S’intègre bien dans le mix avec d’autres instruments

Grand Symphony

Pour conserver les détails sonores trouvés dans le Grand Auditorium tout en ajoutant un peu plus de punch et de basses fréquences, jetez un coup d’œil à la plus grande Grand Symphony. Idéal pour le travail rythmique, la Grand Symphony projettera votre strumming avec facilité.

Modèles dont la référence termine par un « 6 », comme par exemple la 816
  • Longueur du corps : 50,8 cm
  • Largeur du corps : 41,3 cm
  • Profondeur du corps : 11,7 cm

La Grand Symphony est légèrement plus imposante que la Grand Auditorium. Cela se traduit par des sonorités plus puissantes, avec des graves plus profondes et des aigus plus consistants : elle est la partenaire idéale d’un jeu en accords ou en picking.

Adapté aux usages suivants :

  • Musiciens jouant en picking ou en accords énergiques
  • Personnes recherchant plus de puissance sonore qu’avec la Grand Auditorium
  • Compositeurs-interprètes se produisant en concert et recherchant un instrument délivrant une palette sonore profonde et riche

Dreadnought

La guitare acoustique iconique dreadnought est célèbre dans le monde entier pour sa sonorité puissante. C’est une guitare d’accompagnement typique avec des basses présentes qui favorisent la rythmique. Le son des dreadnoughts est très uniforme et cristallin.

Modèles dont la référence termine par un « 0 », comme par exemple la 810
  • Longueur du corps : 50,8 cm
  • Largeur du corps : 40,6 cm
  • Profondeur du corps : 11,7 cm

Notre version moderne de l’une des formes de guitare acoustique les plus traditionnelles associe l’intensité caractéristique de ses basses à des médiums incisifs et des aigus brillants, délivrant ainsi un agréable équilibre entre puissance et articulation.

Profil de jeu

  • En raison de sa taille plus large, la guitare sera positionnée plus haut sur les genoux du musicien
  • Sonorités « vintage moderne » puissantes
  • Graves imposantes, médiums incisifs, aigus énergiques

Adapté aux usages suivants :

  • Flatpickers traditionnels et musiciens jouant en accords avec une attaque énergique
  • Personnes recherchant le look et la sensation offerts par une guitare à taille plus large
  • Musiciens jouant en picking ou en accords désirant des graves puissantes et des médiums gutturaux
  • Musique bluegrass

Grand Orchestra

Pour ceux qui recherchent une acoustique de grande taille avec une basse épaisse, des aigus percutants et un médium légèrement échancré, le Grand Orchestra est fait pour vous. C’est le style le plus puissant du groupe avec un ton incroyablement complexe.

Modèles dont la référence termine par un « 8 », comme par exemple la 818

  • Longueur du corps : 52,4 cm
  • Largeur du corps : 42,5 cm
  • Profondeur du corps : 12,7 cm

La Grand Orchestra laisse libre cours à la voix la plus belle et la plus audacieuse de Taylor. Dotée de dimensions plus imposantes et d’un corps plus profond que celui de la Grand Symphony, elle délivre des sonorités plus puissantes et plus complexes, agrémentées d’un sustain et d’un équilibre impressionnants. Elle est également plus réactive lors d’un toucher léger.

Profil de jeu

  • Notre forme la plus imposante et la plus profonde
  • Sonorités puissantes et complexes avec sustain impressionnant
  • Équilibre exceptionnel pour une guitare acoustique à corps de grande taille
  • Sa réactivité face à un toucher léger lui offre une vaste gamme dynamique

Adapté aux usages suivants :

  • Musiciens souhaitant obtenir les sonorités acoustiques les plus riches et les plus puissantes qui soient
  • Musiciens recherchant une guitare voluptueuse de taille Jumbo
  • Musiciens solo à la recherche d’une immense palette de sons et de textures

Quelle série de guitares Taylor vous convient le mieux ?

Pour simplifier les choses, Taylor a regroupé par série, les types de bois utilisés et les fonctionnalités. La majorité de leur gamme se compose des séries allant de 100 à 900. Cependant, il arrive également que certaines références se distinguent du lot compte tenu de caractéristiques de construction spécifiques. Il s’agit par exemple des bois de résonance rares ou ayant une sonorité particulière. Après avoir choisi les spécifications qui vous conviennent, focalisez-vous sur la série qui vous convient le mieux.

Jouer en direct avec une guitare de Taylor

Si vous êtes un musicien amateur, nous aimerions vous recommander l’un des instruments électro-acoustiques de Taylor (désigné par un «ce» dans le nom du produit), équipé de l’un des meilleurs systèmes de collecte acoustique du secteur.

Les guitares acoustiques Taylor sont depuis longtemps une solution de choix pour les guitaristes acoustiques qui veulent un son acoustique naturel amplifié via un amplificateur pour sonorisation. Leur électronique révolutionnaire Expression System vous permet de brancher directement et de clouer ce son en toute simplicité. Mieux encore, la conception discrète du système élimine le besoin de percer un trou important pour le préampli sur le côté de votre guitare, maintenant ainsi l’intégrité structurelle de votre Taylor.

Une autre chose à rechercher dans une Taylor prête pour la performance est une guitare avec une coupe en coupe triple. Cette fonctionnalité, que partagent de nombreux modèles Taylor , vous permet d’accéder facilement aux frettes les plus hautes de la guitare, ce qui est parfait pour les mélodies à une note, les solos et les vastes arrangements de fingertyle.

Une caractéristique négligée de certaines guitares acoustiques est l’intégrité structurelle que les bois de son stratifiés ou stratifiés peuvent apporter à votre instrument. Si vous êtes un joueur sur la route ou avez besoin d’un instrument capable de gérer rapidement les différents environnements, ce style de construction, que l’on trouve dans les séries Academy, 100 et 200 , est peut-être ce qu’il vous faut. re cherche. Et même si leur son est toujours fantastique, cette méthode peut également vous faire économiser quelques BILLETS

LES SERIES

100

La série 100 arbore un profil Slim Neck et associe les dessus en épicéa massif aux avantages sonores et structurels du dos et des côtés en noyer.
On est sur du made in Mexico mais la finition est parfaite et sans fioritures, tous les efforts ont été concentrés sur la qualité de cette guitare. A noté que les séries 100 et 200 sont découpées au laser et vernie en machine comme les séries américaines. Cela permet d’avoir une constance dans leur processus de fabrication.
Avec un diapason de 650mm et une largeur au sillet 43mm elle est très agréable à jouer. Le rayon de courbure de la touche est donné de 16 pouces ce qui la rend relativement « plate » comparée à certains modèles de la concurrence. Le confort de jeu est remarquable, la guitare est bien réglée et très juste.
Cette guitare peut pratiquement tout faire et excelle notamment dans le blues et le rock. Jai personnellement ce modéle

200 DLX

Dos/éclisses : koa stratifié
Table : épicéa de Sitka

Les guitares de la série 200 sont en laminé, la couche extérieure est en palissandre. La différence sonore entre les séries 100 et 200 n’est pas énorme car le bois entre les couches est le même. Par contre la finition est différente. La série 200 regroupe des guitares que l’on peut emmener avec soit un peu partout, qui sonnent bien et qui sont facile à jouer.

300

Dos/éclisses : sapelli (table épicéa) ou acacia (table acajou)
Table : épicéa de Sitka ou acajou

C’est à partir de cette gamme que vous commencez à trouver une construction entièrement en bois massif. La combinaison de sapelli et d’épicéa ou de bois noir de la série 300 vieillira magnifiquement avec le temps. Si vous cherchez des sonorités un peu chaude mais brillante, avec du sustain, avec une bonne projection pour du picking sans être étourdissante en strumming la 300 est faite pour vous.
Les Taylor 300 sont faites aux USA contrairement aux 100 et 200 qui sont fabriquées au Mexique. Le manche Taylor est d’une très grande facilité, la touche en ébène permet un bon confort et de la douceur.

Les modèles les plus prisés sont la Grand Auditorium 324ce mimosa à bois noir/acajou, la 314ce sapelli/épicéa, notre Grand Concert 322e 12 frettes ainsi que deux modèles à petit corps 12 frettes/12 cordes : la 362ce à table acajou, délivrant une réponse contrôlée sonnant très bien lorsqu’elle est amplifiée, et la 352ce à table épicéa, à la teinte plus claire et au son plus réactif et plus dynamique.

400

Dos/éclisses : ovangkol ou palissandre indien
Table : épicéa de Sitka

La voix du palissandre tend à mettre en valeur les graves et les aigus du spectre sonore, avec une touche supplémentaire d’aigus carillonnants, tandis que l’ovangkol aura une présence plus importante dans les mediums.

Laissez donc vos oreilles en juger ! Si l’on en vient au look, vous avez d’un côté les teintes brun-doré de l’ovangkol et les incrustations en forme de point, et d’un autre côté les nuances chocolat du palissandre, agrémentées d’une incrustation de touche au motif « Renaissance ».

Le manche est fantastique avec un dessin parfait et une touche très agréable. Le son est au rendez-vous présent dans les graves, brillant dans les aigues le tout avec un équilibre parfait.

500

Dos/éclisses : acajou tropical
Table : acajou, épicéa Lutz (GS, DN) ou cèdre (GC, GA)

La table de la série 500 est composée d’épicéa Lutz, de cèdre et d’acajou et met en valeur la diversité et la polyvalence de la Série 500 en acajou. Le cèdre délivre de remarquables harmoniques chaleureux et répond même à un toucher léger. Les modèles avec table en acajou offrent un son équilibré et précis, accompagné d’un look sombre vintage grâce au coloris Shaded Edgeburst.

600

Dos/éclisses : érable
Table : épicéa de Sitka torréfié

La série 600 fait l’objet d’un travail de longue haleine afin de lui permettre de transmettre une sonorité précise et puissante grâce à son corps en érable. L’ensemble fait l’objet d’un travail manuel de façonnement qui l’a met en valeur. Cette série offre entre autres des graves de caractères et d’une grande transparence sonore, dotant ainsi ces instruments d’une réponse polyvalente et à l’image du guitariste.

700

Dos/éclisses : palissandre indien
Table : épicéa Lutz

Après avoir redessiné leur série 700, Taylor a mis au point une combinaison d’épinettes de bois de rose et de Lutz qui sonne comme une cloche. Et les touches de qualité luthier, telles que Performance Bracing, incrustations pour reflets et une rosette en sapin de Douglas, sont d’un esthétique bien réussi.

800

Dos/éclisses : palissandre indien
Table : épicéa de Sitka

La ligne 800 est la ligne phare de Taylor. L’association du palissandre et de l’épicéa délivre un son riche et mélodieux. Des barrages internes et les épaisseurs de bois ont été peaufinés pour faire ressortir le meilleur de chaque style de corps, et une finition brillante ultra-mince a été développée pour offrir une résonance optimale.

900

Dos/éclisses : palissandre indien
Table : épicéa de Sitka

La série 900 de Taylor constitue ce que Taylor fait de mieux dans le cadre d’une production standard. Vous y trouverez entre autres des accoudoirs en ébène, du koa hawaïen, des mécanismes Gotoh. Un repose-bras en biseau fait partie intégrante de cette guitare haut de gamme.

Koa

Imaginez une guitare qui porte tous les rendez-vous de votre Taylor idéal, construite à partir des plus beaux koa hawaïens que vous ayez jamais vus, puis ajoutez tous les rendez-vous en bois. C’est la série Taylor Koa.

Comme vous pouvez le constater, la capacité de Taylor à offrir aux joueurs un monde d’options tout en restant fidèle à leurs normes de qualité extrêmement élevées est sans égale. Mais avoir des options ne doit pas être intimidant. Nous espérons que vous trouverez cette palette de possibilités aussi exaltante que la nôtre. Après tout, la variété de Taylor explique en grande partie pourquoi des artistes aussi divers que Taylor Swift, Mark Tremonti et Jason Mraz gardent le contact avec eux à tout moment.
C’est aussi pourquoi nous sommes certains qu’il existe une guitare acoustique Taylor pour vous. Espérons que ce guide d’achat vous ait permis de vous concentrer sur l’instrument parfait. Mais nous savons que vous pouvez avoir plus de questions. Notre équipe d’ingénieurs commerciaux expérimentés attend votre appel avec impatience. Elle est impatiente de faire votre connaissance, de votre musique et de ce que Taylor correspond parfaitement à vos attentes.

GS Mini et Travel

Les instruments acoustiques Taylor Series GS et Baby sont destinés aux joueurs plus petits et aux débutants à la recherche d’un instrument compact. Mais la qualité de la guitare fait que ces modèles sont également utilisés par des adultes et des musiciens professionnels. Leur corps ergonomique et confortable est par ailleurs très apprécié des guitaristes en général.

Academy

La série Academy a été conçue pour permettre à des musiciens, moyennant un budget relativement limité, d’accéder à la gamme Taylor. La série Academy s’est rapidement imposée comme un instrument à destination des joueurs de niveau professionnel. L’épicéa massif de la guitare présente un contour confortable pour le bras et offre un son de qualité et une expérience de jeu très agréable.

Les guitares Ѕtееl

Les laps steel sont principalement conçues pour jouer en barré à l’aide d’un bottleneck.

L'expression anglophone lap steel guitar (traduisible littéralement par « guitare jouée avec une steel bar à [poser sur les] genoux ») désigne soit une forme de guitare électrique, dérivée de ses deux cousines acoustiques, la steel guitar ou Dobro (terme venant de la marque des Dopyera brothers, considérés comme les inventeurs de ce type d'instruments, il serait plus approprié de dire résonateur ou résophonic), guitare acoustique à caisse faite tout, ou pour partie, en acier, et équipée de résonateurs, et la guitare hawaïenne, soit, plus simplement, une façon particulière de jouer de la steel guitar ou de la guitare électrique traditionnelle, posée à plat sur les genoux plutôt que jouée parallèle au corps, comme une guitare traditionnelle

L'instrument en tant que tel, dénommé lap steel guitar, partage pour sa part de nombreuses caractéristiques avec sa version montée sur un châssis à pieds et équipée de pédales de contrôle de hauteur des notes, la pedal steel guitar, tant dans sa forme générale que dans la façon d'en jouer

La lap steel guitar comme instrument Le steel (« acier ») toujours associé au nom de ce style de jeu et aux guitares conçues à cet effet provient du fait que les premières guitares régulièrement utilisées pour le jeu à plat étaient les modèles de type Dobro, à caisse métallique, équipée de résonnateur. De nos jours, de nombreuses guitares spécialement conçues pour le jeu à plat sont des modèles électriques, parfois presque totalement dépourvues de corps : ce dernier se limite à une courte extension du manche de la guitare et sert de support à un ou plusieurs microphones. Ce type de guitare est généralement équipé de six cordes, mais certains modèles spéciaux en comportent plus

L'expression lap steel guitar appliquée à l'instrument désigne actuellement ce genre particulier de guitares électriques, les modèles acoustiques en acier, de forme traditionnelle et disposant d'une caisse de résonance étant pour leur part appelés steel guitars. Le chaturangui, la guitare slide indienne, est née à Calcutta dans le cœur et les mains de Debashish Bhattacharya. Il est lui-même l’élève de Pandit Brij Bhushan Kabra, un des premiers musiciens à adapter la guitare occidentale à la musique indienne. Avec la présence dans les années trente d’une famille de musiciens hawaïens alors en tournée à Calcutta, la Tao Moe Family, la lap steel guitare et la technique du slide (une barre en métal glissant sur les cordes) fait son apparition en Inde.

Comme les guitares électriques de forme traditionnelle, les lap steel guitars comportent une sortie pour amplification et un potentiomètre de contrôle du volume. Habituellement mais pas systématiquement, on trouve aussi un ou plusieurs réglages de tonalité (en fonction du nombre de microphones présents), permettant de jouer sur l'intensité des fréquences graves ou aigües produites

Les guitares Flаmеnсо

Comme son nom l’indique, la guitare flamenco ou flamenca, est une guitare phare de la musique flamenco espagnole. Les origines du flamenco proviennent de l’Andalousie, au sud de l’Espagne

Guitares Rеѕоnаtоr

Les instruments à résonateur désignent des instruments de musique à cordes pincées ou frottées d’une conception particulière : ils amplifient mécaniquement les vibrations des cordes grâce à un cône très fin en aluminium à la place d’une table d’harmonie ou d’une peau.

Dobro n'est pas un instrument mais une marque d'instruments fondée dans les années 1920 par une famille, les Dopeyra d'où la marque : DOpeyra BROthers.

Mais comme "frigidaire" dobro devenu un nom générique pour désigner un instrument avec un résonateur.

Devant la puissance des cuivres dans les orchestres, cette famille a inventé une guitare avec un résonateur mécanique : un cône en aluminium qui amplifie le son des cordes un peu comme un haut-parleur.

Rapidement, à cause de différents sur la conception des instruments, la famille s'est scindée, une partie a gardé la marque Dobro, l'autre a fondé la marque National.

Dobro est réputé pour ses instruments à corps en bois et des résonateurs avec le sommet du cône vers le fond de l'instrument et une pièce de métal reposant sur le bord du cône, cette pièce appelée "araignée" supportant le sillet, les dobros "Dobro" ont un son très typé "Country" National est réputé pour ses instruments à corps métallique et des résonateurs avec le sommet du cône dirigé vers les cordes et sur lequel repose une pièce appelée "biscuit" qui fait office de sillet, ils ont un son plus puissant et typé plus "Blues".

Il existe aussi des Dobro à corps métallique et résonateurs de type "National", et des National à corps en bois, et à résonateur de type "Dobro" mais ce ne sont pas des instruments très recherchés par les musiciens.

Dès les années 1930, des microphones électromagnétiques ont été posés sur des guitares à caisses, branchées sur des amplificateurs, et les guitares à résonateur ont perdu leur raison d'être, mais l'époque était au blues et à la musique hawaïenne utilisant beaucoup le slide et ces guitares à résonateur produisait un son remarquable avec cette technique, ainsi les dobros ont continué de vivre quasiment exclusivement pour le slide.

Pour les musiciens qui jouent uniquement leur dobro en slide, la position du dobro posé à plat sur les genoux est souvent utilisée. Il existe même des dobros spécialement fait pour, ils sont appelés "square neck" (manche carré) car leur manche n'est en fait qu'une "poutre". Les barrettes sont elles, juste dessinées et les cordes à 10 à 15mm du manche, ce qui permet une barre pleine et donc lourde produisant un son plus "épais" et plus facilement maitrisable.

Les différents types de guitares électriques

Les guitares Ѕоlіd Воdу

Les guitares solid body ont un corps plein sur lequel on trouve les cordes et les micros. Particulièrement plébiscitées dans l’univers de la pop ou du rock.

Les guitares demie-caisse ou Hollow body

La guitare semi acoustique et à corps creux (Hollow body) produit des tons chaleureux. Une des plus connues est certainement la Rickenbacker série 330 qui a un corps large avec des ouïes non traditionnelles et qui produit un son plein, riche et chaleureux, apprécié par John Lennon.

Les guitares Аrсhtор

Une « guitare archtop » est une guitare acoustique ou semi-acoustique à cordes d’acier creuse, dotée d’un corps complet et d’un sommet arqué distinctif, dont le son est particulièrement apprécié des guitaristes de jazz, blues et rockabilly.

Les différents types de guitares basses

Les guitares basses acoustiques

Les guitares basses électriques

Les guitares basses hollow Воdу

Les guitares format « mini »

instruments acoustiques Taylor Series GS et Baby sont destinés aux joueurs plus petits et aux débutants à la recherche d’un instrument compact. Mais la qualité de la guitare fait que ces modèles sont également utilisés par des adultes et des musiciens professionnels. Leur corps ergonomique et confortable est par ailleurs très apprécié des guitaristes en général.

les guitares Тrаvеlеr dites de voyage

Les guitares Раrlоr

Les guitares Теnоr

Les marques de Guitare Française 

Nous connaissons tous, les grandes marques de guitare qui dominent le marché des marques de guitare sur la scène internationale comme Gibson ou Fender et je voulais dans cet article mettre à l’honneur des marques de guitares françaises. Ces marques sont moins connues, certes, mais elles mériteraient peut être de l’être un peu plus.

Ceci étant dit, cet article n’est pas destiné à faire de la pub, mais plutôt à vous faire découvrir d’autres marques de guitare qui peuvent valoir le coup.

Quelle marque de guitare frenchees est faite pour vous ?

Lag

Lag est une marque de guitare française créée en 1978 par Michel Chavarria à Toulouse dans le Sud Ouest de la France.

Aujourd’hui Lag propose des guitares aussi bien électriques qu’acoustiques aux qualités sonores exceptionnelles.

Cette marque de guitare a choisi de produire ses guitares d’entrée de gamme dans son usine en Chine, les guitares milieu de gamme dans une usine en Corée et ses guitares haut de gamme dans son atelier de Bédarieux dans le sud de la France.

Pour avoir testé plusieurs Lag, j’ai toujours été surpris par la qualité du son. Même sur les modèles d’entrée de gamme, on retrouve un son plein avec de la personnalité, un grand confort de jeu et une qualité irréprochable. Cette marque de guitare est notamment connu pour ses modèles électriques Roxane et acoustiques Tramontane

Vigier

La marque de guitare Vigier est la marque haut de gamme de ce panel. Vigier a été créée en 1980 par Patrice Vigier, depuis lors, cette marque de guitare produit ses guitares exclusivement en France et est à la pointe de la technologie et de l’innovation.

Vigier se différencie des autres marques de guitare par l’extrême minutie qu’elle met à fabriquer ses guitares. Pour donner un exemple : les bois sont séchés pendant 3 ans avant d’être utilisés et les collages ou vernis sont mis à sécher pendant 5 semaines avant d’être considérés comme secs. A titre de comparaison, une bonne marque de guitare fait sécher ses bois pendant 1 an et ses vernis pendant 1 à 2 semaines.

Vigier a aussi developpé au fil des ans des partenariats de qualité avec des artistes célèbres comme Christophe Godin, Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin ou encore Simple Minds.

Son modèle phare est la Vigier Excalibur.

Custom 77

La marque de guitare Custom 77 est un fabricant français basé à Lyon. Les fondateurs, ont voulu créer des guitares approchant le son des instruments vintage tout en restant à des prix abordables.

Après plusieurs mois d’études et de mise au point du concept, la marque de guitare Custom 77 lance sa production dans une usine de Corée. Elle réplique des modèles de guitares célèbres de type SG, Les Paul, Télécaster, … tout en travaillant particulièrement sur les qualités sonores des guitares.

Après avoir commencé par les guitares électriques, Custom 77 propose aujourd’hui tout une gamme d’instruments basée sur la même philosophie : un prix abordable, des matériaux et une fabrication de qualité et surtout un son vintage haut de gamme.

Cette marque de guitare propose donc aussi des guitares acoustiques, électrique, basse, des amplis, des effets et des batteries.

Pour ceux qui s’inquiètent de la fabrication des guitares en Corée, sachez que les Coréens sont à la point de la qualité dans le domaine des instruments de musique mais aussi de l’électronique. Aujourd’hui une guitare fabriquée en Corée est fabriquée avec les mêmes standards qu’une guitare fabriquée au Japon, aux USA ou en France.

Choisir le bois de votre guitare

L’influence du bois sur le son d’une guitare est un élément important et l’influence du corps imprime une personnalité sur tous les aspects du son, mais cela s’entend surtout dans le sustain du son et son déclin. L’attaque quant à elle vient principalement du bois de la touche, et le bois du manche influencera plus sur la longueur du sustain plutôt que sur sa personnalité.

Les bois avec lesquels une guitare acoustique est fabriquée ont peut-être plus à voir avec le ton général de la guitare qu’avec la plupart des autres aspects de sa construction. Ils ont également un impact important sur l’aspect et le coût global de l’instrument. Vous trouverez ci-dessous quelques-uns des bois de son les plus couramment utilisés par Taylor, ainsi qu’un peu de ce qu’ils apportent à votre nouveau Taylor, à la fois sur le plan sonore et visuel.

Les essences de bois

  • Épicéa Epicéa De loin, le bois de résonance le plus populaire pour les haut-parleurs de guitares acoustiques, l’épicéa massif apporte un équilibre glorieux entre projection, articulation et chaleur pour toutes les guitares qu’il porte.Que vous choisissiez l’épicéa de Lutz, Sitka, Engelmann ou Adirondack, vous pouvez vous attendre à un instrument puissant avec beaucoup de détails sonores.
  • Cèdre Cèdre Le cèdre est également un bois de résonance très utilisé pour les dessus de guitare acoustique. En comparaison avec l’épicéa, le cèdre offre un ton beaucoup plus doux, plein de chaleur et d’informations harmoniques. Il a également la capacité étrange de traduire tout cela parfaitement lorsqu’il est joué avec une touche délicate. Bois arrière et latéraux
  • bois de rose Bois de rose Les guitares acoustiques avec le dos et les côtés en palissandre sont parmi les plus populaires de l’histoire. Le bois de rose séduit non seulement par ses motifs de grains chocolatés, mais également par son caractère puissant, ses basses percutantes et son haut de gamme croustillant qui donnent l’impression que les instruments prennent vraiment vie.
  • Acajou Acajou L’acajou est un autre bois que vous trouverez sur des milliers de guitares acoustiques à travers le monde. Sa couleur dorée est immédiatement reconnaissable et sa chaleur mi-focalisée en fait un favori des auteurs-compositeurs et des guitaristes rythmiques.
  • Érable figuré Erable Principalement trouvé sur la série 600 de Taylor, l’érable figuré est peut-être le bois de résonance le plus frappant que vous puissiez trouver. Et à cause de la densité de l’érable, c’est aussi le plus transparent des tons. Vous apprécierez tout le caractère offert par la conception de la guitare, tout en écoutant toutes les informations de pointe que votre style de jeu évoque.
  • Koa Koa Les guitares fabriquées à partir de koa ont gagné en popularité. Le bois de résonance est capable d’une silhouette extraordinaire. Cela, avec la couleur caramel de la guitare, vous coupera le souffle. Sur le plan sonore, vous pouvez vous attendre à une tonalité centrée avec un peu de carillon haut de gamme ajouté.
  • Bois noir Blackwood est une excellente option si vous voulez que chaque note chante avec une clarté audacieuse au sommet et aux médiums. Vous trouverez ce bois de qualité dans la série 300 de Taylor, combiné à la chaleur du dos et des côtés en acajou.
  • Ovangkol Ce bois de résonance sous-estimé partage beaucoup de points communs avec le bois de rose. Vous trouverez à peu près les mêmes caractéristiques de bas de gamme et de top clair. Mais ovangkol ajoute également un peu plus d’informations bas-milieu.
  • Bois de résonance En superposant des bois pour créer le dos et les côtés d’une guitare, Taylor est capable d’utiliser une grande variété de bois de reproduction, tels que le sapele, le koa, le noyer, etc. Cette méthode, bien que pas aussi riche en harmonie que le bois massif, offre une rigidité et une durabilité accrues. C’est idéal pour les joueurs en tournée qui ont besoin d’une guitare pour supporter un peu d’abus.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Les Accessoires Indispensables du Guitariste

Il existe des accessoires indispensables à certains instruments. Si le piano se suffit à lui-même, des instruments comme la guitare se doivent d’avoir des accessoires afin de ne pas être abîmé, pouvoir être transporté, voire pouvoir être joué.

L’achat d’une guitare sera donc seulement une part de l’investissement. Voici ci-dessous les autres accessoires auxquels il faut penser lors de son achat :

5 accessoires indispensables quand on débute la guitare

  1. L'accordeur
  2. La sangle
  3. Le médiateur
  4. Le capodastre
  5. Le stand & housse, étui

L’ACCORDEUR

 l’accordeur : autre accessoire indispensable, l’accordeur de guitare vous permet de jouer sans fausses notes. Un accordage approximatif s’entend directement et la musique peut être gâché par cette approximation. Hors, rien de plus simple que l’utilisation d’un accordeur. Il y en a pour tous les goûts, pour tous les budgets et pour toutes les utilisations. Du simple accordeur à pince à l’accordeur pédalier, les musiciens amateurs comme professionnels s’y retrouveront.

Accordeur à pince

Même si vous pouvez essayer de vous accorder à l’oreille, un accordeur est plus simple d’utilisation, plus rapide et permet de vérifier votre accordage de manière sûre, surtout quand on débute. C’est probablement le premier outil dont vous aurez besoin.

Les différents types d’accordeurs

Il existe différents modèles d’accordeurs. Il faut d’abord savoir qu’ils se divisent en deux catégories : les non-chromatiques permettent simplement de s’accorder en accordage standard et les chromatiques qui permettent de choisir un autre type d’accordage et reconnaissent les demi-tons.

Accordeur avec micro

Ensuite, selon votre type de guitare, certains accordeurs seront plus ou moins adaptés. Par exemple, les guitares électriques, les basses et les électro-acoustiques peuvent utiliser des accordeurs sur lesquels on peut se brancher. Les guitares sèches, elles, peuvent utiliser un accordeur avec micro, le seul inconvénient étant qu’il ne doit pas y avoir trop de bruit autour du son de votre guitare.

Le dernier type d’accordeur qui est aussi mon préféré, c’est l’accordeur à pince. Petit, pratique et polyvalent (il est adapté à toutes les guitares), il capte les vibrations de votre guitare et permet de vous accorder même s’il y a du bruit autour de vous.

La sangle

sans elle vous ne pouvez pas jouer de votre instrument en étant debout.

Le bottleneck

Le bottleneck, littéralement "cou de bouteille", est un cylindre qui peut être dans des matières différentes (métal, verre...) qui permet d'obtenir des effets de glissés sur les cordes typiques de la guitare blues ou de la musique hawaïenne. On l'enfile sur un des doigts de la main qui joue sur le manche.

Le repose-pied

Le repose pied vous permet de garder une bonne posture

Le repose-pied est principalement utilisé par les guitaristes classiques, cependant tout le monde devrait en avoir un. Il ne coûte pas très cher et vous permet de garder une bonne position au niveau du dos et de tout votre corps.

Si vous ne prenez pas de bonnes habitudes dans votre position, vous développerez des tensions qui vous bloqueront pour avancer et dont il sera difficile de se séparer.

LES ETUIS

La housse de guitare : la guitare étant un instrument nomade par nature, il est certain que vous allez chercher une manière facile et sans risque de transporter votre instrument. La housse peut être de différents types : en dur, dans ce cas on les appelle étuis ou flight case. Ils sont efficaces pour un transport régulier et lorsque les instruments sont entassés. Solides et incassables, ils permettent de les ranger comme des cartons. Par contre, ils sont très lourds et encombrants. Pour un transport moins régulier et surtout plus délicat, les housses en nylon suffiront. Bien moins chères, elles protègent les instruments des rayures et autres agressions mais sont bien moins efficaces en cas de chutes ou d’écrasement. L’étui est très important pour votre guitare car il va la protéger lorsque vous la laisserez chez vous (mieux vaut que la guitare soit protégée) ou lorsque vous la transporterez à l’extérieur.

Les choix d’étuis pour votre guitare

Il en existe trois sortes :

Etui rigide

Les étuis rigides qui sont les plus onéreux (200 euros environ), mais ils seront aussi ceux qui protégeront le mieux votre guitare des chocs et des intempéries.

Etui souple

Les étuis souples, qui ne sont généralement pas si souples puisqu’ils ont du carton à l’intérieur, coûtent beaucoup moins cher (30 euros). Ils protègent un minimum votre guitare mais vous devrez tout de même y faire attention.

Housse de guitare

Les housses sont celles qui protègent le moins bien. Vous pourrez en trouver entre 25 et 100 euros. Elles ont tout de même l’avantage d’être très légères et facilement transportables.

LES MEDIATEURS

Qu’est-ce donc ? Peut-être avez-vous déjà vu des guitaristes l’utiliser, il s’agit d’un petit triangle, souvent en plastique, que l’on prend dans sa main droite et avec lequel on gratte les cordes. Il peut servir pour les accords ou pour jouer des solos, en donnant plus de puissance et d’attaque à votre jeu.

Les médiators ne coûtent vraiment pas cher, vous en trouverez pour moins d’un euro ! Le prix dépend surtout de la matière, ceux en bois ou en os sont un peu plus coûteux.

Parmi la multitude de choix qui s’offre à vous, il n’est pas si facile de trouver celui qui vous conviendra. épais vous servira à jouer des solos ou des parties rapides, il est plus précis. Si vous avez un gros tirant de corde (si elles sont très épaisses), mieux vaux prendre un médiator un peu épais pour bien les faire sonner.

En revanche, il en faut un plus fin pour les accords, si vous voulez vous accompagner au chant par exemple. Attention toutefois à ne pas aller trop fort avec un médiator épais pour ne pas trop abîmer les cordes et risquer qu’elles se cassent.

La forme est aussi importante, elle influe sur l’attaque des cordes. Si vous prenez un médiator au bout pointu, il aura une attaque franche et il permettra de jouer plus vite car il est plus précis.

Pour ce qui est de la taille, plus vous voulez jouer vite, plus votre médiator devra être petit. Plus vos mouvement seront amples, plus vous devrez en prendre un grand.

Médiator Standard en Nylon

le Médiator :  si la guitare classique se joue avec les ongles, les autres styles de musique nécessitent la plupart du temps l’utilisation d’un plectre ou médiator. Ce n’est pas le plus onéreux des accessoires mais il faut y penser. Le choix se fera en fonction de la guitare, des cordes et du jeu. Il pourra être fin, en plastique ou dur et épais voire en bois. En tant que débutant, ne vous embêtez pas trop avec ça. Choisissez un médiator de forme standard et de taille moyenne, en nylon.

le ultex : c’est une autre matière brevetée par Dunlop, elle est encore plus dure et rigide que le tortex, elle s’use très lentement le métal : donne un son claquant à votre jeu

le bois : ça dépend des variétés de bois qui peuvent être très dures ou très tendres

l’os : donne un son chaud

la corne : donne un son très claquant et s’use très peu

                                                                                             

LES CABLES

Si vous avez une guitare électrique ou une basse, vous devrez la brancher à votre ampli avec un câble. Contrairement à ce que l’on pourrait penser, tous les câbles ne sonnent pas de la même manière. Plusieurs critères influent sur le son.

D’abord, la longueur du câble. Plus un câble est long, plus il y a de perte. Il ne faudrait pas en prendre un de plus de 3 mètres mais cela peut se révéler peu pratique dans certaines situations (si vous jouez sur scène).

La qualité des matériaux au niveau des connectiques du câble est aussi importante, car les matériaux nobles diminuent la résistance et donc les pertes de puissance ou de qualité du signal. Dans l’ordre, les meilleurs matériaux sont d’abord l’or, puis le cuivre et ensuite vient l’aluminium.

Le diamètre influe aussi sur la qualité du signal et sur le gain, mais ce paramètre est moins important pour un débutant. Choisissez aussi un câble bien solide !

le capodastre :

Accessoire indispensable du guitariste accompagnateur, le capodastre permet de moduler la tonalité de la guitare tout en gardant les accords de base. Le choix d’un bon capo est indispensable pour ne pas abîmer son instrument et pour une utilisation sereine sans désaccordage intempestif.

Le Jeu De Cordes De Rechange

Ayez toujours des cordes de rechange chez vous, imaginez que vous en cassiez une et que votre après-midi guitare soit gâché ! Triste de devoir trouver autre chose à faire d’aussi cool 😉 . Je vous expliquerai pendant les cours ou le moment venu quelles sont les différences entre les cordes disponibles sur le marché et surtout, comment les changer … Don’t panic.

L’huile de citron pour nettoyer une guitare

L’huile de citron est utilisée régulièrement pour l’entretien des meubles en bois. Elle peut donc aussi servir au nettoyage de votre guitare et devrait faire partie de votre kit d’entretien de votre guitare. Appliquez l’huile de citron à l’aide d’un chiffon propre et frottez la touche de guitare. En plus de nettoyer le bois de la guitare, l’huile de citron le protégera contre les taches et l’humidité en agissant comme un scellant. biensur sur un manche de guitare non vernis

Cette huile de citron aidera à nettoyer le bois et à redonner le lustre d’antan du manche de votre guitare.😁

Le polish

Le nettoyage d'une guitare ne doit pas se faire avec n'importe quel produit ménager car le vernis est fragile et un produit agressif risquerait de ternir son brillant. Le polish est spécialement conçu pour nettoyer les guitares et de leur redonner leur éclat du premier jour ! A noter qu'il existe des produits spécifiques pour nettoyer la touche (la partie du manche sur laquelle on pose les doigts) comme l'huile de citron.

Enrouleur de cordes

Les enrouleurs sont des outils des petits outils simples qui vous aideront à remonter vos cordes beaucoup plus vite que de tourner les mécaniques à la main. Ils vous permettent également de passer sous vos chevilles de chevalet (qui maintiennent les cordes dans votre chevalet) et de les faire sortir facilement. Le prix des enrouleurs tournent autour de 2 à 5 euros. Vous serez très heureux de les avoir achetés quand vous réaliserez combien de temps ils vous feront gagner.

Coupe cordes

Pour changer les cordes de votre guitare, vous aurez besoin des bons outils pour la faire fonctionner le plus rapidement possible. Les cordes de guitare sont plus longues qu’il n’en faut pour qu’elles puissent s’enrouler plusieurs fois autour de vos mécaniques présentes sur la tête de votre manche de guitare. Donc, une fois que vous avez fini de changer vos cordes, vous allez avoir un peu de corde en excès. En réalité une simple pince coupant sortie de votre boîte à outils suffit !

Le stand de guitare

accessoire très utile pour garder la guitare à portée de main sans la caler en équilibre contre le mur ou le meuble d’à côté. Votre guitare vous remercie d’avance ! On peut aussi installer des supports muraux (comme dans les magasins) pour conserver toute la place au sol et mettre en valeur son bel instrument.

Le Fast Fret

Ce produit imbibe grace à son applicateur les cordes d'une substance qui allonge la durée de vie des cordes. Cette substance est également lubrifiante, le confort de jeu s'en trouve amélioré, les doigts glissent plus facilement sur les cordes.

 

L’AMPLIS

l’amplificateur est un maillon nécessaire aux guitaristes électriques. Qu’ils utilisent une guitare électro-acoustique, une guitare jazz ou une guitare électrique, ils auront besoin d’un ampli pour pourvoir entendre et diffuser le son de leur instrument. Accessoire non négligeable de par la taille et son prix, le guitariste ne peut y couper. De l’ampli 1 watts pour sa chambre d’étudiant aux blocs de 1500 watts, tout existe. Le choix se fera sur la destination : jouer pour s’entrainer seul chez soi, une répétition avec batteur, ou jouer en concert dans une petite ou grande salle. Mais il se fera aussi sur la qualité et le traitement de son souhaité : les marques ont souvent une couleur de sons qui ont la préférence des guitaristes.

Les différents amplis de guitare.

Aujourd’hui, on trouve des amplis de guitare à transistors, à lampes, ou encore à modélisation. De toute puissance, sous plusieurs types de formats, c’est aujourd’hui un marché en constante évolution, profitant des innovations numériques de pointe, si bien que trouver un ampli, aujourd’hui, peut relever d’un casse-tête absolument rédhibitoire. Essayons de faire la lumière, avec ou sans lampe, sur ce monde ténébreux, mais ô combien éclairé des amplificateurs de guitare.

Les différents types d’ampli de guitare électrique

Il est important de savoir, dans un premier temps, qu’il existe trois grandes familles d’amplificateurs pour guitare, aujourd’hui : les amplis à lampes, les amplis à transistors, et les amplis à modélisations (apparentés aux amplis à transistors).

Les amplificateurs de guitare à lampes

Ces amplis sont réputés comme étant la crème de la crème. En effet, un guitariste cherchant à atteindre un son de haute qualité se penchera vers un ampli à lampes. Ces amplis sont réputés pour leur longévité, leur puissance, la chaleur des sons qu’ils délivrent, leurs grandes qualités techniques, mais aussi pour leur poids, et leur prix (assez lourds tous les deux) !

En effet, ces petites bêtes sont beaucoup plus lourdes que des amplis à transistors, et s’avèrent souvent délicats à transporter de la maison à la salle de répète, et de la salle de répète à la salle de concert. Et je ne vous parle pas des voyages de retour, quand, après avoir joué pendant des heures, au petit matin, alors que tous vos amis sont allés se coucher depuis longtemps, vous vous retrouvez seul, devant votre voiture, fatigué à ne plus pouvoir tenir debout, votre gros ampli à lampe sur le trottoir… Oui, ça sent le vécu…

De plus, il faudra envisager un budget bien plus important, pour une puissance équivalente, que pour un ampli à transistors, ou à modélisations… J’ajoute que l’on ne peut pas, à moins de s’y connaître quelque peu, changer les lampes comme on change les ampoules à la maison. Cela nécessite des opérations bien particulières, qui ne peuvent se faire sans matériel adéquat. Ce qui signifie que mieux vaut faire faire cette opération par un luthier confirmé…

Bref, vous l’aurez compris, un ampli à lampes demande autant qu’il donne. Mais, quand on aime …

- Zoom sur des lampes d’un ampli -

A noter que l’on doit être attentif à la puissance de l’ampli à lampe convoité. En effet, le rendu semble plus important, à puissance égale, qu’un ampli à transistors. Et jouer à faible volume avec un ampli à lampe est moins efficace qu’avec un ampli à transistors, les lampes n’étant réellement opérationnelles qu’à puissance élevée. Du coup, soit on achète un ampli à lampe de faible puissance (entre 1W et 5W, pour jouer à la maison), soit on achète un ampli plus puissant pour jouer en groupe, en concert … et on s’équipe d’un atténuateur de puissance pour jouer à faible volume, mais à pleine puissance à la maison. Pour plus d’informations sur les amplis à lampes, vous pouvez consulter l’article sur le sujet en cliquant sur le bouton ci-dessous :

Les amplificateurs de guitare à transistors

Cette famille d’amplis pour guitare, contrairement aux amplis à lampes, n’a pas la double fonction de boite à sons et de radiateur … En effet, on ne rencontre pas de souci de chauffe sur les amplis équipés de transistors. Cependant, ils génèrent également moins de grain, et moins de dynamique …

Mais ce manque de dynamique joue en leur faveur, dans la mesure où cela leur permet de conserver une constance certaine dans la qualité du son émis, que l’on joue à faible volume, ou que, au contraire, on joue à faire trembler les murs.

A noter, ceci dit, que les amplis à lampes aiment davantage être utilisés à pleine puissance que les amplis à transistors. Donc, ne pas hésiter, lorsqu’on opte pour l’achat d’un ampli à transistors, à choisir un ampli un poil plus puissant que le besoin réel, afin de ne pas trop le pousser dans ses ultimes retranchements.

  1. - Un classique : l’ampli Peavey Bandit 112 Sheffield, un des meilleurs de sa catégorie -

Les amplis à transistors ont une technologie plus accessible. Ils sont donc meilleur marché, moins chers. Ils sont également plus faciles à réparer, le cas échéant. Ils ont l’avantage non négligeable d’être beaucoup plus légers à transporter que les amplis à lampes, et croyez-moi, ça peut être un argument … de poids, lorsqu’on s’achète un ampli. Pour plus d’informations sur les amplis à transistors, vous pouvez consulter l’article sur le sujet en cliquant sur le bouton ci-dessous : • Les amplificateurs de guitare à modélisations Cette famille « moderne » d’amplis est à rattacher à celle des amplis à transistors, dont elle est la cousine directe. Ce qui différencie essentiellement les deux, ce sont, comme leur nom l’indique, les modélisations.

Ce sont, pour résumer brièvement, des effets inclus dans le pré amp de l’ampli, permettant de passer d’un son clair cristallin à une saturation de sauvageon en un tour de main, ou de potentiomètre, tout en y mettant des effets de spatialisation, et autres (voir article sur les effets pour guitare). Certains de ces amplis sont d’ailleurs équipés de pédaliers, permettant de pratiquer ces changements de son directement au pied, comme avec un vrai pedalboard, par exemple. A noter que la plupart de ces amplis à modélisations fonctionnent sur des amplis à transistors. Mais certains modèles, plutôt à destination des professionnels, sont aujourd’hui équipés de pré amp à modélisations sur des amplis à lampes, pour un rendu qualitativement optimum. Niveau gamme de prix, on est un peu au-dessus des amplificateurs pour guitare à transistors, mais bien en dessous des amplis à lampes. Une solution presque tout-en-un, pratique, légère, moderne, pour un prix généralement raisonnable.

- Line6 se lance dans la course avec la série très réussie Spider  Pour plus d’informations sur les amplis à modélisations, vous pouvez consulter l’article sur le sujet en cliquant sur le bouton ci-dessous : • Les amplificateurs de guitare « hybrides » Il existe également une famille d’amplis que l’on appelle « hybrides ». En effet, ces amplificateurs sont dotés d’un pré amp à lampe, alors que l’ampli de puissance est équipé, quant à lui, de transistors. Cette famille d’amplis avait été créée pour servir de compromis acceptable entre un ampli à transistors, et un ampli à lampes. Cependant, cette famille « divergente » d’amplis a tendance à laisser la place à la famille des amplificateurs de guitare à modélisations.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Qu’est-ce qu’une tablature ?

En tant que guitariste vous avez surement déjà entendu parler de tablatures, de tabs ou encore de partitions de guitare.

La TABLATURE c’est un peu le dénominateur commun de tous les guitaristes (en dehors des guitaristes classique), un élément central qui distingue notre famille des autres instrumentistes.

Définition de la tablature:

Si l’on se réfère à la définition de la tablature est un « système de notation d’une pièce instrumentale indiquant, sur une représentation schématisée des parties d’un instrument, les doigtés et le rythme ».En d’autres termes, la tablature offre une représentation schématique de l’endroit où vous devez poser les doigts sur le manche de guitare et les cordes que vous devez gratter en rythme. Comprenant des dizaines de tablatures gratuites pour débutant, des exercices, des arpèges et des rythmiques à travailler.

Quelle est la différence entre une tablature et une partition de guitare ?

La tablature est différente de la partition dans le sens où elle prend en compte les spécificités technique de l’instrument. Elle est vite devenue populaire chez les guitaristes du fait que l’on peut jouer la même note à plein d’endroits différents sur la manche de guitare. Voici un exemple avec le même Mi sur un manche de guitare. On peut jouer la même note à plein d’endroits.

Comment faire sur une partition pour savoir où la jouer ?

La tablature propose également toute une série de symboles pour représenter les effets de jeu :

bends, slides, hammer-on, etc. Ce genre d’effets ne sont pas proposés sur une partition de guitare classique. Nous aurons l’occasion de les voir dans la suite de cet article.

La tablature comme remède miracle contre le solfège ?

Il faut avouer qu’en tant que guitariste on a de la chance d’avoir la tablature. Ca nous évite d’apprendre le solfège qui n’est pas une discipline très réjouissante quand on apprend la guitare. Bien que le solfège soit très enrichissant, il n’est pas essentiel à mes yeux lorsqu’on apprend la guitare de s’y mettre dès le départ. C’est un chantier qui peut être mené par la suite. La tablature est le format de partition guitare le plus répandu en ligne La tablature s’est fortement démocratisée avec l’expansion du logiciel Guitar Pro au début des années 2000. Des milliers de transcripteurs amateurs se sont mis à repiquer sur Guitar Pro leurs morceaux favoris. Aujourd’hui on dénombre des centaines de milliers de tablatures en ligne

Ca serait dommage de ne pas apprendre à les lire, n’est-ce pas ?

Quels sont les différents types de tablatures que l’on retrouve en ligne ?

Si vous recherchez des tablatures en ligne sur Google, vous êtes susceptible de tomber sur 3 principaux formats de fichiers.

Les Tablatures type Guitar Pro

C’est le format de tablature que je vous recommande d’utiliser car c’est le plus complet. Il propose la tablature, les effets de jeu ainsi que le rythme en même temps. Si vous avez Guitar Pro ou un lecteur de tablature similaire, vous pouvez jouer par dessus le playback ou ralentir le tempo pour jouer plus facilement. C’est un très bon outil pour accélérer votre apprentissage. Ce format est très répandu car il ne nécessite aucun logiciel pour lire une tablature. Le problème majeur c’est qu’il n’est pas très lisible et qu’il ne propose pas d’indication rythmique de jeu.

Les Tablatures Accords + Paroles

Ce format ne nécessite pas non plus de logiciel pour être lu. C’est un format un peu différent qui est intéressant pour les guitaristes qui veulent jouer et chanter en même temps.

Ce format de partition ne propose pas non plus de notation rythmique du morceau.

Comment lire une tablature de guitare ?

Le fonctionnement de base

A quoi ressemble une tablature ?

Vous remarquez les 6 lignes sur cette image ?

Ces 6 lignes représentent les 6 cordes de la guitare. Il existe des tablatures avec plus de lignes (7 pour les guitares 7 cordes, 8 pour les guitares 8 cordes, etc.)

mais dans 90 % des cas vous tomberez sur 6 ces lignes.

Ces 6 lignes représentent les cordes telles que vous les voyez lorsque vous avez la guitare sur les genoux et que vous regardez le manche :

La corde de Mi grave se trouve en bas, la corde de Mi aigu en haut. Voici l’ordre des cordes si vous ne les connaissez pas encore :
  1. Mi aigu (corde en haut de la tablature)
  2. Si
  3. Sol
  4.  Ré
  5.  La
  6. Mi grave (corde en bas de la tablature)
Le sens de lecture de la tablature est le même que pour une partition traditionnelle. Il se fait de gauche à droite.

Lire les notes et les arpèges

Voici une représentation du jeu d’une mélodie note à note. Lorsqu’on visualise qu’une seule note on ne joue qu’une seule note à la fois.

Les chiffres représentent les cases ou les doigts doivent se situer et appuyer pour jouer une note donnée. Si vous voyez un zéro (0) sur l’une des cordes cela signifie que vous devez la jouer à vide, c’est à dire la gratter sans faire intervenir la main gauche (si vous êtes droitier).

Lire les accords

Lorsque vous tombez sur plusieurs chiffres sur la même ligne, cela signifie que vous rencontrez un accord de guitare. Dans ce cas vous devez jouer les différentes notes représentées par les chiffres en même temps.

Vous pouvez le faire avec un médiator ou aux doigts. Nous verrons par la suite que parfois la tablature le précise via des symboles précis.

Vous pouvez également retrouver au dessus d’un accord un diagramme ainsi qu’une lettre qui symbolise le nom de l’accord.

Cet article ne concerne pas l’apprentissage des accords mais voici pour rappel la correspondance des noms d’accords avec le système de notation anglais par lettres :

  • C = Do
  • D = Ré
  • E = Mi
  • F = Fa
  • G = Sol
  • A = La
  • B = Si

Si la lettre est seule il s’agit d’un accord majeur. Si elle est accompagnée d’un « m » minuscule il s’agit d’un accord mineur.

Sur les diagrammes d’accords vous retrouverez aussi parfois des numéros. Ces numéros correspondent aux doigts à poser pour former un accord. Voici la correspondance des numéros vis-à-vis des 5 doigts :

  1.  1 = index
  2. 2 = majeur
  3. 3 = annulaire
  4. 4 = auriculaire
Si la partition de guitare est bien réalisée ces indications de numéros vous permettront de faciliter vos enchaînements d’accords en plaçant les bons doigts au bon endroit.

Lire le rythme

Les débits

La notation rythmique d’une tablature fonctionne comme pour une partition traditionnelle avec le solfège rythmique. Voici les différents débits de notes que vous retrouverez sur une tablature et leur équivalence pour une mesure en 4/4 (4 temps par mesure) :
  • Ronde = 4 temps
  • Blanche = 2 temps
  • Noire = 1 temps
  • Croche = 1 demi-temps
  • Double croche = 1 quart de temps

Il existe également d’autres symboles fréquents qui modifient les durées de notes et les débits : • Les triolets (division par 3) • Les notes pointées (augmente de ½ la durée de la note. Exemple : une noire qui vaut 1 temps vaut en pointée 1 temps ½

Les silences

Les silences (les moments durant lesquels on ne joue pas en musique) sont également représentés sur la partition. Pour chaque durée, un symbole existe :
  • Pause pour la ronde
  • Demi pause pour la blanche
  • Soupir pour la noire
  • Demi soupir pour la croche
  • Quart de soupir pour la double croche

Les mesures

Les mesures sont représentées par les blocs séparés de barre de mesures. Ce qui définit la durée de la mesure et la signature rythmique.

La signature rythmique

Dans la plupart des morceaux que vous apprendrez vous verrez très régulièrement le symbole 4/4.

Il en existe plein d’autres que vous pouvez rencontrer :

  • 5/4, 6/8, 3/4, 12/8, etc.

Le premier chiffre que vous rencontrez en haut donne l’information du nombre de temps par mesure (exemple : 4 = 4 temps).

Le deuxième chiffre vous donne l’information de quelle note détermine le temps. Si vous voyez un 4 cela signifie qu’il s’agit d’une noire. Si vous voyez un 8 cela signifie que c’est la croche qui est la référence.

Ainsi, une signature en 4/4 veut dire que vous avez 4 temps d’une valeur d’une noire par mesure.

Le tempo

La tablature indique systématiquement le temps en début de partition. Si vous utilisez un logiciel type Guitar pro, vous verrez systématiquement en début de fichier l’indication du tempo de la partition.

Si le morceau a des changements de tempos vous verrez cette même indication à chaque changement au sein de la tablature.En matière de notation rythmique, vous êtes susceptible de voir de temps à autre un symbole d’interprétation rythmique au début de vos tablatures de guitare.

L’interprétation rythmique la plus connue que l’on retrouve dans le Blues est le Shuffle. Il caractérise le groove dans ce style de musique. Si vous voulez en savoir plus sur ce sujet, je vous invite à lire du site 6 cordes disponible

Lire les principaux symboles et effets de jeu que l’on retrouve sur une tablature C’est ici que la tablature prend tout son sens.

La tablature est la notation idéale du guitariste pour représenter toute la palette d’effets que l’on peut réaliser sur le manche de guitare.

Il faut dire que les guitaristes ont beaucoup d’effet de jeu à leur disposition. On va lister ensemble dans cette section les effets que l’on retrouve couramment.

LES SYMBOLES

SINGNES & VOCABULAIRE

Note liée

La note liée est représentée par une courbe entre la note jouée et la liaison. Elle correspond à une note que l’on joue et qui va venir dépasser sa durée initiale. Elle va continuer de sonner sur le temps suivant, la croche suivante ou pourquoi pas la mesure suivante.

On peut lier plusieurs notes simultanément. Exemple : un accord qu’on laisse sonner.

Note suggérée

La note suggérée est représentée via un chiffre entre parenthèses. Quand vous voyez ce symbole de notation musicale vous devez jouer très doucement voire à peine jouer la note concernée.

Note accentuée

La note accentuée est représentée par une sorte de crochet. On voit parfois un crochet vers le haut (lorsque la note est fortement accentuée). Le symbole signifie que vous devez jouer plus fort la note. A la guitare, cela correspond souvent à attaquer plus vivement la note au médiator ou aux doigts.

Staccato

Une note jouée staccato est surmontée d’un point. Une note staccato doit être jouée très brièvement indépendamment de la durée de la note initiale.

Legato

Le legato est une technique qui est très répandue. Des guitaristes tels que Joe Satriani ou Steve Vai l’utilise très souvent. La technique consiste à attaquer une note puis à enchaîner d’autres notes sans les attaquer à l’aide de la main droite (pour les droitiers).Les notes qui suivent sont uniquement jouées à l’aide de la force de la main gauche. Lorsque les notes sont ascendantes on utilise les hammer-on. Quand les notes sont descendantes on utilise les pull-off.

Le legato est représenté sur la tablature par une arche au dessus ou en dessous du groupe de notes jouées. La notation est complétée d’un H pour représenter les hammer-on et d’un P pour symboliser les pull-off.

Let ring:

Le let ring signifie en anglais “laisser sonner”. Cet effet de jeu est employé sur les accords ou les arpèges. Il consiste tout simplement à laisser sonner les notes que l’on joue.

Palm mute:

La technique du palm mute se place à l’opposé du let ring. Elle consiste à étouffer les notes ou accords joués à l’aide de la tranche de la main. On retrouve souvent cet effet de jeu dans le Rock ou Metal lorsqu’on joue en distortion (mais pas que).

Sur la tablature, on repère cet effet grâce au symbole « P.M. » (initiales de Palm Mute).

Note étouffée(aussi appelée « dead note » ou « ghost note »)

La technique de la note étouffée est représentée par des croix à la place des numéros sur les lignes de la tablature.

Cette notation musicale correspond au fait d’attaquer une ou plusieurs cordes tout en posant la main gauche sans appuyer sur le manche de guitare. En résulte un son percussif qui ne correspond pas au jeu d’une note. On retrouve souvent cette technique dans les rythmiques Funk par exemple.

Harmonique naturelle:

L’harmonique naturelle est symbolisée sur la partition du guitariste par une note entourée d’un losange. Pour jouer une harmonique naturelle à la guitare vous devez placer votre doigt au dessus des frettes 5, 7 ou 12 en effleurant la corde avec la main gauche (pour les droitiers) tout en grattant la corde

Il existe d’autres repères sur la guitare pour jouer des harmoniques naturelles mais ces trois repères sont les plus courants.

Harmonique artificielle

L’harmonique artificielle est un effet de jeu qui regroupe plusieurs techniques : Harmonique artificielle (du même nom) : elle est représentée par un losange et le symbole AH sur la tablature. Pour jouer cet effet de jeu vous devez jouer une note (disons en case 3) et positionner à l’octave de cette note (la 15e case) un autre doigt qui doit effleurer la corde tout en grattant la corde. J’avoue que ça n’est pas quelque chose de facile à jouer ni à expliquer :-). L’idée principale est ici de reproduire l’harmonique naturelle sur une autre tonalité.

Harmonique tapée:

Elle est représentée par un losange et le symbole TH sur la tablature. Cet effet de jeu est le même que le précédent à l’exception que l’harmonique est tapée avec la main droite au niveau de la frette à l’octave (un peu comme une forme de tapping)

“Pinch” (aussi appelée sifflée) 

Elle est représentée par un losange et le symbole PH sur la tablature. Cet effet de jeu est très utilisé en Metal à l’aide de distortion. Il consiste à attaquer la corde au médiator et à laisser la pulpe du pouce effleurer la corde juste après le passage du médiator. L’effet de jeu est souvent accompagné d’un vibrato pour accentuer le côté hurlant de cet effet.

Semi harmonique:

Elle est représentée par un losange et le symbole SH sur la tablature. Il s’agit du même effet de jeu que l’harmonique sifflée à l’exception que l’on mélange ici le son de l’harmonique avec le son naturel de la note. Cette technique nécessite pas mal d’entraînement pour être bien exécutée.

Bends:

Le bend est l’effet de jeu guitaristique par excellence. On le retrouve très souvent sur les tablatures de guitare.

La technique consiste à jouer une note et à tirer la corde plus ou moins fort pour augmenter la hauteur de la note jouée.

Sur la partition, le bend est représenté par une flèche courbée accompagnée d’un chiffre allant de ¼ à 3. Le chiffre représente le nombre de tons à atteindre depuis la note de référence.

Ainsi, si vous faites un bend de ½ ton sur la 12e case de la corde de Mi aigu vous jouez un Mi qui va sonner comme un Fa.

Il existe une infinité de variations en matière de Bends : des bends ascendants, descendants, ascendants et descendants, des pré-bends, etc. Pour vous inspirer, vous pouvez écouter David Gilmour, c’est un bon début

Le Vibrato:

Le vibrato est un effet qui correspond à une vibration/ondulation de la note pour l’orner et la rendre plus importante dans une mélodie. Le vibrato peut être réalisé de plusieurs manières : Via un vibrato à l’aide de la main gauche : dans ce cas de figure l’effet est représenté par une vague plus ou moins importante au dessus de la noteVia la barre de vibrato de la guitare : dans ce cas là, l’effet est représenté par une barre ascendante et/ou descendante

Slide:

La technique du slide est elle aussi très utilisée à la guitare et notamment dans le jeu solo. Elle consiste à jouer une note et à glisser la main sur le manche de guitare. Il existe plusieurs types de slides :

Slide traditionnel :

Je joue une note puis je slide vers une autre note (plus aiguë ou plus grave)

Slide depuis le grave :

Je slide depuis le grave vers une note cible

Slide depuis l’aigu:

je slide depuis l’aigu vers une note cible

Slide vers le grave:

je slide d’une note vers le grave

Slide vers l’aigü:

Je slide d’une note vers l’aigu AppogiatureL’appogiature consiste à jouer une note très brièvement avant une autre note pour faire une ornementation. C’est un effet de jeu que l’on retrouve très souvent en banjo ou en clavecin.

L’appogiature est représentée sur la tablature par une note miniature barrée avant la note principale.

Brush vers le haut / bas

Les brushs sont symbolisés sur les partitions de guitare par des flèches vers le haut ou vers le bas. C’est une notation typique des rythmiques à la guitare Folk.

Les flèches représentent les coups de médiators à exécuter vers le haut ou vers le bas.

Coups de médiator vers le haut / bas:

Le sens d’attaque au médiator est souvent représenté sur la tablature pour faciliter sa lecture. Les coups vers le bas sont représentés par une arche tandis que les coups de médiator vers le haut sont représentés par un crochet vers le bas.

Doigtés de main droite

Les doigtés de main droite, c’est à dire les doigts à utiliser pour gratter les cordes sont principalement utilisés en guitare

Classique, Flamenco ou Picking:

Ils permettent d’aider le guitariste à bien jouer des séquences d’arpèges ou des patterns Picking notamment. La notation, appelée « PIMAC », est la suivante :

    •  P = Pouce
    • I = Index
    • M = Majeur
    • A = Annulaire
    • C = Auriculaire

Tapping

La technique du tapping est une technique plus avancée que l’on retrouve dans les solos Hard Rock et Metal. Elle consiste à utiliser la main droite (pour les droitiers) pour taper une corde de guitare sur le manche de guitare. Les deux mains participent au jeu de notes pour créer la plupart du temps des plans très rapides.Le symbole tapping est représenté par T sur la partition de guitare.

Slap et pop:

Le slapping est une technique principalement employée par les bassistes. Néanmoins, il est possible d’en faire sur une guitare. Deux symboles existent pour représenter le slap sur une tablature :

Le slap (notation « S ») : on utilise la tranche du pouce pour taper sur la corde (souvent une corde grave ou à vide)

 Le pop (notation « P ») : on place le doigt sous les cordes et on tire sur la corde (souvent une corde aigue)

Trille:

La trille est un effet de jeu qui est beaucoup utilisé en musique classique. Il consiste à mixer les techniques du hammer-on et pull-off pour jouer un enchaînement rapide de deux notes.

Cet effet de jeu est représenté sur la partition par le symbole « tr ». La note de référence est accompagnée d’une note affichée en plus petit pour savoir quel enchaînement de notes on doit jouer.

Tremolo picking

Le tremolo picking est une technique qui consiste à jouer une successivement la même note à haute vitesse. Pensez à Misirlou de Dick Dale ou au Black Metal pour vous représenter cette technique de jeu.

Il existe deux manières de schématiser sur la tablature de guitare le tremolo picking :Soit on représente chaque note jouée de manière classique Soit on utilise la notation prévue à cet effet qui consiste à ne représenter qu’une seule note sur la partition avec son débit associé.

Voici les débits que vous pouvez rencontrer :

o 1 barre horizontale sous la note = débit de croche

o 2 barres horizontales sous la note = débit de double croche

o 3 barres horizontales sous la note = débit de triple croche

Pick :

Le pick scrap est un symbole rarement vu sur les tablatures. La technique est exclusivement utilisée avec un son type distortion.

Elle consiste à frotter la tranche du médiator contre les cordes graves et à remonter ou descendre le manche de guitare pour créer un son criard et quasi apocalyptique.

La notation est schématisée sur la tablature par une note étouffée et un symbole ressemblant au vibrato main gauche.

Fade in / Fade out:

L’effet de jeu de fade in ou fade out requiert l’utilisation d’une pédale de volume ou du bouton de volume de la guitare.

Il consiste à jouer une note sans son puis à monter progressivement le son pour la faire sonner (fade in) ou à jouer une note à son normal puis à utiliser le volume pour arriver au silence progressivement (fade out).

Un guitariste tel quel Mark Knopfler de Dire Straits utilisait souvent cette technique à l’aide d’une pédale de volume.

Piano / Forte:

Le piano / forte correspond à une échelle d’intensité de jeu à adopter dans l’interprétation sur l’instrument. L’échelle est la suivante :

  • ppp = pianississimo (très très faible)
  • pp = pianissimo (très faible)
  • p = piano (faible)
  • mp = mezzo piano (moyennement faible)
  • mf = mezzo forte (moyennement fort)
  •  f = forte (fort)
  •  ff = fortissimo (très fort)
  •  fff = fortississimo (très très fort)

Crescendo / Descrescendo

Jouer crescendo ou decrescendo consiste à jouer un ensemble de notes de plus en plus fort ou de moins en fort. Cet effet de jeu est représenté sur la partition par de grandes accolades ascendantes ou descendantes.

Slash:La notation slash, à l’instar du tremolo picking, consiste à remplacer un note ou un accord répété par un bâton. Cela permet de simplifier la lecture d’une partition de guitare dans le cas de nombreuses répétitions.

On utilise cette notation pour les grilles d’accords.

Point d’orgue:

Vous n’allez pas rencontrer très souvent cette notation constituée d’un demi cercle et d’un point. Le point d’orgue vise à représenter un souhait de prolongation d’une note ou d’un silence au sein d’une tablature. Le but est de créer un effet de suspension, de cassure dans le tempo.

Lire les symboles de structure de la tablature

D’autres éléments de notation sont à connaître pour faciliter votre compréhension de la structure d’un morceau. Si vous utilisez un lecteur ou un éditeur de tablature vous pouvez vous laisser guider par le playback mais si vous jouez un morceau sur le papier vous pouvez vite vous perdre si vous ne connaissez pas les symboles de base.

Petit tour d’horizon des principaux éléments de structure de morceau.

Barres et signes de répétition

Afin de simplifier l’écriture d’une tablature, on utilise des signes de répétition pour ne pas réécrire des répétitions de mesures complètes. Il existe plusieurs types de répétitions.

variations :

 La répétition simple

La répétition avec l’information du nombre de répétitions à réaliser

La répétition avec variations plus complexes

Symboles de répétition entres mesuresLorsque le même riff, arpège ou enchaînement d’accords se retrouve sur une mesure et la suivante on peut utiliser un symbole de répétition pour expliquer que la mesure qui suit correspond en tout point à la précédente.Ce système peut aussi s’appliquer à deux mesures.

Mesures de silence:

Durant l’âge d’or des songbooks papier, il était utile de limiter les pages imprimées. De ce fait, on limitait les mesures de silence en les rassemblant via un symbole de barre de silence accompagné du nombre de mesures concernées par la phase de silence.

Si vous achetez des songbooks papier il y a des chances que vous tombiez sur ce genre de notation. Il existe bien évidemment d’autres symboles de structure de partition. N’étant pas un expert des fameux « da segno », « da coda » et autres, je vous invite encore une fois à aller consulter un article del' Ecole de Guitare de Vannes (56) qui explique tout cela très bien.

Quelques conseils pour démarrer avec la tablature

Téléchargez en premier des tablatures de morceaux que vous connaissez pour vous repérer plus facilement. Ca vous permettra de mieux vous repérer entre ce que vous jouez et ce qui est écrit sur la tablature.

Ne prenez pas pour argent comptant les tablatures que vous trouvez en ligne. Il y a des milliers de guitaristes plus ou moins bons qui réalisent des transcriptions de morceaux.

C’est une super initiative de leur part mais certains guitaristes publient de grosses erreurs, que ce soit sur les doigtés, la rythmique, les notes jouées, etc.

Si une tablature vous semble fausse à l’oreille, n’hésitez pas à télécharger plusieurs tablatures pour comparer et trouver la meilleure en ligne.

Sans jouer au moralisateur (j’ai téléchargé des milliers de tablatures dans ma vie), n’oubliez pas que les partitions sous sujettes à droits d’auteurs.

En achetant des tablatures ou des songbooks légaux vous rémunérez ainsi les ayants-droits. Si vous avez les moyens n’hésitez pas à le faire.

  • La tablature a t-elle des défauts ?

Malgré tous ses avantages, la tablature de guitare présente quelques inconvénients. Il s’agit d’une forme de notation très guitaristique. Elle ne permet pas de communiquer avec d’autres instrumentistes. En ce sens, si vous voulez jouer en groupe avec un trompettiste, un pianiste ou un saxophoniste et travailler un morceau à la volée, la connaissance du solfège sera un vrai plus. Cela reste le système universel pour communiquer entre musiciens.
  •  La Tablature

n’est pas un support idéal pour travailler l’harmonie, les intervalles et la théorie musicale en général. Je ne dis pas que c’est impossible mais ce système de notation est moins adapté.

Enfin, le caractère visuel de la partition ne facilite pas au développement de l’oreille. Aujourd’hui, tous les guitaristes ont le réflexe, moi le premier, de télécharger une tablature au lieu de s’efforcer de déchiffrer le morceau à l’oreille. Ca nous rend plus efficace dans l’apprentissage de morceaux et le travail technique mais ça limite nos progrès en déchiffrage et en développement de l’oreille.

  • Conclusion

J’espère que ce guide vous a aidé à comprendre le fonctionnement de la tablature. Si vous tombez sur des notations particulières, n’hésitez pas à partager dans les commentaires vos questions avec le reste de la communauté.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Comment Accorder une Guitare:

Vous venez de ressortir du placard votre guitare, mais elle ne sonne plus comme dans vos souvenirs ! Pas de panique, elle doit simplement être désaccordée. Le problème, c'est qu'il y a tellement de facteurs qui peuvent faire en sorte que votre guitare se désaccorde. Nous allons vous expliquer dans ce guide comment accorder une guitare en utilisant différentes méthodes, et vous verrez que c’est un jeu d’enfant !

Lorsque vous apprenez à accorder une guitare, il est très important d’avoir une méthode fiable pour trouver la bonne hauteur pour chaque corde. Plusieurs options s’offrent à vous, entre les applications de tuning disponibles pour smartphone iOS ou Android, l’utilisation d’un accordeur électronique (appelé Tuner), avec un autre instrument ou vous pouvez même accorder à l'oreille en utilisant des harmoniques.

LE TUTO

Comment accorder une guitare électrique ?

Les méthodes d'accordage guitare sont identiques, qu'il s'agisse d'une électrique ou d'une acoustique. Vous n'aurez pas besoin d'équipement ou d'accessoires différents de ceux qui sont utilisés pour accorder une guitare acoustique.

Les mécaniques (ou clés) d'accordage guitare

Les mécaniques disposées de chaques côtés de la tête de la guitare, ou alignées sur certains types de Fender, sont ces petites pièces métalliques qui servent à fixer et accorder les cordes de la guitare. Chaque corde correspond à une mécanique qui entraîne une roue crantée. Chaque corde de la guitare est attachée à un axe troué, puis enroulé. Chaque fois que vous tournerez la mécanique, vous augmenterez ou diminuerez la tension de la corde. C’est la valeur précise de cette tension qui déterminera la note de votre corde.

Il existe différentes mécaniques, selon le type de guitare : les mécaniques « à engrenage apparent » (open gear) sur les guitares classiques ; les mécaniques « à bain d’huile » (die cast) sur certaines guitares acoustiques et électriques ; les mécaniques « auto-bloquantes » (locking tuners) avec molette sur le côté et les mécaniques « automatiques » (robot tuners) qui comme leur nom l’indique accordent automatiquement votre guitare.

Pour régler la hauteur d'une corde, il suffit de tourner la mécanique correspondante de la corde sur la tête de la guitare. Les cordes sont numérotées de un à six, en commençant par la corde la plus haute.

Tourner la mécanique vers l’extérieur de la guitare tendra la corde et augmentera sa hauteur. Inversement, tourner la mécanique vers vous permet de desserrer la corde et d'abaisser sa hauteur. faire en sorte que votre guitare se désaccorde. Nous allons vous expliquer dans ce guide. Maintenant que vous savez tout cela, vous allez pouvoir rouler des mécaniques ! 😊

Accorder une guitare avec une application de tuning depuis un smartphone

Pour la plupart des guitaristes modernes, utiliser une application accordeur guitare en ligne est assez simple et souvent bon marché pour apprendre à accorder une guitare. Cela permet également d’avoir toujours l’accordeur dans sa poche !

Il existe des centaines d'applications accordeur guitare gratuites et payantes pour smartphones sous iOS et Android. Elles fonctionnent toutes exactement de la même façon que les accordeurs électroniques à base de micro.

Parmi les mieux notées, vous trouverez « Guitar Tuna » (iOS/Android), « Accordeur de guitare facile » (iOS/Android), « Accordeur de Guitare et Basse » (iOS/Android) ou le « Fender Tune » (iOS/Android). Checkez régulièrement, car de nouvelles app font régulièrement leur apparition.

Accorder avec un accordeur guitare

Pour la plupart des débutants, l'utilisation d'un accordeur est le moyen le plus simple et le plus commun de trouver la bonne hauteur pour votre guitare. Les tuners sont disponibles en plusieurs variétés différentes. Jouez chaque corde l’une après l’autre, l’accordeur interprétera les ondes sonores qu'il capte de votre guitare, et affichera les notes qu'il perçoit. Il vous dira si votre guitare est accordée en quelques secondes, et vous permettra de modifier la tension de la corde en conséquence pour ajuster sa hauteur.

Les accordeurs guitare électroniques avec entrée Jack

Nous vous conseillons le Boss TU-3 sous format de pédale guitare ou le Korg CA-50. Ce type d’accordeur convient bien pour les guitares électriques ou sur les électro-acoustiques. Il suffit de brancher votre guitare directement sur l’entrée Jack de l’accordeur, l’accordage sera alors très précis puisque le signal viendra directement des micros de la guitare.

Les accordeurs guitare électroniques avec micro intégré:

Pour les instruments acoustiques, tout comme pour les guitares électriques, il est possible d’utiliser un accordeur avec micro intégré, qui « entend » la note que vous jouez et affiche la hauteur de votre corde. Vous pourrez voir si la corde de votre guitare est trop aigüe ou trop basse, et obtiendrez ainsi une indication visuelle pour régler votre corde.

Cela implique d’accorder son instrument dans un environnement calme, pour que les bruits extérieurs ne viennent pas perturber le signal reçu par le micro interne. Les best-sellers en la matière sont les

Korg TM-60, Boss TU-30, Korg CA-2 ou Korg GA-2.

Les accordeurs guitare à pince (capteurs de vibrations)

Très pratiques pour une utilisation sur scène, l’accordeur à pince vient se fixer sur la tête de la guitare, et détecte les notes grâce aux vibrations transmises par les cordes. Très compact et discret, l’accordeur à pince peut être indifféremment utilisé sur une guitare, un ukulélé ou même pincé sur le pavillon d’un instrument à vent. Nous vous recommandons le Korg PC-2, ou le Fender FT-1 Pro.

Dans toutes ces catégories, vous pourrez également trouver deux familles d’accordeurs :

Les accordeurs guitare chromatiques

Un accordeur chromatique affiche l'accord par rapport au demi-ton le plus proche (c'est-à-dire la note la plus proche dans la gamme chromatique). L’accordeur chromatique dispose d’un micro interne capable de reconnaître n’importe quelle note parmi les 12 demi-tons de la gamme. Il peut être utilisé sur tous types d'instruments. Il est plus polyvalent, mais souvent plus onéreux qu'un accordeur standard.

Les accordeurs guitare polyphoniques

Contrairement aux accordeurs vus précédemment, ou chaque corde doit être jouée tour à tour pour que l’accordeur détecte la note, l’accordeur polyphonique permet de jouer plusieurs cordes simultanément et de détecter si la hauteur des cordes jouées est respecté ou non. Comme le TC Polytune 3. Enfin, quelque soit leur type, il existe de nombreux accordeurs avec métronome intégré, ayant un avantage non négligeable tels que les

Boss DB-90 Dr Beat ou Korg TM-60.

Accorder une guitare à l’oreille

Nom des cordes de guitare

L'accordage d'une guitare « à l’ancienne » implique le réglage des 6 cordes sur l’instrument, sans avoir recours à un accordeur externe. Les six cordes suivent cette appelation internationale : E – A – D – G– B – E.

On commence l’accordage par la 6ème corde située au sommet du manche. La « E » est la corde la plus épaisse et la plus grave de votre guitare, elle correspond au MI GRAVE. Cette première note vous servira de référence pour accorder toutes les autres cordes. Accordez votre MI GRAVE à partir d’un autre instrument, ou à l’oreille. A partir du moment où cette corde donne le ton de référence pour les autres cordes, et que tout sera accordé à partir de celle-ci, votre guitare sera toujours en accord avec elle-même.

  • Pour trouver la note A : Une fois la corde E accordée, placez votre index sur la 5ème frette (à partir de la tête, comptez 5 frettes vers le corps) et faites vibrer la corde. Le son émit sera un « A » autrement dit un LA. Ajustez doucement la mécanique de la cinquième corde jusqu'à ce que les deux notes soient en harmonie. Serrer la cheville fera monter la note, desserrer la cheville la rendra plus grave.
  • Pour trouver la note D : Placez votre index sur la cinquième frette de la corde D. C'est un SOL. Pincez ou alternez la 4ème corde frettée et la 3ème corde ouverte, en ajustant la mécanique d'accord de la 3ème corde, jusqu'à ce qu’elle soit en harmonie avec la 5ème frette de la 4ème corde.
 
  • Pour trouver la note G: Placez votre index sur la cinquième frette de la corde D. C'est un SOL. Pincez ou alternez la 4ème corde frettée et la 3ème corde ouverte, en ajustant la mécanique d'accord de la 3ème corde, jusqu'à ce qu’elle soit en harmonie avec la 5ème frette de la 4ème corde.
  • Pour trouver la note E: Placez votre index juste derrière la cinquième frette sur la corde du SI. C'est un E qui correspond à la note MI AIGU. Accordez donc votre dernière corde avec toujours le même procédé : la 5ème frette de la corde précédente.
Accordez donc votre dernière corde avec toujours le même procédé :
  • la 5ème frette de la corde précédente.

Même si cela peut vous paraitre compliqué de premier abord, c’est assez facile une fois que vous l’aurez répété plusieurs fois. Une fois que vous avez accordé la guitare à l'oreille, jouez à nouveau chaque corde comme vous le feriez si vous utilisiez un accordeur électronique. Cela vous permet d'affiner et de vérifier à nouveau que les cordes sont dans la bonne tonalité. Pour finir, il est important d’indiquer qu’il faut impérativement accorder votre instrument à chaque fois que vous allez jouer… Ceci n’est pas négociable ! Si vous débutez, vos oreilles ne seront pas en mesure de dire si votre guitare est légèrement désaccordée.🤣🙄 Mais sachez que la guitare est un instrument très sensible, elle se désaccorde très fréquemment. Le bois de la guitare se dilate et se contracte, tout comme le manche sur lequel sont tendues des cordes nylon ou acier. Ces matériaux réagissent en fonction de la température, du taux d’humidité, des vibrations pendant un transport, de la qualité des mécaniques, de l’usure des cordes et de votre style de jeu… tant de paramètres entrent en ligne de compte, et il n'y a rien de plus frustrant que de jouer sur une guitare désaccordée. Nos spécialistes de la guitare se tiennent à votre disposition du lundi au samedi, de 9h à 20h au 06-61-93-20-90 pour répondre à toutes les questions supplémentaires que vous vous posez sur l’accordage de votre guitare !

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Le manche de Guitare :

STRUCTURE DU MANCHE

Les notes sur le manche :

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Dans les outils et accessoires indispensables quand on débute à la guitare, on trouve, notamment, le médiator de guitare. Nous allons voir dans cet article qu’est-ce qu’un médiator et les différentes types qu’il existe. Nous répondrons ainsi à vos questions sur comment choisir un médiator. Mais également, nous aborderons la bonne tenue pour jouer correctement.

C’EST QUOI UN MEDIATOR DE GUITARE ? Le médiator a plusieurs noms, formes et matières. selon que vous habitiez tel ou tel endroit, vous l’appellerez médiator, plectre, onglet, ou encore pick. Quel que soit le nom qu’il porte, le médiator sert à pincer et / ou gratter les cordes de votre guitare préférée. Généralement de forme triangulaire, il est le plus souvent fabriqué en matière plastique, mais on peut en trouver en métal, bois, os, corne, etc.

Comment bien choisir son mediator ?

D’abord, il faut garder à l’esprit qu’il n’existe pas un seul médiator universel qui donnerait satisfaction à tout le monde. Chaque guitariste va choisir le mediator qui lui convient le mieux dans une configuration précise. C’est généralement en en essayant beaucoup que chacun trouve son préféré. Cependant, pour vous aider à orienter vos recherches, je vais vous donner quelques règles de base.

Quelle épaisseur choisir ?

L’épaisseur est le critère le plus important. Elle va déterminer la capacité du mediator à se déformer au contact des cordes. Il existe, pour résumer, cinq catégories de médiators, en terme d’épaisseur, allant du médiator de guitare souple, dit Extra Light (épaisseur 0.44 mm environ), très apprécié de la plupart des guitaristes rythmiques débutants et les amateurs de funk, passant par le Light, le Medium, le Heavy, allant jusqu’au médiator super épais, dit Extra-Heavy (épaisseur d’environ 1.50 mm), pour les solistes les plus fous. Retenez cette règle : Plus un médiator est fin, plus il est pratique en rythmique, et pour les sons clairs et doux. Mais attention, car plus il est fin, et plus il est fragile. Il est indiqué pour le jeu sur guitare acoustique notamment. Pour jouer des accords, il faudra un mediator pas trop épais et pour jouer un solo ou jouer très vite, il faudra un mediator plus épais. Plus un médiator est épais, plus il est dédié à la vitesse, et à la précision, et aux rythmiques incisives. Il est indiqué pour le jeu sur guitare électrique, rock au metal le plus chevelu et extrême. Plus le mediator est épais, moins il se déformera et plus il faudra de force pour gratter les cordes. En revanche, il sera plus précis et dynamique.

COMMENT BIEN TENIR UN MEDIATEUR ?

il te faut savoir que le médiator se tient entre le pouce et l’index (replié), et que l’on se sert de la pointe pour venir gratter, ou pincer la corde que l’on veut jouer. Cependant, lorsque l’on apprend à jouer de la guitare, il convient de se concentrer sur le fait qu’il existe deux façons basiques d’utiliser un médiator :

Le jeu en aller simple: attaquer la note, ou bien l’accord, avec le médiator, en un mouvement allant du haut vers le bas,

Le jeu en aller-retour: attaquer la note, ou bien l’accord, avec le médiator, en un mouvement allant du haut vers le bas, puis en un mouvement allant du bas vers le haut, et ainsi de suite.

Pour info, le jeu en aller-retour permet au guitariste de gagner en vélocité et en fluidité, lui ouvrant ainsi les portes de ce que l’on appelle le shred, voire, pourquoi pas, avec quelque peu de pratique, le sweeping !

AVANTAGES DE L’UTILISATION D’UN MEDIATOR

Le médiator est à conseiller à tout guitariste débutant qui se respecte. En effet, il permet de gagner en puissance, permettant d’accroître la vibration de la corde. Il a ceci de très différent avec le jeu dit « aux doigts », qu’il n’étouffe pas la corde jouée, car il n’y a pas de contact avec la peau du doigt. Il permet également au guitariste, après un peu de pratique et d’entraînement, de se concentrer sur son manche de guitare, et donc à gagner en efficacité et en précision d’exécution. On peut utiliser le médiator aussi bien pour le jeu en accords que pour le jeu en arpège, (cela demande cependant un peu de pratique, et pas mal de patience).

INCONVENIENTS DE L’UTILISATION D’UN MEDIATOR

Il faut bien le dire, et j’ose le faire ici, le médiator, c’est un tout petit machin, et parfois, c’est bien là le problème ! En effet, le guitariste débutant, et même le chevronné, passe une bonne partie de son temps à chercher le petit triangle magique ! Souvent caché au fond d’une poche, au milieu des pièces du porte-monnaie, ou pire encore, dans la caisse de sa guitare classique ou folk. Il génère bien souvent des crises de nerf difficilement contrôlables, même pour les plus zen d’entre nous. Et quand enfin le médiator fait sa réapparition, le guitariste se rue dessus, le saisis, et se venge, jouant le plus rapidement possible pour expulser sa frustration ! C’est ainsi que naquit le shred ! Plus sérieusement, il n’existe à proprement parler pas réellement d’inconvénients à utiliser un médiator. C’est même vivement conseillé, surtout lorsque l’on débute la guitare.
EN CONCLUSION
Malgré tout l’éventail de choix disponible dans vos magasins de musique, ou sur internet, il n’existe pas de médiator parfait. Le médiator utilisé par votre guitariste préféré peut vous aider à choisir le vôtre, mais privilégiez surtout et avant tout les sensations, vos sensations ! Comme dit l’adage, « c’est en forgeant que l’on devient forgeron », n’hésitez donc pas à tester divers modèles et épaisseurs, et sans nul doute qu’un jour, vous trouverez médiator à votre main ! Enfin, rien ne vous empêche d’avoir plusieurs types de médiators suivant les types de jeu voulu (rythmique, solo, arpèges, etc.). Bien au contraire, c’est même une très bonne chose à faire. Voilà, vous savez maintenant tout ce qu’il faut savoir sur ce petit objet incontournable dans votre apprentissage de la guitare.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Les pédales d'effets

1°/ Le Chrorus

Chorus : Prend la valeur d'une note en fréquence la modifie légèrement en retournant à la valeur d'origine selon une certaine vitesse et un certain nombre de: répétition  l'effet peut commencer à un temps donner pré- delay .

rate : le taux de modif de la fréquence

feedback : repetion

level : volume d'effet

2°/ Le Compresseur

Compresseur = fait lieu de limiteur mais offre plus de possibilité; rend le son plus compact et incisif :

augmente l'attaque (rythmique) augmente le substain sans distorsion (solo)

affichant des réglages de threshold et de release comme le limiter il offre en plus un réglage de compression par ratio  qui permet de divisé la tension de sortie et d'augmenter la durée du courant ce qui entraîne une augmentation du substain.

Certain compresseur sont équîpé de noise gate ou peuvent servir de noise gate selon réglage (pas recommandé du tout).

3°/ Le Delay

Delay : le premier Tape Delay  marchait avec une bande qui enregistre les sons effectué et qui les reproduise de manière réglable en temps de répétition est en nombre de répétions mais il me semble que le nombre maxi était trois et il était possible d'inversé la lecture de la bande et de crée des effet à partir de celà par la suite le temps s'allonge avec la création d'effet digital, et don il est donc possible de faire répéter une phrase quasiment à l'infini .

  • Feedback : répetition (nombre de)
  • Time : temps de delay retard de ms à sec
  • Level : volume

bien-sur certains delay offre des modes de level .. inverse ... etc ... et une tonalité.

En poussant la technique on peut arriver à créer des longueurs de plusieurs minutes ... ceci donne naissance au sampler

4°/ La Distortion

  • Distortion= Rendre dans un processus, un signal

trop important pour être supporter par l'entité recevant le signal : tout le monde connaît le son est définie par une fréquence : cette même représente par une courbe  la courbe est affecte légèrement selon le dosage et finie par s'aplatir et se décaler dans le temps

Il en existe trois types :

  1. Overdrive : le plus naturel des sons venant de l'utilisation de lampes : le son est chaud et riche en harmonique
  2. Distortion : plus agressif que l'overdrive
  3. Fuzz : effet comprenant le maximum de modification par rapport au départ du signal

5°/ Enhancer/Maximizer/Exciter

Enhancer/Maximizer/Exciter : modifie certaines fréquences pour les rendre plus audible plus claire... en outre si l'effet est stéreo ... le rendu sera plus large aussi

6°/ L'équaliser

  • Equalizer = permet d'augmenter au diminuer en gain les fréquences sur lesquelles il exerce sont travail peut être analytique, graphique, paramétrique bandes et ce distingue par deux catégorie passif et active
  • Analytique : joue sur le spectre audio en augmentant ou diminuant celui ci et les fréquences en coupant les médiums (certain on certaines fonctions qui permet de choisir la fréquence)
  • Graphique : comme son nom l'indique augmente le volume à certaine fréquence
  • Paramétrique : un contrôleur de volume proche de l'analytique mais qui permet de modifié la bande passante "à bandes": version basique du graphique mais n'est pas virtuel réglage à la main disponible en pédale
  • Passive : va de tout à rien
  • Active : augmenter ou diminuer les gains en dB

7°/ Filter

Filter/Filter : compose une enveloppe de fréquences qui modifie légèrement le son en filtrant  de manière on/off ca se rapproche de la Wha Wha automatique

8°/ Le Flanger

Flanger = proche du Phaser mais reste différent  le principe est crée un retard en deux ondes rentrant en phase en retenant une partie un court instant comme ci la bande magnétique de l'époque était un élastique le son obtenu peut paraitre comme un vent soufflant forte les vitesses peuvent être réglable etc .. comme les mêmes réglages d'un phaser en incluant un delay réglable

9°/ L'Harmoniser

Harmonizer = c'est pitch shifter un peu plus intelligent car il s'adapte à une harmonisation par rapport au gamme majeur, mineur etc ..

simplement techniquement les calculés sont les mêmes que celui du pitch shifter mais il inclus une graduation en échelle :

par exemple : en majeur 1ton-1ton-1/2ton-1ton-1ton-1/2ton-1ton etc ... etc.... les calculs sont les mêmes mais l'effet inclus les schéma de gammes dans ces calculs de fréquences afin de faire coller le tout en harmonie

On peut régler le tout dans un sens, un certains nombres de notes, tempo etc ... Remarque : si on peut modifie les fréquences avec delay sans liés les notes on peut aussi créer le même effet avec des notes liés

10°/ Le Limiter

Limiter = permet de limiter les gains et dynamiques de sons, peut être utiliser comme contrôle automatique de volume selon réglage de la release

11°/ Le noise-Gate

Noise Gate : permet à partir d'un certain volume de couper le volume de ton son

12°/ L'Octaver

  • Octaver = accompagne une note joué par son octave supérieur  celà marche par time stretching ou par modification de fréquence  donc une note joué par exemple en LA 440 hz ...
  • octave inférieur : il suffit de doubler la longueur de la note dans le temps horaire du sons produit en l'allongeant et en le stoppant
  • octave supérieur : on divise le temps et on rallonge la durée de la note produite ce qui ne devait par être facile à sa conception, je pense que le signal de tension fut diviser (compresser) pour augmenter la durée de la note pour quelle s'arrête lors de la note jouée.

sinon l'autre méthode jouant sur les fréquence consiste à doubler ces mêmes

  • A4 = 440 +1 octave
  • A5= 880 +2 octave = 1760
  • -1 octave = 220 -2 =110 etc
  • A# = 466 etc

les réglages possibles sont le volume de chaque octave.

13°/ Le Phaser

Phaser = reproduit la modulation des phase donc çà correspond dans un cas réel à la variation de volume entre un son hors phase et en phase (le changement phase correspond à un changement de polarité)

et une variation en degré du changement de polarité représenté par des ondes 90° étant le maximum et le point culminant, le tout s'annule à 180° (les ondes se redessine entre elles)

remarque .. ceci peut être crée manuellement avec une lespaul équipée d'un switch changeant la polarité d'un micro et un potard de volume.

historiquement : l'effet fut créer afin de reproduire le son de casette enregistré de polarité différentes.

l'effet peut être controller par un taux de cycle (vitesse de cycle), une profondeur de l'ondulation, cette effet peut être stéreo et d'autre réglage rentre en jeux pour pouvoir crée cette ambiance sur les deux cannaux.

14°/ Le Pitch Shiffer

Pitch Shifter = joue une note en harmonie avec la note joue seconde tierce quarte quinte ... etc

utilise la technique suivante :

si A4 = 440 et A5 =800, B4 = 495;

formule pour ton = (valeur en fréquence de Ax - Ax+1)/ le nombre de ton

demi-ton = ((valeur en fréquence de Ax - Ax+1)/ le nombre de ton)/2

on peut ajouter un delay en ms entre chaque note et le pitch shifter peu joué des arpégées ou des mélodies automatiques ceci dépendant de la mémoire disponible.

En intégrant des changement dans la valeur du changement de fréquence nous pouvons créer un effet de chorus.

15°/ La Reverb

Reverb : reproduit le son qui rencontre des obstacles murs, portes etc ... proche de l'écho naturel :

joue dans une piéce sans meubles, un couloir, un hangar tu comprendras

réglage courant :

preé-delay ... le son se propage librement avant de rencontrer un obstacles et se propage dans d'autres sens ... le pré-delay défini le temps ou le son est pur delay le nombre ou le temps où le son rencontre des obstacles volume. tonalité HP exprimer en coupure de fréquence certains effet permet de définir le type d'obstacles. Hall Room Cathédral Gate etc .... les angles de réverbération si l'effet est stéréo ce qui permet de créer un effet live customisé.

16°/ Le Sampler/.loop

Sampler/Loop : enregistre une phrase et la répète à l'infini quasiment ... et permet de jouer autre choses par dessus ... et offre de grande possibilités et est devenue un instrument à part utiliser par les DJs

17°/ Le Tremolo

Tremelo = variation de volume à une vitesse donné sur une étendue donné, ce genre de pédale sont automatique.

18°/ Le Volume

La pédale de volume te permet de baisser ou d'augmenter le volume de façon manuel ... permet de créer des effet de violonning (augmentation du volume après attaque des notes) et de tremolo

19°/ La WahWah

Wah-Wah = fait "wha wha", permet d'augmenter ou de diminuer la valeur des fréquences de manière simultané, en ce basant sur un équaliseur cette pédale permet d'augmenter les aiguës et de diminuer les basses simultanément lors de la fermeture, à Louverture le changement est inversé et le résultat et donc Wha wha !

20°/ L'Auto-Wah

Auto Wah = wah automatique, réagissant à des réglages de vitesse et d'amplitude

21°/ Le Whammy

Whammy (digitech) : par la pression sur la pédale permet de faire varier la valeur d'une note deux octaves en dessous ou trois et deux au dessus en temps réelle et en liant les notes tel un vibrato ou slide de la case à à 24, techniques ... l'effet prend en compte la fréquence de départ et la modifie au gré du pied... la note de départ et donc transformé dans le processus et ressort en temps réelle

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Vous débutez dans la guitare et souhaitez apprendre à jouer en solo ?

Découvrez toutes les astuces dans cet article détaillé ! La première chose (et certainement la plus importante) est de prendre votre temps. En effet, l’apprentissage du solo de guitare demande une certaine rigueur, qui s’acquiert avec de l’expérience.

Comment acquérir de l’expérience ?

Il vous faut, en premier lieu, apprendre à connaître les touches de votre guitare en vous exerçant sur la gamme dite pentatonique. Maîtriser cette gamme vous sera indispensable dans le cadre d’un solo de guitare improvisé. L’usage de la pentatonique est simple : trouvez la tonalité du morceau pour lequel vous désirez réaliser un solo. Petite aide : prenez la grille d’accords sous vos yeux. Penchez-vous sur les accords mineurs et jouez les notes qui leur correspondent. Dans le cas où votre morceau comporte uniquement des accords majeurs, servez-vous de la seconde note pentatonique et faites comme décrit ci-dessus. Lorsque vous maîtrisez la gamme pentatonique de votre morceau, vous allez pouvoir commencer à enchaîner plusieurs notes à la suite et créer ce que l’on appelle des “phrases mélodiques”. Astuce : ne perdez jamais de vu votre rythme, il est très important !

6 Règles à respecter pour réaliser un solo de guitare :

1. Les résolutions, qui sont des phrases de solo. Il est primordial de se stopper sur des notes précises selon l’accord que vous entendez. Les résolutions vont contribuer à ce que votre solo “sonne” bien, toujours accompagné par un rythme.

Où trouver ces notes ?

Tout simplement en analysant les accords, et plus précisément, les notes dont ils sont composés. Ce sont sur ces accords que vous devez vous arrêter et c’est ce qui vous fera vous démarquer d’un joueur de guitare qui n’utilise pas encore cette technique.

2. Le toucher : Il s’agit de la façon dont vous allez amener une note. A la guitare, il est, en effet, possible de gratter la corde, glisser la corde, pousser la corde (c’est un bending) ou encore jouer une note de manière classique et une autre avec un doigt de la main gauche. Cette dernière technique est celle dite du “hammer”. Si vous faites l’inverse, vous effectuez ce que l’on appelle un “pull-off”.

3. Apprendre des solos de guitaristes que vous affectionnez tout particulièrement. Quoi de plus motivant que d’apprendre à jouer des solos de guitare sur des musiques que l’on adore ? Cela vous permettra de progresser un peu plus rapidement tout en vous donnant la possibilité de créer votre propre style de jeu. Le but de cet exercice est de “prendre” des phrases que vous aimez dans ces solos et de vous les approprier afin de concevoir votre solo personnel.

4. Développer votre oreille musicale. Il est, bien entendu, indispensable de s’exercer à développer votre ouïe face aux sons que vous entendez lorsque vous jouez des notes. Si vous n’êtes pas dotés de l’oreille absolue, ce qui est rarement le cas, vous devez alors prendre votre mal en patience et progresse petit à petit.

5. L’anticipation : Penser à la prochaine note que vous allez jouer se révèle crucial dans la réussite de votre solo de guitare. Si vous n’êtes pas capable d’anticiper la suite de votre morceau, il va automatiquement y avoir une cassure qui se ressentira beaucoup plus qu’une erreur d’accord.

6. Le rythme : Dernière astuce et non pas des moindres puisque nous l’avons déjà évoqué plus haut dans l’article. Il est impératif de toujours conserver un rythme dans votre solo de guitare, sans quoi, il peut être coupé. L’erreur fatale. Pour bien garder votre rythme, n’utilisez que votre main droite et maintenez-le quoi qu’il se passe !

Il existe toutefois une petite astuce pour éviter le ratage complet de votre solo de guitare. Cette technique est assez répandue parmi les guitaristes confirmés: il s’agit de jouer les cordes à vide (en les étouffant) ou tout simplement de ne pas jouer le dernier accord du tout. Personne n’y prêtera attention et pour vous, le solo sera sauf ! Dernier point concernant le rythme : vous pouvez le travailler en séparant vos deux mains, ce qui vous évitera aussi les erreurs d’accords.

En conclusion, pour apprendre à jouer un solo de guitare, vous aurez besoin du cocktail suivant :

  • beaucoup de patience
  • un rythme endiablé
  • un zeste de savoir-faire
  • de la créativité personnelle

Secouez le tout et vous êtes prêt pour votre premier solo de Guitare !

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Bienvenue dans ce nouvel article traitant du thème les principales gammes utilisées à la guitare et leur construction. Il vous intéressera si vous voulez comprendre comment la musique est créée et comment elle fonctionne. C’est un des piliers de l’harmonie musicale.

Je préfère vous prévenir. Il est un peu long, mais vous aller apprendre et comprendre énormément de choses.

Si c’est nécessaire, sauver le dans vos favoris pour pouvoir y revenir plus tard.

Attention, si vous débutez, il se peut que cet article soit un peu compliqué car il fait référence à de très nombreuses notions d’harmonie.

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme majeure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr)

Qu’est ce qu’une gamme ?

Une gamme est tout simplement un ensemble de notes.

Il existe de nombreuses gammes qui peuvent être composées de 12 à 5 notes.

Quand vous entendez parler de jouer une gamme à la guitare, cela signifie que vous aller jouer toutes les notes qui composent la gamme, les unes après les autres.

Le gros avantage de la guitare, c’est qu’une fois que vous connaissez une gamme dans une tonalité par exemple la gamme majeure de Do, il suffit de déplacer la même forme sur le manche pour jouer dans les autres tonalités.

Ce qui définit une gamme par rapport à une autre, ce sont les intervalles qui la composent. Pour rappel, un intervalle est la distance entre 2 notes, exprimée en ton et en demi-ton.

Ainsi chaque gamme a une formule bien précise correspondant aux intervalles entre chacune des notes qui la composent.

Si ça vous parai abstrait pour le moment, rassurez vous, nous allons voir des exemples dans la suite.

Le secret pour se repérer facilement sur le manche de la guitare, c’est d’utiliser les intervalles.

La Gamme Majeure

La gamme majeure est LA GAMME à connaitre  pour comprendre la musique. C’est la clé pour vos compositions, vos solos, vos improvisations, votre liberté à la guitare et sur le manche.

Vous pouvez télécharger la fiche PDF

GAMME MAJEURE

Télécharger:

Dans cette  partie, votre objectif est le suivant :

  1. Connaitre la structure de la gamme majeure (ton et demi-ton)
  2. Savoir comment jouer la gamme majeure sur une corde
  3. Savoir jouer la 1ère position pour jouer la gamme majeure

Les autres notions comme :

  1. les modes
  2. le cercles des quintes
  3. les altérations
  4. toutes les positions de la gamme majeure
  5. l’harmonisation de la gamme majeure

Sont traitées dans d’autres pages. (il vous suffit de cliquer sur les notions ci-dessus ou en bas de cette page pour y accéder)

Définition de la gamme majeure

La gamme majeure est la gamme de référence pour tous les guitaristes.

Si on considère qu’elle est une référence en matière de construction d’une suite harmonieuse de notes, c’est précisément parce que toutes les autres gammes sont élaborées à partir de cette base là.

Les différences dépendront des altérations effectuées sur une ou plusieurs notes. Une altération consiste à ajouter ou à supprimer un demi-ton à une note. Ainsi, il existe plusieurs variantes possibles à faire à partir de la gamme majeure et vous apprendrez à les reconnaître avec le temps. C’est la raison pour laquelle comprendre le fonctionnement de la gamme majeure est si important.

Cela vous facilitera l’apprentissage de toutes les autres gammes.

Structure de la gamme majeure

La gamme majeure est une gamme à 7 notes. Elle se caractérise par le fait que toutes les notes sont espacées d’un ton maximum les une des autres, soit d’un ton ou d’un demi-ton.

C’est précisément sur cette base qu’est construite la suite de notes bien connue de tous : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si et Do à l’octave supérieur. (voir gamme diatonique un peu plus haut)

Au delà des notes, ce qu’il est important de comprendre et de retenir, c’est la:

 structure de la gamme majeure en termes d’intervalles.

Voici la structure que vous devez connaitre :

  •        1T – 1T – 0,5T – 1T – 1T – 1T – 0,5T

Vous pouvez aussi retenir : 2-2-1-2-2-2-1

C’est la formule que j’utilise pour m’en souvenir. Ces chiffres correspondent aux demi-tons entre les notes de la gamme majeure. A la guitare c’est particulièrement efficace car c’est aussi le nombre de cases (ou frettes) entre les notes.

L’avantage de retenir cette structure, c’est que vous n’avez plus à apprendre toutes les tonalités. Il vous suffira de commencer à partir de n’importe quelle note. Puis, en respectant les intervalles de la gamme majeure, vous pourrez reconstruire n’importe quelle tonalité de la gamme majeure.

Remarque sur la gamme majeure :

La gamme majeure est dite heptatonique car est constituée de 7 notes ou 7 degrés.

En effet, entre la tonique (la première note, aussi appelée fondamentale) et la septième note, vous pouvez compter exactement 7 tons.

Si l’on fait le calcul : par rapport à la tonique, la septième est positionnée suivant le calcul suivant : Tonique (1 ton) +5 tons+2 ½ tons =7 tons.

Structure de la gamme majeure avec les intervalles

Une autre façon de voir la gamme majeure, c’est avec les intervalles. En partant de la tonique,

voici la structure de la gamme majeure :

    • Seconde Majeure (2M)
    • Tierce Majeure (3M)
    • Quarte Juste (4J)
    • Quinte Juste (5J)
    • Sixte Majeure (6M)
    • Septième Majeure (7M)

Les notes de la gamme majeure

Les notes de la gamme majeure dépendent de la tonalité de la gamme. Voici pour les 12 tonalités possibles de la gamme majeure et toutes les notes qui la compose.

Pour le moment, ne faites pas attention aux altérations.

Comment jouer la gamme majeure à la guitare ?

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme majeure à la guitare sur cette page

Jouer la gamme majeure su une corde

Pour jouer la gamme majeure sur une corde, il vous suffit de suivre la séquence des intervalles (2-2-1-2-2-2-1) à partir de n’importe quelle note et d’avancer sur le manche.

Par exemple si l’on construit la gamme majeure de sol sur la corde de sol, on obtient les notes suivantes :

Sol, La, Si, Do, Ré, Mi, Fa#, Sol

  • Les points rouges correspondent à la tonique (ici Sol)
  • Les points bleus aux autres notes de la gamme majeure

Jouer la gamme majeure dans une position facile à la guitare

Comme nous le verrons plus tard, il existe de nombreuses façons de jouer la gamme majeure sur le manche de la guitare. On les appelle souvent des positions.

Cependant, pour commencer, je vous conseille d’apprendre cette position, qui me parait facile car elle s’étend uniquement sur 4 cases. Ainsi pour la jouer vous n’avez pas à faire des extensions de l’index ou du petit doigt et sortir des 4 cases.

  • Les points rouges correspondent à la tonique
  • Les points bleus aux autres notes de la gamme majeure

Avant de passer à la suite, vous pouvez vous entraîner à jouer la gamme majeure sur une corde et avec la position ci-dessus en commençant par un Do, puis un Sol, un Ré, un La, …

Pour aller plus loin avec la gamme majeure

Vous savez maintenant l’essentiel sur la gamme majeure à la guitare mais Il reste encore des notions plus avancées à apprendre quand vous en ressentirez le besoin :

    1. Les altérations
    2. Les modes
    3. Les positions
    4. L’harmonisation de a gamme majeure

Harmonisation de la gamme majeure

NIVEAU DÉBUTANT

Pour faire le lien entre une gamme et une suite d’accords, on commence par repérer les accords qui sont construits à partir de chaque degré de la gamme.

Harmonisation de la gamme de DO majeur

Nous allons voir dans cet article quels sont les accords à 4 sons qu’on peut construire sur chaque degré de la gamme majeure, en n’utilisant exclusivement que des notes de cette gamme.

Nous allons prendre pour exemple la gamme de DO majeur, construire un accord sur chaque degré en n’utilisant que des notes de la gamme de DO majeur, et observer quelle types d’accords nous allons obtenir.

Pour construire un accord à 4 sons, on prend :

  • La fondamentale
  • La tierce
  • La quinte
  • La septième
Remarque : pour trouver facilement les notes d’un accord, il est pratique d’avoir en tête le cycle des tierces. Et j’explique de manière plus détaillée comment construire un accord à 4 sons et leur notation ici

Commençons par le premier degré :

  1. DO, la fondamentale, la note qui donne le nom de l’accord. On utilisera la notation anglo-saxonne : C
  2. sa tierce sera le MI. un intervalle de 2 tons, donc il s’agit d’une tierce majeure. Par convention quand la tierce est majeure on ne rajoute aucune indication dans la notation de l’accord. Par défaut, on considère que la tierce est majeure.
  3. La quinte sera le SOL. Elle est à 3,5 tons, elle est donc juste. Là non plus on ne rajoute aucune indication concernant la quinte. Par défaut, on considère que la quinte est juste.
  4. La septième sera le SI. Elle est à 5,5 tons, elle est donc majeure. Dans la notation, il sera nécessaire de le préciser. La septième est mineure par défaut. On utilise un grand M pour majeure

L’accord sur le premier degré est donc un CM7 (le grand M concerne la septième)

On peut refaire le même calcul pour chaque degré

Pour le deuxième degré :

  1. RE, la fondamentale : D
  2. sa tierce sera le FA. un intervalle de 1,5 ton, donc il s’agit d’une tierce mineure. Par défaut, on considère que la tierce est majeure, il faudra donc donner l’information dans la notation avec un petit m.
  3. La quinte sera le LA. Elle est à 3,5 tons, elle est donc juste. On ne rajoute aucune indication concernant la quinte.
  4. La septième sera le DO. Elle est à 5 tons, elle est donc mineure. Dans la notation, il ne sera pas nécessaire de le préciser. La septième est mineure par défaut.

L’accord sur le deuxième degré est donc un Dm7 (le petit m concerne la tierce)

Voici un tableau dans lequel on reproduit le même calcul pour chaque degré

DEGRÉS I II III IV V VI VII
Fondamentales DO RE MI FA SOL LA SI
Tierces MI FA SOL LA SI DO RE
Quintes SOL LA SI DO RE MI FA
Septièmes SI DO RE MI FA SOL LA
Accords CM7 Dm7 Em7 FM7 G7 Am7 Bm7(b5)
Notation Jazz D-7 E-7 G7 A-7 BØ7
Généralité (à apprendre par cœur II-7 III-7 IVΔ V7 VI-7 VIIØ7

On remarquera le 5ème degré qui contient une tierce majeure et une septième mineure. Noté G7 Et le 7ème degré qui contient une quinte diminuée. Noté Bm7(b5)

Le degré V (la dominante)  joue un rôle déterminant dans la construction de suite d’accords.

 Voir l’article sur les cadences.

En harmonisant chaque degré de la gamme de DO majeur nous avons obtenu une suite d’accords. Cette suite d’accord est non seulement valable pour les degrés de la gamme de DO majeur mais on peut en déduire une généralité qui est valable pour toutes les tonalités.

Le premier degré sera sera toujours un accord M7, le deuxième un accord m7, le troisième un accord m7 etc. (apprendre par cœur la dernière ligne du tableau).

Par exemple si on est dans la tonalité de SOL majeur.

Le premier degré sera GM7, le deuxième Am7, le troisième Bm7 etc.

EXERCICES

  • Refaire un tableau avec l’harmonisation de la gamme de SOL majeur
  • Refaire un tableau avec l’harmonisation de la gamme de FA majeur

La gamme majeure et les accords de 4 sons

Harmoniser la gamme en accords de 4 sons

Les accords de quatre sons foisonnent dans le Jazz. Moins fréquents dans le Rock, on les rencontre principalement dans les balades, "Nothing else matters", "Still loving you", "Stairway to heaven" pour ne citer que celles-ci. Pour construire ces accords, il suffit cette fois d'ajouter la septième.

Le tableau suivant dresse la liste des différents types d'accords de septième que l'on rencontre dans la gamme majeure.

Ce qui revient pour notre gamme de Do majeure, à écrire le tableau suivant :

Le nom quelque peu barbare de l'accord de degré VII (Si min7b5) permet de le différencier des accords min7. En effet ces derniers ont une quinte juste (trois tons + 1/2 ton), alors que l'accord min7b5 a une quinte diminuée d'où cette appellation.

La sonorité des accords de 4 sons

Voici un éventail de huit positions que vous devez impérativement connaître. Les quatre premières ont la fondamentale de l'accord sur la corde La, les quatre suivantes sur la corde Mi grave. Comparez les positions deux à deux afin d'entendre la différence de sonorité d'un type d'accord à un autre. Toutes ces positions sont bien évidement déplaçables sur le manche, c'est le grand avantage des positions avec un barré.

L'enrichissement des accords de quatre sons

N'oubliez jamais que la tièrce et la septième sont les notes les plus importantes d'un accord et cela quelque soit son type. Au dessus de celles-ci, il va être possible d'ajouter des notes qui vont permettre d'enrichir la sonorité de l'accord. Ces enrichissements seront choisis en fonction du degré de la gamme sur lequel l'accord est construit.

  1. • sur le degré I (Do Maj7) : on peut ajouter la note Ré correspondant à la neuvième, ainsi que la note La correspondant à la treizième
  2. • sur le degré II (Ré min7) : on peut ajouter la note Mi correspondant à la neuvième, ainsi que la note Sol correspondant à la onzième
  3. • sur le degré III (Mi min7) : on peut ajouter la note La correspondant à la onzième
  4. • sur le degré IV (Fa Maj7) : on peut ajouter la note Sol correspondant à la neuvième, la note Si correspondant à la onzième dièse, ainsi que la note Ré correspondant à la treizième
  5. • sur le degré V (Sol 7) : on peut ajouter la note La correspondant à la neuvième, ainsi que la note Mi correspondant à la treizième
  6. • sur le degré VI (La min7) : on peut ajouter la note Si correspondant à la neuvième, ainsi que la note Ré correspondant à la onzième
  7. • sur le degré VII (Si min7b5) : on peut ajouter la note Mi correspondant à la onzième Voici quelques positions parmi les plus courantes. Les accords de la seconde ligne sont obtenus en remplaçant la septième par la sixte.

Construire des accords de 3 et 4 sons

Pour construire des accords à partir d’une gamme, nous allons utiliser les degrés I, III et V pour les accords à 3 sons et y ajouter le degré VII pour les accords à 4 sons.

En effet, les accords de trois notes, aussi appelés triades (que vous connaissez mieux sous le nom d’accords majeurs et mineurs, ce qui en soi est une simplification) sont construits à partir de :

  • la tonique, qui donne le nom de l’accord
  • la tierce, qui détermine si l’accord est mineur ou majeur
  • la quinte, qui renforce la consonance ou la dissonance si elle est diminuée, mais nous reviendrons là-dessus ultérieurement.

Ajoutez à cela la 7ème, et vous avez les outils de base pour vous lancer dans le jazz, la bossa, la country, etc. Pour les débutants, je vous ai mis un fichier pdf représentant quelques accords de VII de base disponibles en téléchargement.

Harmonisation de la gamme de C majeur

Prenons l’exemple de la gamme de C.

Pour harmoniser cette gamme, revoyons d’abord les notes de la gamme de C et leurs degrés correspondants : Degrés de la gamme de do Prenons maintenant les notes, et construisons leurs accords respectifs :

Harmonisation de la gamme de do majeur

Ainsi, les triades de la gamme de C sont : C, Dm, Em, F, G, Am, Bdim.

Les accords de 4 sons de la gamme de C sont : C7M, Dm7, Em7, F7M, G7, Am7, Bm7(5b).

Si vous êtes débutant, je vous recommande de rester sur les triades, et de revenir sur ce cours quand vous aurez approfondi le sujet et quand vous commencerez à utiliser les accords de 7.

Pour l’instant, retenez la formule suivante qui marche avec toutes les gammes majeures :

Accords à trois sons I IIm IIIm IV V VIm VIIdim
Accords à quatre sons I7M IIm7 IIIm7 IV7M V7 VI7m VIIdim

Harmonisation de G majeur

Si on prend la gamme de G pour finir d’illustrer notre propos :

G – A – B – C – D – E – F#

Accords à trois sons I IIm IIIm IV V VIm VIIdim
G Am Bm C D Em F#dim
Accords à quatre sons I7M IIm7 IIIm7 IV7M V7 VIm7 VIIm7(5b)
G7M Am7 Bm7 C7M D7 Em7 F#m7(5b)

On peut jouer une gamme à 5 endroits différents du manche :

les 5 positions sont donc choisies pour être faciles à jouer, sur une zone du manche peu étendue donc (4 ou 5 cases en général). Mais dans de rares cas on pourra chercher à jouer ces gammes de façon plus étendues (non présenté dans cette page).

Pour mémoriser chaque position, c'est préférable de la visualiser par rapport à son contexte harmonique (visualiser l'accord qui porte cette gamme, G pour Sol majeur par exemple) et de l'utiliser le plus vite possible dans des improvisations. Ces astuces de mémorisation, j'en parle beaucoup dans la vidéo Bien apprendre ses gammes et ses arpèges.

Faites attention, "une position" ne veut pas forcément dire "un mode". Ne faites pas cet amalgame. Pour bien le comprendre, il suffit d'apprendre les modes en partant du "bon bout" (c'est expliqué à la page Les modes sur le manche). Toutes les positions de la gamme majeure de Sol (sur tout le manche pour l'image ci-dessous). Gamme de Sol majeure sur tout le manche Gamme de Sol majeure (position I) accord de G superposé forme de E Gamme de Sol majeure (position II) accord de G superposé forme de D Gamme de Sol majeure (position III) accord de G superposé forme de C Gamme de Sol majeure (position IV) accord de G superposé forme de A Gamme de Sol majeure (position V) accord de G superposé forme de G

La Gamme Chromatique

Même si la gamme chromatique a peu d’utilité mélodique (c’est une gamme de passage), elle vous sera très utile pour travailler votre technique ou faire des exercices. Avec elle, vous deviendrez un pro des demi-tons et de la gymnastique des doigts.

Nous commençons par celle-ci car elle contient toute les autres gammes.

Qu’est-ce qu’une gamme chromatique ?

Une gamme chromatique est une gamme qui suit une échelle chromatique, c’est à dire une échelle construite sur douze degrés séparés chacun d’un demi-ton.

Toutes les notes étant séparées également par un même intervalle, il est impossible de déterminer le ton de la gamme. On dit alors que la gamme est atonale. (c’est pratique, cela veut dire qu’il en existe qu’une qui est valables dans toutes les tonalités).

En théorie, entre le Do et le Ré existent deux notes altérées possibles (transformées en ajoutant ou retirant un demi-ton) : le Do # et le Ré B . Il en va de même entre le Ré et le Mi, entre le Fa et le Sol, etc…

En pratique et dans un soucis de commodité, on considère qu’il s’agit de la même note Do # = Ré B. Si on joue toutes les notes et leurs altérations possibles jusqu’à l’octave supérieure, par exemple de Do à Do, on obtient bien douze degrés d’intervalle ou douze notes.

Intervalle d’un demi-ton chromatique ou diatonique

Un demi-ton peut être chromatique ou diatonique :

  • Un intervalle entre deux notes ayant le même nom sera un demi-ton chromatique (comme l’intervalle entre Mi b et Mi).
  • Un intervalle entre deux notes ayant des noms différents sera un demi-ton diatonique (comme l’intervalle entre Sol et La b).

La gamme chromatique est constituée d’une suite de demi-tons à la fois chromatiques et diatoniques.

Comment est construite la gamme chromatique ?

La gamme chromatique est donc structurée de la façon suivante :

Observez qu’il y a bien un demi-ton entre chaque note jouée. Et qu’entre chaque tonale (ici le Do), vous comptez bien 12 degrés.

Vous pouvez bien évidemment appliquer cette structure à chaque note tonale.

A quoi sert la gamme chromatique ?

Un super exercice technique

La gamme chromatique sert à faire des chromatismes, bien sûr ! Avouez que La Palisse n’aurait pas dit mieux…

Plus précisément, travailler les chromatismes en tant qu’exercice technique vous permettra de gagner en agilité au niveau de la main gauche.

Vous travaillerez votre dextérité, votre rythmique, votre économie de mouvement…Bref, c’est un gamme qui offre beaucoup d’avantages en terme d’entraînement sur la durée.

Une gamme de passage passe partout

S’entraîner à enchaîner proprement les chromatismes, c’est aussi bien pratique pour réaliser des effets de style : Par exemple, quand vous voulez passer d’une tonalité à l’autre, c’est à dire d’une gamme de référence à une autre n’ayant pas de notes en commun, vous pouvez passer par la gamme chromatique.

Puisque celle-ci est atonale, elle vous permettra d’effectuer la transition entre deux notes qui ne vont pas ensemble sans heurt pour l’oreille.

Cette technique est particulièrement utile lors des improvisations. Plus vous serez à l’aise avec la gamme chromatique et plus vous aurez d’aisance pour pratiquer ce genre d’effets et réaliser ce passage délicat entre deux tonalités.

La gamme chromatique : idéale pour pratiquer le « jeu out » – en dehors

La gamme chromatique est également très utile pour apprendre à faire ce qu’on appelle du “jeu out”. En situation d’improvisation, un musicien est rapidement tenté de se concentrer sur les gammes qu’il maîtrise bien, de tourner autour régulièrement et de finir par s’y enfermer.

C’est précisément là que la gamme chromatique peut faire son apparition.

En introduisant dans votre jeu des demi-tons chromatiques et diatoniques qui constituent la gamme chromatique, vous pourrez apporter plus de nuance à l’ensemble.

Ces notes qui varient de la tonalité de référence, mais jamais plus d’un demi-ton, font que vous ne jouez pas vraiment juste…Mais pas vraiment faux non plus !

L’important est de veiller à ce que ces notes “out” soient jouées très rapidement : elles doivent être un passage entre deux notes qui elles, restent dans la tonalité. Cela garantira l’harmonie de votre ligne mélodique tout en la rendant plus travaillée, plus subtile, bref, plus intéressante pour tout le monde !

Comment jouer la gamme chromatique à la guitare ?

Voici le schéma de la gamme chromatique à la guitare pour apprendre comment jouer cette gamme sur votre manche. Vous pouvez décaler ce motif partout sur votre manche.

Sachez qu’il existe d’autres façons de jouer la gamme chromatique. L’une d’entre elles est simplement de jouer toutes les cases d’une même corde. Remarque : si vous débutez, travaillez en priorité la gamme pentatonique plutôt que cette gamme. Elle est utile à un niveau avancée.

La Gamme Diatonique

Définition de la gamme diatonique Après la gamme chromatique, passons à la gamme diatonique. La gamme diatonique n’est pas très utilisée en guitare. Cependant elle est utile pour comprendre la musique. Son nom, diatonique, signifie en grec qui traverse les toniques. On comprend donc que la gamme diatonique est la gamme qui possède les 7 notes naturelles de la musique : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do. Sa particularité, c’est que c’est la seule gamme qui comporte les 7 notes naturelles sans altération : ni Dièse ni Bémol. Cela fait d’elle une gamme très utile pour expliquer simplement la musique et répondre à toutes les questions de solfège ou d’harmonie musicale. Équivalence de la gamme diatonique avec le piano Sur un piano, elle est très facile à voir : ce sont les notes blanches. (sur un piano les notes blanches sont les notes naturelles et les notes noires les notes altérées : dièse et bémol).

En observant les touches d’un piano, on peut facilement identifier les intervalles entre les notes. (voir schéma ci-dessus).

Entre chaque touche, blanche ou noire, il y a exactement un demi-ton. Du coup entre 2 touches blanches consécutives (sans touche noire entre), il y a un demi-ton et entre 2 touches blanches avec une touche noire entre, il y a 1 ton.

Jouer la gamme diatonique sur la guitare

Sur la guitare, on voit moins facilement les notes naturelles et les notes altérées. Cependant on voit facilement les 12 notes entre 2 octaves. Celles-ci sont représentées par les douze cases qui se succèdent sur le manche avant d’arriver à l’octave suivante.

Le secret pour se repérer facilement sur le manche de la guitare, c’est d’utiliser les intervalles.

Construire la gamme diatonique sur une corde

Voyons donc un exemple sur la corde de Si et construisons la gamme diatonique.

Pour rappel : chaque case de la guitare représente un demi ton et la douzième case est démarquée des autres sur le manche à l’aide de deux points pour indiquer l’octave.

Dans ma gamme diatonique, toutes les notes sont séparées d’un ton (2 demi-tons) sauf :

  • le Mi et le Fa (E et F)
  • Le Si et le Do (B et C)

Un moyen mnémotechnique pour s’en souvenir, les notes en « i » ont des demis (tons). Alors que les autres notes sont séparées par un ton complet.

En sachant ça, vous pouvez reconstituer la gamme diatonique sur chaque corde, partout sur le manche de la guitare.

Exercice de construction de la gamme diatonique

  • Exercice 1 : jouer la gamme diatonique sur chaque corde à vide en partant de la corde à vide
  • En partant de Mi, La, Ré, Sol, Si et Mi Cet exercice vous permettra de bien connaitre les intervalles entre les notes de la gamme diatonique
  • Exercice 2 : jouer sur toutes les cordes, la gamme diatonique en partant de Do
  • Cet exercice vous permettra de réviser les notes du manche de la guitare et de mémoriser la gamme diatonique.

Pour vous aider, voici une des positions dans laquelle vous pouvez jouer la gamme diatonique (gamme majeure de Do lorsque la tonique est jouée sur la 8ème case de la corde de Mi)

Remarque : Gamme Diatonique et Gamme majeure

Comme nous le verrons par la suite, la gamme majeure a elle aussi 7 notes. Cependant, contrairement à la gamme majeure, la gamme diatonique n’a pas de tonalité. Il n’y a qu’une seule façon de la jouer, c’est en jouant Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do.

Elle correspond à la gamme majeure de Do. (c’est la seule gamme majeure qui a les mêmes notes que la gamme diatonique). Donc jouer la gamme majeure de Do ou la gamme diatonique, c’est pareil car elles ont les mêmes notes.

En revanche, vous ne pourrez pas jouer la gamme diatonique de Mi (E) alors que la gamme majeure de Mi (E) existe et comporte les notes suivantes :Mi Fa# Sol# La Si Do# Ré# Mi

Vous en apprendrez plus sur la gamme majeure juste après

Conclusion sur la gamme diatonique :

La gamme diatonique est un autre nom pour la gamme majeure de DO.

D’un point de vue théorique, elle est très utile pour expliquer les notions de solfège et d’harmonie. Tout sera expliqué et illustré avec cette gamme. Vous devez donc la connaitre.

D’un point de vue pratique, vous penserez et jouerez en gamme majeure de DO et vous oublierez vite la gamme diatonique.

La gamme relative mineure à la Guitare

RELATIVE MAJEURES mineures

Les Gammes Relatives

La gamme majeure naît à partir de trois sons générateurs appelés notes tonales. Ces notes sont: le son générateur principal, sa quinte inférieure et sa quinte supérieure.

Ces trois sons générateurs et leurs harmoniques naturelles engendrent trois accords majeurs parfaits: Fa (Fa, La, Do)-Do(Do, Mi, Sol) et Sol(Sol, Si, Ré). Il ne reste plus ensuite qu’à écrire les notes dans l’ordre des sons (du grave à l’aigu par exemple): (Do Ré Mi Fa Sol La Si Do).

A partir des ces trois accords majeurs ont obtient donc une gamme majeure. Pour obtenir une gamme mineure il suffit de rendre mineure la tierce de chacun d’eux(en plaçant un bémol): Do Mib Sol – Sol Sib Ré – Fa Lab Do.

Notre gamme mineure est donc:

Comparons la structure des intervalles dans une gamme mineure et dans une gamme majeure en les prolongeant un peu.

Les séquences sont:

  1. Maj = 2tons – 1/2 – 3 – 1/2 – 2 – 1/2 – 3 – 1/2 – 2 etc …
  2. Min = 1ton – 1/2 – 2 – 1/2 – 3 – 1/2 – 2 – 1/2 – 3 etc …
On constate donc que dans la gamme mineure de Do la séquence des intervalles devient exactement la même que dans la gamme majeure à partir du Mib 1 ton – 1/2 – 2 – 1/2 – 3 – 1/2

Donc, si l’on commence en Mib, on obtient une gamme majeure formée des même sons que la gamme mineur

  1. Gamme de Do Mineur: Do Ré Mib Fa Sol Lab Sib Do
  2. Gamme de Mib Majeur: – – -  Mib Fa Sol Lab Sib Do Ré Mib
Ces deux gammes sont dites relatives. Toute gamme majeure possède une gamme mineure relative et est elle-même relative de cette gamme mineure. C’est ce qui explique qu’elles ont en solfège la même armure à la clef (même nombre de dièses ou de bémols). La gamme mineure ainsi définie est dite « naturelle ».

A chaque gamme majeure correspond une gamme relative mineure. La gamme relative mineure d’un gamme majeure contient la même armure que cette dernière. Plus simplement, cela veut dire que les notes entre la gamme majeure et sa relative mineure sont les mêmes. La différence réside dans l’ordre des notes, et une caractéristique fondamentale de la gamme mineure est sa tierce mineure. Essayons de voir cela plus en détail.

Quand et comment utiliser la gamme relative mineure

L’utilisation de la gamme mineure relative est un vaste sujet sur lequel nous nous étendrons sur ce site. Pour commencer, et si vous êtes à vos débuts en matière d’improvisation et de composition, sachez que cette gamme sonnera particulièrement bien sur un morceau en mineur. Mais comment déterminer la tonalité pour commencer ?

En simplifiant de manière un peu exagérée, je vous recommande de regarder la suite d’accords du morceau que vous jouerez. Il y a de fortes chances que si le premier accord du refrain ou du couplet est mineur, cet accord donnera la tonalité de ce couplet/refrain. Bien sûr, ce n’est pas systématique et il faudrait passer par une analyse harmonique avant d’en être certain et de s’assurer qu’il n’y a pas de modulation (changement de tonalité). Toutefois, si vous débutez en improvisation, n’hésitez pas à essayer pour vous mettre dans le bain pour sentir l’ambiance mineure avant d’approfondir la question.

Par exemple, sur une cadence du type Im – III – Vm en Am, cela donne en accompagnement Am – C – Em, et la gamme de Am mineur sera parfaite pour créer une mélodie et pour improviser. la relativité entre la gamme majeure et la gamme mineure.

Première étape : visualisez les intervalles qui composent la gamme majeure (1 ton – 1ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton). A l’aide d’une petite gymnastique mentale, on se rend compte qu’on retrouve les intervalles qui composent la gamme mineure naturelle

(1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton)

à l’intérieur de cette même gamme majeure. Il suffit simplement de “décaler” la note de départ un ton et demi plus bas.

Comme parfois une image vaut mieux qu’un long discours, voici une petite illustration pour mettre en évidence cette relativité (en prenant comme exemple la gamme de Do Majeur)

On voit alors que lorsqu’on joue une gamme de Do majeur, on joue aussi toutes les notes de La mineur naturel, et vice-versa. Toute gamme majeure possède donc, de par sa composition, une relative mineure un ton et demi plus bas que sa fondamentale. A l’inverse, toute gamme mineure naturelle possède une relative majeure un ton et demi plus haut.

Ce principe va par conséquent s’appliquer aux pentatoniques majeures et mineures, ces gammes étant directement issues de la gamme majeure. Détaillons dans un premier temps la structure de ces pentatoniques avec les intervalles qui les composent :

On peut considérer qu’une pentatonique majeure est une gamme majeure à laquelle on aurait enlevé la septième majeure et la quarte, et la pentatonique mineure une gamme mineure à laquelle on aurait enlevé la seconde et la sixte mineure. On peut donc faire un parallèle avec la gamme majeure :

toute gamme pentatonique majeure possède une relative mineure un ton et demi plus bas que sa fondamentale.

A l’inverse, une pentatonique mineure possède une relative majeure un ton et demi plus haut.

Ce petit schéma devrait vous aider à bien visualiser la chose :

Pour bien assimiler ce principe, avoir une guitare dans les mains peut aider ! Je vous ai noté ci-dessous les 5 positions des pentatoniques de Do majeur (donc aussi de La mineur) en mettant en évidence les fondamentales dans chaque position. C’est en jouant que l’on se rend bien compte que Do majeur pentatonique et La mineur pentatonique ont exactement les mêmes notes et les mêmes positions.

Tout ce qui change c’est la note que l’on considère comme étant le point de départ de la gamme, c’est à dire la fondamentale.

Les chiffres romains en dessous des diagrammes indiquent le numéro des cases sur le manche.

https://ecole-de-guitare-vannes.fr/wp-content/uploads/2020/09/Les Relatives Majeures & mineures pdf

Les altérations en musique (dièses et bémols)

Ordre des Dièses (#) et des Bémols (b) :

ORDRE DES # & b.xlsx

Les Dièses Et Les Bémols” ! 

 Eh oui, en musique, les notes en elles-mêmes ne suffisent pas.
S’il n’existait que les 7 notes que l’on connaît tous abominablement par cœur – Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, et Si pour ceux qui ne sont pas assez abominables… – et qu’on les utilisait tout le temps, on deviendrait rapidement fous… C’est comme si vous ne jouiez que les touches blanches du piano, sans appuyer sur les touches noires ! En gros, plus que 52 touches sur les 88 initiales… Ça fait peu… C’est pourquoi on a inventé les altérations en musique avec les dièses et les bémols afin de diversifier un peu tout ça. D’ailleurs, si vous l’ignoriez, sachez que les instruments à lames que sont l’harmonica et l’accordéon existent sous 2 formes : les versions diatoniques et les versions chromatiques. Qu’est-ce que c’est que ces noms barbares ? Eh bien, pour le savoir, lisez bien cet article jusqu’au bout et vous comprendrez sans problème de quoi il s’agit !

LES 3 TYPES D’ALTÉRATIONS EN MUSIQUE

Lorsque l’on regarde un clavier de piano, on se rend bel et bien compte qu’il y a des touches noires et des touches blanches… dispatchées de façon assez bizarre, qui plus est.
Alors, oui, je vous ai vus, vous, derrière votre écran, en train de me dire : Et vous avez tout à fait raison ! En revanche, vous ne savez sûrement pas tout ce qu’il faut savoir sur les dièses et les bémols… et sur la 3ème altération que vous aurez omis de mentionner. Et puis, bon, tout le monde ne le savait pas forcément !  Alors, pour remédier à ça, reprenons depuis le début. (Non, malheureusement, je ne serai jamais aussi bon que Max Bird…  ) Pour transformer une note en la rendant un peu plus aigüe ou un peu plus grave, on dit qu’on va l’altérer – et non pas l’altérationner, comme j’ai pu l’entendre… 😁. On peut le faire de 2 façons différentes : • En utilisant un dièse, qui permettra d’augmenter un peu la hauteur de la note en la rendant ainsi « un peu plus aigüe ».
• En utilisant un bémol, qui permettra de diminuer un peu la hauteur de la note en la rendant ainsi « un peu plus grave ».

Mais en disant « un peu plus aigüe » ou « un peu plus grave », je n’irai pas au fond des choses. En effet, il serait plus juste de dire que les dièses et les bémols augmentent ou descendent les notes d’un demi-ton. Mais nous reviendrons par la suite sur cette notion, pas d’inquiétude. 🙂

Pour ceux qui désirent directement en savoir davantage sur les intervalles et sur le demi-ton, alors c’est par ici : « Ton Et Demi-ton » :

Avec un tableau.

Nom Symbole Action
Dièse # +½ ton
Bémol b -½ ton

Les bécarres

Les bécarres annulent l'action d'une altération. Voici une image sur laquelle on voit bien que les premières notes sont les même que les dernières. En fait, lorsque l’on parle d’altération, on peut faire référence à 2 catégories d’altérations que l’on retrouve donc dans 2 situations différentes, en dehors des 3 types que sont intrinsèquement les dièsesbémols et bécarres. Non, ne vous inquiétez pas, ce n’est pas compliqué, vous allez voir. 😉 Maintenant que vous savez à quoi ressemblent ces petites bêtes, je vous invite donc à jeter un œil à cette partition 

L'armure

Pour aérer les partitions de dièses et de bémols, on met les altérations qui seront toujours utilisées à l'armure. Elles s'appliquent sur toute la partition. L'armure, ça n'a rien à voir avec les chateaux-forts et les chevaliers (dommage d'ailleurs) : c'est l'ensemble des dièses ou bémols inscrits en début de lignes. On dit par exemple "il y a 3 dièses à l'armure". L'armure est située juste après la clé sur une partition. Voici deux exemples.

"Il y a deux dièses à la clé".

"Il y a quatre bémols à la clé".

On utilise les dièses, les bémols et les bécarres pour avoir accès à toutes les notes qui existent. Le système est fait pour alléger l'écriture. Nous verrons plus tard que l'armure peut donner une information sur la tonalité d'un morceau.

L'ordre des dièses, l'ordre des bémols

Les dièses ou les bémols à la clé (= à l'armure) ne se mettent pas dans n'importe quel ordre. Si vous ne connaissez pas l'ordre des dièses et des bémols, c'est l'occasion de les apprendre.
Dièses Fa# Do# Sol# Ré# La# Mi# Si#
Bémols Sib Mib Lab Réb Solb Dob Fab
Voici des exemples d'armures qui sont correctement écrites.

Voici deux exemples d'armures impossibles.

https://ecole-de-guitare-vannes.fr/wp-content/uploads/2020/09/L" ordre des diese & ds bémoles pdf (ecole-de-guitare-vannes.fr)

Bah oui mais pourquoi en fait ?

Derrière cette question (digne d'un adolescent pré-pubère) se cache une vraie question intéressante : pourquoi les altérations sont-elles disposées dans cet ordre ?

Nous allons y répondre.

Si vous venez juste de découvrir l'ordre des dièses et des bémols et que vous n'êtes encore pas bien à l'aise avec, je vous déconseille de lire cette partie. Vous risquerez d'être noyé par l'information. Passez plutôt à une autre page.

Pour comprendre cette partie, il vous faudra connaitre la gamme majeure. Si ça n'est pas le cas, allez à la page Gammes de référence.

La gamme majeure est une échelle d'intervalles définie comme ceci : WWHWWWH.

L'échelle majeure

L'ordre des altérations est conçu pour que les notes définissent toujours cette gamme qu'on appelle majeure. Autrement dit, quelque soit le nombre de bémols ou de dièses qu'il y a, les notes décriront toujours la gamme majeure : WWHWWWH. Vérifions-le par l'exemple. S'il n'y a rien à la clé.

Gamme de Do majeur

Do Ré Mi Fa Sol La Si Do, la gamme de Do majeur. Avec 3 bémols à la clé.

Gamme de Eb majeur

Avec 4 dièses à la clé.

Gamme de E majeur

Mi Fa# Sol# La Si Do# Ré# Mi, la gamme de Mi majeur. Et ça marche quelque soit le nombre d'altérations pourvu qu'elles soient dans l'ordre mais ça ne répond toujours pas à la question.

Une manière de le comprendre

Pour l'instant nous avons simplement vu que l'ordre des altérations était prévu pour définir toujours une gamme majeure. Observons lentement ce qu'il se passe lorsqu'on rajoute une altération à une gamme qui n'en contient aucune (la gamme de Do majeur).

Gamme de Do majeur

Nous sommes en Do majeur. Donc avec les intervalles WWHWWWH, avec Do comme première note. Si l'on rajoute un bémol, voici ce qu'il se passe : le Si deviens un Si bémol, donc le dernier "WH" se transforme en "HW". Gamme de Do majeur avec un bémol et te nouvelle échelle est une échelle majeure, prise à partir d'une autre note que sa tonique. Si on la remet d'aplomb, on retrouve WWHWWWH.

De Do majeur vers Fa majeur Cette gamme est la gamme de Fa majeur.

Gamme de Fa majeur Vous devriez commencer à comprendre le principe.

Si je rajoute un autre bémol (Mi qui devient Mib), il se passe la même chose que précédemment. Je retomberai sur la gamme de Si bémol majeur.

De Fa majeur vers Sib majeur On retombe toujours sur une gamme majeure.

On peut voir les choses comme le décalage (alterné) vers le bas des deux demi-tons "H" qui constituent la gamme majeure : un coup c'est l'un qui descend, un coup c'est l'autre, de telle sorte qu'on a toujours un bloc de 2 ton "WW" et un bloc de 3 tons "WWW" séparés entre eux par des demi-tons "H". Et si on rajoute des dièses ? Pour les dièses c'est la même histoire, mais les décalages se font vers le haut. Par exemple lorsqu'on passe de Do majeur (rien à la clé) à Sol majeur (1 dièses à la clé) le premier "HW" devient un "WH", ce qui décrit une nouvelle gamme majeure. En guise de résumé, voici un schéma qui illustre ce "décalage" qui a lieu lorsqu'on rajoute des dièses ou des bémols. En rajoutant des bémols

Le cycle des tonalités en ajoutant des bémols https://ecole-de-guitare-vannes.fr/wp-content/uploads/2020/09/L" ordre des diese & ds bémoles pdf (ecole-de-guitare-vannes.fr) En rajoutant des dièses

Le cycle des tonalités en ajoutant des dièses Incroyable, non ? Vous avez la tête qui commence à fumer ? Pas de panique, pour régler ce problème vous pouvez par exemple vous mettre à jouer un peu de guitare, par exemple en vous promenant dans les pages de l'onglet Improviser. Si vous voulez encore de la théorie dans la continuité de cette page, allez à la page La tonalité.

https://ecole-de-guitare-vannes.fr/wp-content/uploads/2020/09/L" ordre des diese & ds bémoles pdf (ecole-de-guitare-vannes.fr) Qu’est ce que le cercle des quintes et à quoi sert-il ? Si vous êtes allergique au solfège, à la théorie musicale ou à l’harmonie, vous pouvez passer votre chemin. Sinon, vous pourriez bien découvrir un outil formidable. Qu’est ce que le cercle des quintes ? Définition du cercle des quintes Dans la littérature, voici la définition que vous pouvez trouver du cercle des quintes : En théorie de la musique, le cycle des quintes (ou cercle des quartes) montre la relation entre les douze degrés de l’échelle chromatique, leurs altérations correspondantes et la tonalité majeure ou mineure associée. En pratique, si c’est moi qui vous explique, je vous dirais que le cercle ou cycle des quintes est un schéma qui vous permet de :
  1. trouver la tonalité d’un morceau
  2. transposer un morceau d’une tonalité à une autre
  3.  composer correctement vos morceaux
  4.  trouver les notes à jouer dans une tonalité

comprendre les tonalités, les accords, les gammes, les modes

Comment est construit le cercle des quintes ? Comme vous pouvez le voir dans le schéma ci-dessus, le cercle des quintes est construit de la façon suivante : • Quand vous tournez dans le sens horaire, deux notes consécutives sont séparées par un intervalle appelé quinte (d’où le nom). Par exemple, entre le C et le G (Do et Sol en français), il y a une quinte. Pour rappel si cela vous perturbe, un intervalle est simplement la distance entre 2 notes. Chaque intervalle portant un nom, la quinte en étant un. (je vous conseille de consulter cet article sur les intervalles ou notre cours sur l’harmonie musicale pour en savoir plus) • Quand vous tournez dans le sens anti-horaire, deux notes consécutives sont séparées par un intervalle appelé quarte. Par exemple entre le G et le C, il y a une quarte • Dans le cercle le plus à l’extérieur, vous trouvez les tonalités majeures • Dans le cercle en dessous (bleu moyen), vous trouvez la tonalité mineure relative de chaque tonalité majeure Donc ici, si vous cherchez la tonalité mineure relative de G (Sol), en un seul coup d’oeil, vous savez que c’est Em (Mi mineur) • Dans le cercle au centre, vous trouver le nombre de dièses ou bémols associé à chaque tonalité. Ce nombre correspond à la signature tonale de la tonalité ou plus officiellement Armure. C’est ce nombre qui permet d’identifier facilement la tonalité d’un morceau Si vous jouez une gamme qui compte 2#, vous savez que la tonalité est soit D (Ré) soit Bm (Si mineur) 4 façons de voir le cercle des quintes Vous pouvez voir le cercle des quintes de 4 façons différentes :
  1. • Tonalité : quand vous lisez E, vous pensez à la tonalité de Mi
  2. • Gamme : quand vous lisez E, vous pensez à la gamme majeure de Mi (c’est en fait la même chose que penser tonalité)
  3. • Note : quand vous lisez E, vous pensez à la note Mi, indépendamment de tout système tonal (en fait vous voyez alors le cercle des quintes comme la gamme chromatique)
  4. • Accord : quand vous lisez E, vous pensez à l’accord Mi Toutes ces façons sont valables, elles dépendent simplement de ce que vous cherchez comme information. Si ça vous intéresse, je vous invite à consulter notre cours d’Harmonie.

Comme utiliser le cercle des quintes ?

Vous pouvez utiliser le cercle des quintes dans de multiples cas de figures et pour de nombreuses applications différentes. En voici 9 :

  1. Identifier la tonalité mineure relative
  2. Identifier la tonalité majeure d’une mineure relative
  3. Identifier la quinte d’une note
  4. Identifier la quarte d’une note
  5. Identifier l’armure d’une tonalité
  6. Identifier une tonalité grâce à son armure
  7. Identifier 6 des 7 notes d’une gamme majeure ou mineure

Identifier les progressions d’accords à jouer

Harmoniser une gamme majeure (passage des notes de la gamme aux accords de la gamme)

Comment identifier la tonalité mineure relative d’une tonalité majeure ?

Avec le cercle des quintes, c’est ultra-simple, vous trouvez la tonalité majeure sur le cercle extérieur. La tonalité mineure relative est la tonalité indiquée dans le cercle du dessous. Prenons un exemple : la tonalité mineure relative de Do (C), c’est La mineure (Am).

A votre tour d’essayer, trouver les tonalités mineures relatives des tonalités majeures suivantes :

  • SoL
  • La
  • Mi
  • Fa
(réponses : Mi mineur, Fa# mineur, Si mineur, Do# mineur, Ré mineur)

Comment identifier la tonalité majeure relative d’une tonalité mineure ?

Il suffit de faire l’exercice précédent mais à l’envers. Regarder la tonalité mineure sur le cercle inférieur, puis lisez simplement la tonalité majeure relative sur le cercle extérieur. Pour en savoir plus sur la mineure relative (gamme mineure relative ou tonalité mineure relative), vous pouvez consulter cet article.

Faisons un exercice, trouver les tonalités majeures relatives des tonalités mineures suivantes :

  • Sol mineur
  • Mi mineur
  • Do mineur
  • La mineur
  • Ré mineur

(réponses : Si bémol, Sol, Mi bémol, Do, Fa)

Je vous fait faire la gymnastique entre la notation anglaise (ABCDEFG) et française (Do Ré Mi Fa Sol La Si), mais c’est pour votre bien, comme ça ça deviendra un automatisme.

Comment identifier la quinte d’une note ?

Encore une fois, grâce au cercle des quinte c’est hyper facile. Prenez une note sur le cercle extérieur et pour trouver la quinte, il suffit de tourner dans le sens des aiguilles d’une montre et de prendre la note juste à côté. Par exemple, quelle est la quinte de Do (C) ? c’est le Sol (G); la quinte de Fa#? c’est le Ré bémol.

Allez, à vous d’essayer. Trouvez la quinte des notes suivantes :

  • Sol
  • Si
  • Mi bémol
  • Mi

(réponses : Ré, Fa#, Sib, La, Si)

Comment identifier la quinte d’une note ?

Pareil, grâce au cercle des quinte c’est encore hyper facile. Il suffit de faire le contraire de la quinte en tournant dans le sens anti-horaire. Prenez une note sur le cercle extérieur. Pour trouver la quarte, tourner dans le sens inverse des aiguilles d’une montre d’une seule case. ca y est, vous avez la quarte. Par exemple, quelle est la quarte de Do (C) ? c’est le Fa (F); la quarte de Fa#? c’est le Si

Allez, à vous d’essayer. Trouvez la quarte des notes suivantes :

  • Sol
  • Si
  • Mi bémol
  • Mi
(réponses : Do, Mi, Lab, Sol, La)

Comment identifier l’armure d’une tonalité ?

Pour identifier l’armure d’une tonalité, il suffit de trouver la tonalité sur le cercle des quintes (majeure ou mineure) et de descendre sur le même rayon sur le cercle inférieur pour lire l’armure. Par exemple (c’est toujours plus clair avec un exemple) : prenez la tonalité de Mi (les tonalités majeures sont toujours sous entendues. Quand on dit en Mi, on veut dire en tonalité de Mi majeure), la mineure relative est Do# mineure, et l’armure est 4#. Ces 4# signifient que dans la gamme de Mi majeure, il y a 4 notes altérées ou 4 dièses. (encore une fois, si vous êtes étranger à tous ces concepts consultez, notre cours sur l’Harmonie, il part de la base et vous explique tout très simplement).

Donc comme précédemment, c’est à vous de jouer. Identifiez l’armures des tonalités suivantes :

  • Do
  • Sol
  • Fa
  • Fa#
  • Si mineure
  • Do mineure

(réponses : zéro dièse : c’est la gamme diatonique, 1#, 1b, 6#, 2#, 3b)

Comment trouver la tonalité quand on connait l’armure ?

Je ne vais pas tout re-détailler, il suffit de faire ce que l’on a fait précédemment, à l’envers. Vous regarder l’armure et vous remontez sur les cercles supérieurs.

Le seul piège cette fois-ci, c’est qu’il y a 2 tonalités possibles pour une même armure : une tonalité majeure et une tonalité mineure. Pour identifier laquelle des 2 est la bonne, vous allez devoir regarder les accords qui sont utilisés.

Comment identifier en 1 seconde, 6 des 7 notes d’une gamme majeure ou mineure ?

Encore une fois et vous l’avez compris, le cercle des quintes est un outil magique. Vous pouvez identifier 6 des 7 notes d’une gamme diatonique en regardant le centre tonal (la fondamentale) et les notes qui sont autour.

Par exemple quelles sont 6 des 7 notes de la gamme de Mi mineure ?

Je regarde sur le cercle des quintes le Em, et je vais prendre les 5 notes qui sont autour : A, E, G, C, D avec quelques notions de théorie vous sauriez vite que la dernière note est la Fa#. Cela vous donne les 7 notes de la gamme de Mi mineure : Mi, Fa#, Sol, La, Si, Do, Ré. Ce sont les mêmes notes que la gamme de Sol majeure : Sol, La, Si, Do, Ré, Mi, Fa#.

Si ce n’est pas clair, regardez la vidéo, en dynamique et quand on joint le geste à la parole, c’est tout de suite plus clair. (j’avoue que là, si vous n’avez aucune notion de théorie, ça peut être un peu compliqué et c’est normal que vous soyez perdu. Si vous voulez que la théorie, n’est plus aucun secret pour vous, regardez la vidéo et inscrivez vous à notre cours sur la théorie).

Comme d’habitude, si vous avez des questions sur le cercle des quintes, n’hésitez pas à les poser dans les commentaires.

C'est quoi une TONALITE ?

Schématiquement, c'est tout simplement le "cadre acoustique" dans lequel va évoluer un morceau de musique, selon divers critères choisis par le compositeur.

Un même morceau peut très bien, en théorie pure, se jouer dans différentes tonalités, plus aigu ou plus grave, selon les envies ou les besoins de chacun ; rien ne s'y oppose. Accessoirement, il se trouve pourtant que chaque tonalité a une "couleur" auditive (si,si !) ; et, dans la pratique, vous verrez que certains morceaux semblent bien moins chouettes selon la tonalité choisie ; parfois ils en deviennent même complètement "plats" (Essayez par exemple de jouer en Ré ou en Sib un blues qui est d'origine en Mi …)

Souvent le critère principal de choix réside dans les possibilités techniques de l'instrument (un trombone aura d'autres préférences de ton qu'une guitare, même si tous les instruments peuvent et doivent pouvoir jouer dans une tonalité imposée) ou dans les possibilités de la voix à laquelle le morceau est destiné (les femmes chanteuses auront bien naturellement d'autres tonalités préférées que les hommes).

Pour résumer, la tonalité = la gamme que le morceau va utiliser, c'est à dire, tout simplement, la hauteur (instruments/voix plus ou moins aigus/graves) d'exécution du morceau.

Un morceau en tonalité de "La" sera bien sûr plus aigu que le même morceau en tonalité de "Mi" (celui en-dessous, bien sûr) par exemple. [Attention : le nom de la tonalité ne donne pas forcément le nom de la note de départ ! ]

La tonalité précise également si le morceau est "majeur" ou "mineur". Par tradition, on précise uniquement quand une gamme ou un accord sont "mineurs" ; si rien n'est précisé, on sous-entend toujours "majeur".

Exemple : "Faites-moi un accord de "Ré" svp" veut dire "Faites-moi un accord de "Ré [majeur]" svp" mais : "Ce morceau se joue en Do mineur".

Comment DEFINIR la tonalité ?

Une légende doit tout de suite être sauvagement mise à mort ici : ce n'est pas forcément le premier accord d'un morceau qui donne la tonalité !!!!

Eh oui : un morceau en (tonalité de) Do commence certes assez souvent par un accord de Do mais il peut très bien aussi commencer, eh oui, par un accord de Sol, de Rém, etc.

En théorie pure, la tonalité se définit par l'armature de la partition, donc le nombre de "#" ou de "b" imposés "à la clé". Ça s'apprend comme une table de multiplication. Mais nous n'en somme bien sûr pas là.

Pour ce qui nous concerne, et pour l'instant, il est conseillé de se baser plutôt sur le dernier accord du morceau (ou mieux encore le dernier accord du refrain, s'il y en a un) pour déterminer la tonalité (le dernier accord = la tonalité du morceau).

Mais attention : cette façon de faire, bien que largement plus fiable, n'est pas, non plus, une règle absolue, mais elle marche quand même dans à peu près 90% des cas.

A QUOI CA SERT ?

Bon, d'accord, quand on est seul(e) à jouer, ça ne sert pas à grand'chose (sauf à avoir le plaisir de "savoir que …" ) :

on joue dans la tonalité qu'on veut (ou qu'on peut …), celle qui nous plait, celle qui convient à notre voix ou encore celle qui est la plus simple à exécuter.

Ça sert dès qu'on est deux ou plus pour savoir comment on joue le morceau. Et là il est important de savoir très exactement de quoi on parle, de parler le même langage. Il est donc très avantageux de connaître un minimum ces questions de tonalité : ça fait gagner beaucoup de temps quand on est à plusieurs.

Il faudra peut-être faire chacun des "concessions de tonalité" (surtout s'il y a du chant) pour modifier le morceau au mieux.

La Transposition

Les Bases du solfège

Transposer c'est quoi ?

Transposer" un morceau, c'est le faire "glisser" d'une tonalité à une autre, plus grave ou plus aigüe.

Un autre terme existe pour un changement de tonalité dans le déroulement normal d'un morceau : c'est la "modulation"

L'utilité d'une transposition est évidente : adapter un morceau aux possibilités des exécutants.

Impératif unique d'une transposition : toutes les notes et aussi tous les accords doivent être "déplacés " vers le haut ou vers le bas de façon absolument parallèle .

C'est tout. Mais c'est pas forcément facile pour tout le monde. Le piège principal, même pour des gens confirmés en solfège, se trouve principalement dans les ½ tons (avec les "#" et les "b" notamment)

MAIS comme nous ne sommes pas (pas encore) des super-cracks en solfège, on va simplement se fabriquer un petit "tranposeur " automatique, pas cher, qui ne consomme rien, toujours prêt , qu'on peut emporter partout avec soi et qui est fiable à 100% s'il est utilisé correctement.

Alors, voilà (C'est une "recette de grand'mère" ! Mais ça marche au poil !) :

- on découpe deux bandes de papier ou de carton (avec des carreaux, c'est plus précis) et on écrit à intervalles réguliers les accords/notes dans l'ordre ci-dessous (deux fois la même série sur l'une, c'est plus pratique…) ,

- on les met côte à côte (ou dessus/dessous) puis on coulisse de façon à mettre face à face l'accord d'origine et celui qu'on veut à l'arrivée,

- et puis on recopie chaque fois le nom figurant sur la ligne "arrivée" de la note/accord qui est située face à l'accord correspondant de la ligne "origine", sans oublier de rajouter les "m7" ou "6/9" quand il y en a.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Résumons la Structures des Accords & Gammes :

STRUCTURE ACCORDS & GAMMES

GUIDE de choix d"Accord et Gammes:

GUIDE DE CHOIX D ACCORD ET GAMME

WORLD MODES + Anatole:

WORLD MODES

LES TUTOS:

LES ACCORDS:

La gamme majeure

Télécharger:

Le guide ultime de la construction des accords à la guitare

LES ACCORDS

Téléchager TITRE  EN TABLATURES d'application sur notre site www.ecole-de-guitare-vannes.fr 

Comment lire une grille d’accord à la guitare?

Une grille d’accord guitare (aussi appelé diagramme d’accord) est une façon simple de représenter les accords de guitare.

C’est de loin la représentation la plus pratique et la plus utilisée. C’est pour cela que vous devez être capable de lire les grilles d’accords.

Cela vous permettra dès que vous rencontrerez un nouvel accord, de savoir comment il se joue en un clin d’œil.

Etape 1 : comprendre comment sont construites les grilles d’accords

Les grilles d’accords sont une représentation très riche des accords. Elles vous disent exactement où poser vos doigts sur les cordes et quelles cordes jouer.

Elles contiennent les 3 informations suivantes :

  • Les cordes qui sont jouées
  • Les cases sur lesquelles vous devez appuyer
  • Les doigts avec lesquels appuyer sur les cases
Elles sont à elles seules un véritable cours de guitare. Voici par exemple la grille d’accord du La mineur commenté. Sur cette grille d’accord vous retrouvez toutes les informations dont vous avez besoin :
  • Les chiffres dans les ronds indiquent le doigt à utiliser pour jouer la corde.
  • Les ronds de couleur indiquent dans quelle case doit être jouée la corde
  • S’il n’y a aucun rond dans sur une corde, il y a soit une croix, soit un rond au dessus du diagramme :
    • Une croix : X indique que la corde ne doit pas être grattée ou jouée.
    • un rond : O indique que la corde est jouée à vide
Pour jouer une corde à vide, c’est simple, il suffit de gratter la corde sans poser de doigt dessus. Pour jouer une croix, vous avez 2 possibilités :
  • Soit ne pas gratter la corde
  • Soit étouffer la corde (voir à la fin de cette page les techniques pour étouffer une corde)
Étape 2 : Comprendre comment sont numérotés les doigts sur les grilles d’accords ?

Ci-dessus une vue de face et de dos de la main Droite avec l' initiale  de chaque doigt.

Sur la main droite, les doigts sont représentés par des lettres

  • Le pouce est noté P comme Pouce ou T comme Thumb (qui signifie Pouce en anglais).
  • L’index : I
  • Le majeur : M
  • L’annulaire : A

Ci-dessus une vue de face et de dos de la main gauche avec le numéro de chaque doigt.

Chaque doigt de la main gauche est associé avec un numéro allant de 1 à 4.
  • Index : 1
  • Majeur : 2
  • Annulaire : 3
  • Auriculaire : 4

Par convention, on appelle main gauche, la main qui appuie sur les cordes pour jouer les accords. Elle est opposée à la main droite qui gratte les cordes. Cette convention est la convention droitier.

Pour les gauchers, c’est le contraire, la main droite appuie sur les cordes et la main gauche gratte les cordes.

(pour les gauchers, vous trouverez à la fin de cette page, un lien pour télécharger les diagrammes d’accords pour gauchers)

Cas pratique : lire votre première grille accord guitare

Nous allons faire un exemple ensemble.

Pour vérifier que vous avez bien compris, essayez de le jouer.

Cette grille accord de Do majeur correspond au doigté réel suivant :

Voici toutes les explications :

  • Le doigt 1 (Index) est sur la corde de Si dans la case 1
  • Le doigt 2 (Majeur) est sur la corde de Ré dans la case 2
  • Le doigt 3 (annulaire) est sur la corde de La dans la case 3
  • Les cordes de Mi aigu et Sol sont jouées à vide
  • Le corde de Mi grave n’est pas jouée
Les accords mineurs de base

Les accords mineurs sont moins utilisés que les accords majeurs, cependant, ils sont parfois plus faciles à faire. C’est pour cela que nous commençons par eux.

L’accord de La mineur

Les accords mineurs sont moins utilisés que les accords majeurs, cependant, ils sont parfois plus faciles à faire. C’est pour cela que nous commençons par eux.

L’accord de La mineur

Vous pouvez télécharger ici la fiche PDF de synthèse avec tous les accords de base

Cette grille accord de La mineur correspond au doigté réel suivant :

Voici toutes les explications :

  • Le doigt 1 (Index) est sur la corde de Si dans la case 1
  • Le doigt 2 (Majeur) est sur la corde de Ré dans la case 2
  • Le doigt 3 (annulaire) est sur la corde de Sol dans la case 2
  • Les cordes de Mi aigu et Sol sont jouées à vide
  • Le corde de Mi grave n’est pas jouée

Etape 3 : Apprendre la notation anglaise des accords

Si vous avez déjà cherché les accords d’une chanson sur internet, vous avez dû remarquer que très souvent le nom des accords est donné en notation anglaise.

Cela vaut donc la peine d’apprendre dès le début le nom des accords en anglais et de savoir passer de la notation française à la notation anglaise.

Voici le tableau de correspondance des accords en anglais et en français :

Comment lire un accord sur une tablature de guitare ?

Les tablatures sont une représentation alternative au solfège classique. Elles permettent de savoir quelle note jouer sans avoir à apprendre la lecture de note sur une partition de musique.

A la guitare, une tablature représente les 6 cordes de la guitare et indique avec un nombre quelle case doit être jouée.

Le principal désavantage des tablatures par rapport aux diagrammes d’accords / grilles accords est qu’elles n’indiquent pas avec quel doigt appuyer sur les cordes.

Malgré cet inconvénient, il est utile de savoir reconnaître les accords sur une tablature guitare car sur internet quasiment toutes les chansons sont disponibles en tablature.

Ci-dessus la tablature de l’accord de Do majeur (C).

A partir de cette tablature d’accord vous pouvez dire qu’il faut jouer :
  • La corde de Mi aigu à vide
  • La corde de Si dans la case 1
  • La corde de Sol à vide
  • La corde de Ré dans la case 2
  • La corde de La dans la case 3
  • Le corde de Mi grave n’est pas jouée
  • Toutes les cordes jouées sont jouées en même temps
Sur une tablature d’un accord plusieurs nombres sont indiqués les uns au-dessus des autres (sur une même verticale), cela signifie que toutes les cordes qu’il faut jouer doivent être jouées en même temps. C’est une bonne façon de reconnaître les accords par rapport aux notes seules. Lorsqu’une corde n’est pas jouée, il n’y a aucun numéro sur la corde ou parfois, il y a une croix.

Les 9 accords de guitare faciles pour les débutants

Nous allons voir maintenant les 9 accords guitare que vous devez savoir pour bien débuter la guitare. Ces 9 accords vous permettront de jouer simplement, quasiment toutes les chansons. On peut repartir chaque accord guitar en 2 familles :
  • Les accords majeurs qui sont considérés comme des accords enjoués et joyeux
  • Les accords mineurs qui sont considérés comme plus sombres, tristes et mélancoliques
En complément, vous pouvez télécharger ici la fiche PDF de synthèse avec tous les accords de base

Vous trouverez ci-dessous un tableau récapitulatif des accords de guitare à connaitre. Je n’ai pas mis tous les accords de guitare ci-dessous. 

Tableau des principaux accords de guitare

Réussir ses changements d’accords

Je sais qu’on voudrait pouvoir prendre sa guitare et tout réussir tout de suite. La vérité, c’est que réussir ses changements d’accords prend du temps. De nombreux débutants à la guitare se sont arrachés les doigts dessus et malheureusement, certains ont abandonné ou pense le faire. La bonne nouvelle, c’est qu’avec une bonne méthode et de l’entrainement, vous pouvez grandement améliorer vos changements d’accords.

La méthode EVAL pour avoir des accords fluides et rapides

Voici la méthode EVAL. Je l’ai nommé ainsi pour vous rappeler les points clés qui seront décrits ci-dessous :
  • E : Entrainement. Sans entrainement, vous ne pouvez pas espérer réussir à faire des passages d’accords fluides.
  • V : Visualisation. La Visualisation accélèrera vos résultats et la mémorisation de chaque accord guitar
  • A : Accord guitare. Avant de vouloir faire les changements d’accords, il faut savoir faire chaque accord séparément
  • L : Lenteur. Si vous allez trop vite vous n’allez pas bien apprendre et vous prendrez de mauvaises habitudes. La lenteur est la clé pour réussir vite.

Voici la méthode EVAL pour réussir ses changements d’accords pas à pas :

  • Il faut travailler un seul changement d’accords à la fois. Si vous les travaillez tous en même temps, vous allez simplement disperser votre énergie et perdre du temps.
  • Une fois que vous avez choisi le changement d’accords que vous allez travailler, il faut apprendre à faire les 2 accords séparément.
  • Quand vous savez parfaitement faire ces 2 accords, vous allez pouvoir vous entrainer à faire le passage de l’un à l’autre.
    • En premier faites le passage de l’un à l’autre, très lentement et seulement avec la main gauche (ne grattez pas les cordes)
    • Regardez bien le mouvement de vos doigts. Ils doivent rester près de manche.
    • Identifiez éventuellement les doigts pivots qui peuvent vous aider à faire votre changement d’accord (voir ci-dessous pour le détail)
    • Puis répétez ce déplacement une dizaine de fois. C’est très important de le faire très lentement et de bien contrôler votre mouvement. À cette étape, on ne cherche pas la vitesse, mais la précision et le contrôle. On entraine sa mémoire musculaire.
    • Une fois que vous êtes à l’aise répétez l’étape précédente en grattant les cordes. Vous pouvez alterner. Une fois vous grattez toutes les cordes en même temps. Une fois, vous grattez les cordes une à une.
    • Faites cet exercice pendant 3 à 5 minutes par jour et dans une semaine, vous devriez voir des progrès considérables.

Points importants à garder en tête :

  • La lenteur : on a toujours tendance à vouloir aller trop vite. Forcez-vous à ralentir. Au début, il vous maitriser le mouvement, la vitesse viendra après. Comme dit souvent Cyrille, on apprend à marcher avant de savoir courrir. Si vous avez l’impression de perdre du temps, essayez de sauter cette étape et regarder combien de temps il vous faudra pour maitriser ce passage d’accords. En allant lentement, vous allez entrainer votre mémoire musculaire.
  • La mémoire musculaire : C’est elle qui vous permettra, quand vous l’aurez bien entrainé, de faire des changements d’accords rapides et fluides. En fait, vous ferrez vos changements d’accords sans y penser.
  • Poser les doigts tous en même temps ou pas ? quand vous vous entrainez et surtout au début, essayez de mémoriser les formes des accords. Pour cela il faut faire attention à faire la forme de l’accord en l’air (quand les doigts sont au-dessus du manche) et de poser les doigts tous en même temps. (c’est plus difficile, mais encore une fois, sur le long terme vous gagnerez du temps).

4 techniques indispensables pour améliorer vos changements d’accords

Toutes ces techniques sont intégrées dans la méthode EVAL

Visualiser les accords dans votre tête

Une technique utile, c’est de visualiser l’accord dans votre tête. Pour cela c’est très simple.

Avant de changer d’accord, visualisez l’accord suivant.

Cette technique vous aide à retenir les accords et prépare vos doigts à passer d’une position à une autre.

Faire les formes en l’air

Cette technique est la plus difficile à mettre en place, mais c’est aussi la plus efficace. Il s’agit de réussir à faire la forme de l’accord quand les doigts sont au-dessus des cordes, avant qu’ils ne se posent.

Cela vous fera gagner beaucoup de temps et vous entrainera à poser tous les doigts en même temps.

Jouer les cordes une à une

Cette technique est très simple et consiste à jouer chaque corde une à une. Cela vous permet de vérifier que la position de tous vos doigts est correcte.

Si une des notes de l’accord ne sonne pas ou sonne mal, vous pouvez vous concentrer sur celle-ci et corriger votre position.

La technique du doigt pivot pour réussir ses changements d’accords

Un doigt pivot est un doigt qui ne change pas de position d’un accord à l’autre.

Par exemple le passage d’un Do majeur à un La mineur, il y a 2 doigts pivots : l’index et le majeur.

Pour réussir ce changement d’accord, il vous suffira d’apprendre à déplacer votre annulaire sans bouger les 2 autres doigts et si possible en les utilisant comme point d’appui.

Cet technique est très efficace, mais ne peut malheureusement pas être utilisée pour tous les changements d’accords, car il n’y a pas toujours de doigt pivot.

Pour maitriser parfaitement cette technique, tu peux suivre notre programme d’entrainement pour avoir des changements d’accords fluides et rapides en cliquant ici

Les sources de problèmes pour réussir à faire les accords

Il se peut que vous rencontriez des difficultés pour réaliser ces accords et que vous n’arriviez pas à les faire du premier coup. Rassurez-vous, c’est complètement normal.

Sachez que si vous débutez, il faut généralement un peu de temps pour faire les accords correctement.

Il faut laisser à vos doigts le temps de gagner en souplesse et en force.

Si cela fait moins de 2 semaines que vous vous entrainez et que vous n’y arrivez pas encore, cela ne sert à rien de s’alarmer. C’est normal. Ça va venir avec le temps et la persévérance.

Cependant, si vous voulez vérifier que vous êtes sur la bonne voie, voici les problèmes que j’observe le plus souvent. Ils sont liés à 3 choses :

  • La position du poignet
  • La position des doigts
  • Le manque d’entrainement et de patience

La position du poignet

Pour réussir à faire vos accords à la guitare, vous allez devoir gagner en souplesse au niveau du poignet. La position du poignet et des doigts sont liées. Si votre poignet est mal positionné, vos doigts risquent de l’être aussi.

Il n’y a pas une seule bonne position du poignet. Il y en a 2. Elles dépendent de l’accord que vous essayez de faire.

Dans la première position votre poignet est sous le manche dans le même plan vertical. Pendant ce temps, votre pouce est au milieu du manche.

Dans la seconde position votre poignet est derrière le manche dans le même plan horizontal. Pendant ce temps, votre pouce est au-dessus du manche.

Toutes les positions entre ces 2 positions extrêmes sont bonnes.

Généralement, ce qui pose problème au débutant, c’est un poignet qui n’est pas suffisamment sous le manche de sa guitare.

La position des doigts

Pour bien appuyer sur les cordes, vos doigts doivent appuyer bien perpendiculairement au manche et avec le bout des doigts uniquement.

Ils doivent aussi appuyer avec suffisamment de force et être le plus près possible des frettes.

Si vous doigts sont couchés sur les cordes, vous risquez d’étouffer les cordes qui sont en dessous et vos accords ne vont pas bien sonner.

Le manque d’entrainement et de patience

Tout le monde peut réussir à faire les accords de guitare. Ce qui empêche la plupart de le faire, c’est un manque d’entrainement et de patience.

Aujourd’hui, on veut tout, tout de suite, sans faire d’effort.

La guitare vous apprendra que la réalité ne fonctionne pas comme ça.

Plus que de nouveaux accords, c’est la patience et la persévérance que vous allez devoir apprendre pour progresser à la guitare.

Ce qui est encore plus contre-intuitif, c’est que c’est en prenant votre temps et en allant lentement que vous progresserez vite.

Si vous vous lancez dans l’apprentissage de la guitare, quel que soit votre âge, soyez indulgent avec vous-même, acceptez que cela prend du temps et travaillez un peu tous les jours. Associée à une bonne méthode, c’est une recette qui a fait ces preuves des millions de fois. Les doigts trop courts, trop gros, trop longs, … C’est une complainte que j’entends souvent. Je n’y arrive pas, j’ai les doigts trop gros / j’ai les doigts trop courts ou trop petits / j’ai les doigts trop longs. Nous sommes tous différents et nous avons tous le corps que nous avons et nous ne pouvons que relativement peu le changer. Pourtant de tout temps, des grands, des gros, des énormes, des petits, … ont réussi à jouer de la guitare divinement bien. Je suis donc désolé de vous le dire mais cette excuse des doigts de bucheron n’est pas valable. Vous n’avez juste pas encore appris à bien les utiliser. Retournez donc au problème numéro 3. Ensuite il faut savoir qu’en fonction de votre morphologie, certaines guitares vous conviendront mieux. La Gibson SG a un manche très fin. C’est pour cela qu’Angus Young, le guitariste du groupe ACDC, qui a des petites mains l’a choisie. Les guitares classiques ont des manches beaucoup plus larges que les autres guitares et peuvent bien convenir à ceux qui ont des grandes mains.

Un plan d’entrainement pour apprendre les accords

La meilleure façon de faire, c’est de prendre les choses morceaux par morceaux.

Première étape : Testez vous avec tous les accords

Pour commencer essayez de jouer tous les accords de cette page, notez ceux qui sont le plus faciles pour vous et ceux qui sont difficiles.

Le Do et le Fa sont souvent ceux qui ressortent comme étant les plus difficiles. C’est pour cela que j’ai proposé de variations plus faciles.

Le Mi mineur, La mineur, Ré mineur et Mi sont généralement ceux qui paraissent les plus faciles.

Deuxième étape : Apprenez ceux qui sont faciles en premier

Vous avez identifié les accords qui étaient faciles pour vous et ceux qui étaient difficiles.

Choisissez en 3 ou 4 faciles et 1 difficile

Avec les 3 ou 4 faciles choisissez 2 changements d’accords

Travaillez ensuite ces 2 changements d’accords et l’accord difficile pendant 1 semaine

Par exemple, vous allez travailler le Do comme accord difficile et les changements d’accords La mineur – Mi et Ré mineur – La mineur

L’idée ici est de ne pas vouloir trop en faire. Vous avez toutes la vie pour apprendre la guitare.

Troisième étape : Recommencez

Ensuite recommencez avec d’autres accords.

Il est très probable que vous ayez besoin de plus d’une semaine pour maitriser chaque nouvel accord. Dans ce cas, prenez votre temps.

Chaque semaine prévoyez un petit temps pour revoir les accords vus précédemment.

Pour aller plus loin avec les accords guitare

En seulement quelques semaines, vous aurez des changements d’accords fluides et rapides. Ce programme s’appelle fluidité des accords.

Vous pouvez aussi télécharger ici la fiche PDF de synthèse avec tous les accords de base

Conclusion : les accords de guitare facile pour débutant

J’espère qu’il vous a plu et qu’il vous a aidé à débuter et apprendre les accords de guitare. Sachez que tous ces conseils sont repris dans notre cours de guitare débutant en vidéo. Il est gratuit et a été fait pour vous aider à apprendre la guitare sur le bon pied.

Enfin, prenez le temps de bien maitriser vos accords guitare. Ils sont fondamentaux car sans eux, vous ne pourrez pas vraiment jouer de guitare. Je sais que c’est difficile au début, mais soyez patient et persévéré. Ce n’est pas grave s’il vous faut plusieurs semaines ou mois pour maitriser ces accords de guitare. Un fois que vous les saurez, vous les saurez toute votre vie !

Je sais que tout le monde peut y arriver. La seule condition c’est d’être motivé. Si vous avez besoin de soutien, trouvez vous un prof....idée!!!

Pour ma part, il ne me reste plus qu’à vous souhaiter bon travail ! et apprenez bien tous ces accords de guitare. Vous ne le regretterez pas🤘

Téléchager TITRE  EN TABLATURES d'application sur notre site www.ecole-de-guitare-vannes.fr 

La gamme majeure et les accords de 3 sons

Harmoniser la gamme Majeure en accords de trois sons

Après avoir compris et assimilé les différents intervalles constituant la gamme majeure, nous allons pouvoir nous adonner à un sport très intéressant, l'harmonisation de la gamme en accords de trois sons. Un accord de trois sons est formé de trois notes :

Avant de commencer

Nous avons vu la construction de la gamme majeur, vous savez maintenant je l'espère retrouver n'importe qu'elle gamme majeur à partir d'une tonique. Vous connaissez aussi les intervalles et leurs qualifications du moins surtout ceux qui vont nous intéresser pour la construction des accords, vous avez donc tous les outils pour comprendre ce qui va suivre. On a vu précédemment qu'un intervalle harmonique est produit par 2 sons simultanés.

 Pour former un accord, il faut 3 sons simultanés.

On l'obtient à partir de la tonique en empilant les tierces. Pour vous expliquez, je reprends ma gamme de C majeur et vous allez constater que chaque note de cette gamme va générer un accord avec les notes de cette même gamme, ces accords sont comme la gamme le résultat de la résonance naturelle des corps.

  • la fondamentale (ou tonique)
  • la tierce
  • la quinte

A partir de chacune des notes de la gamme majeure nous pouvons construire un accord. Exemple :

prenons Do comme fondamentale, pour trouver sa tierce, à partir de Do, nous comptons les trois notes suivantes :

Do, Ré et Mi.

Mi est donc la tierce de DO.

Pour trouver la quinte de DO, nous comptons cinq notes, nous arrivons sur Sol.

Sol est donc la quinte de DO.

Le tableau suivant dresse la liste des accords construits sur chacun des degrés de la gamme de Do majeure.

Pourquoi certains accords sont majeurs et d'autres sont mineurs ?

Pour répondre à cette question, il faut examiner l'intervalle de tierce.

La tierce des accords majeurs a un intervalle de deux tons. En regardant le tableau des intervalles on voit que cela correspond à une tierce majeure, d'où le caractère majeur de l'accord.

Pour les accords mineurs, c'est le même principe mais cette fois avec un intervalle de tierce d'un ton + 1/2 ton correspondant à une tierce mineure, d'où le caractère mineur de l'accord.

L'intervalle de quinte est toujours de trois tons + 1/2 ton correspondant à une quinte juste, sauf sur l'accord construit sur le degré VII qui lui a une quinte de trois tons correspondant cette fois à une quinte diminuée.

Do majeure harmonisé en accords ouverts

Voici notre fidèle gamme de Do majeure harmonisée en accords de trois sons. J'ai volontairement détaillé des positions utilisant les cordes à vide (ce que l'on appelle accords ouverts). Le symbole X au-dessus du diagramme signifie qu'on ne doit pas jouer la corde, le symbole O qu'on doit jouer la corde à vide.

Le dictionnaire visuel des 8 principaux accords de guitare faciles pour les débutants

Les accords sont un des 2 piliers de la guitare avec le rythme. Même s’ils font parfois peur, ils ne sont pas si difficiles à apprendre surtout si vous avez la bonne méthode.

Voici donc mon guide spécial accords guitare. Il vous expliquera pas à pas comment jouer chaque accord guitare et tout ce que vous devez savoir pour bien débuter.

Dans ce guide, je vous propose une démarche pas à pas, en partant du principe que vous débutez. Si vous connaissez déjà un thème, n’hésitez pas à aller directement à ce que vous avez besoin d’apprendre.

Vous pouvez télécharger ici la fiche PDF de synthèse avec tous les accords de base

Voici un petit tableau qui récapitule les notes de chaque accord à la guitare :
Accords Majeurs Accords mineurs
Do Mi Sol Do Mib Sol
Fa# La Fa La
Mi Sol# Si Mi Sol Si
Fa La Do Fa Lab Do
Sol Si Sol Sib
La Do# Mi La Do Mi
Si Ré# Fa# Si Fa#

L’idéal étant de savoir recréer ce tableau de tête mais ça demande quelques connaissances théoriques. Vous pouvez tout à fait le télécharger pour vous en servir par la suite. (Il est disponible dans les cadeaux que j’offre avec le formulaire en haut de la page)

Dernière petite étape, connaître le nom des notes sur le manche de la guitare. Là encore, j’ai un petit schéma pour vous. Ne vous embêtez pas à essayer de toutes les apprendre par cœur. Le plus simple est encore de pratiquer en construisant des accords sur la guitare et petit à petit ça devrait rentrer. (Ce schéma est aussi disponible avec les cadeaux)

LES ACCORDS DE LA GAMME DE DO MAJEUR

Les accords de la gamme de C majeur
Degré Nom de l'accord Chiffrage Notes Ecart entre intervalles
I CMaj ou C 1 - 3 - 5 C - E - G 2 tons - 1,5 tons
II Dmin ou Dm 1 - b3 - 5 D - F - A 1,5 tons - 2 tons
III Emin ou Em 1 - b3 - 5 E - G - B 1,5 tons - 2 tons
IV FMaj / F 1 - 3 - 5 F - A - C 2 tons - 1,5 tons
V GMaj / G 1 - 3 - 5 G - B - D 2 tons - 1,5 tons
VI Amin ou Am 1 - b3 - 5 A - C - E 1,5 tons - 2 tons
VII Bminb5 ou Bmb5 1 - b3 - b5 B - D - F 1,5 tons - 1,5 tons
  • Chiffrages (latin) : Do m
  • Nom de l'accord : mineur
  • Principe à appliquer : accord majeur dont la tierce est abaissée d'un demi-ton
  • Notes composant l'accord : Do-Mib-Sol
  • Chiffrages (latin) : Do sus4
  • Nom de l'accord : quatrième
  • Principe à appliquer : accord majeur auquel on met la quarte à la place de la tierce
  • Notes composant l'accord : Sol-Do-Fa (*)
  • Chiffrages (latin) : Do 5+
  • Nom de l'accord : de quinte augmentée
  • Principe à appliquer : accord majeur dont la quinte est montée (car "+") d'un demi-ton
  • Notes composant l'accord : Do-Mi-Sol#
  • Chiffrages (latin) : Do 5-
  • Nom de l'accord : de quinte diminuée
  • Principe à appliquer : accord mineur (!) dont la quinte est baissée (car "-") d'un demi-ton
  • Notes composant l'accord : Do-Mib-Solb
  • Chiffrages (latin) : Do 6
  • Nom de l'accord sixième
  • Principe à appliquer : accord majeur auquel on rajoute la sixte
  • Notes composant l'accord : Do-Mi-Sol-La
  • Chiffrages (latin) : Do 7
  • Nom de l'accord : septième
  • Principe à appliquer : accord majeur auquel on rajoute la septième mineure (**)
  • Notes composant l'accord : Do-Mi-Sol-Sib
  • Chiffrages (latin) : Do 7M
  • Nom de l'accord : septième majeur
  • Principe à appliquer : accord majeur auquel on rajoute la septième majeure
  • Notes composant l'accord : Do-Mi-Sol-Si
  • Chiffrages (latin) : Do7dim / Do° / Do7- / Dodim
  • Nom de l'accord : septième diminué (***)
  • Principe à appliquer : accord de Do7 dont chaque note (sauf le Do – tonique ) est baissée d'un demi ton
  • Notes composant l'accord : Do-Mib – Solb - La
  • Chiffrages (latin) : Do m6
  • Nom de l'accord : mineur sixième (combinaison)
  • Principe à appliquer : accord de Do m auquel on rajoute la sixte
  • Notes composant l'accord : Do-Mib-Sol-La

 TABLEAU RECAPITULATIF

(*) Il est presque toujours souhaitable que la "note caractéristique" de l'accord soit la plus aiguë de l'accord ; procédez donc au renversement nécessaire. Mais le juge suprême en la matière restera pourtant votre oreille, selon les exigences du morceau. Rappelez-vous : tous les renversements sont autorisés dans la théorie.

(**) Et voici la seule exception à la règle qui veut que "quand rien n'est précisé on parle de quelque chose de majeur" . Normalement on devrait ici dire "Do 7m" puisqu'il s'agit du Sib. Mais on dit bien "Do 7" - Voir la contre-preuve avec l'accord de 7M

(***) L'accord de septième diminué a une particularité très amusante et intéressante : l'écart entre les 4 notes qui le composent est à chaque fois de 1,5 ton. Cela fait que tout accord de 7dim est en même temps et tout à la fois un accord de 7dim pour toutes les notes qu'il contient, donc ici un Do7dim, un Mib7dim, un Solb7dim et un La7dim (en jouant sur les renversements bien sûr).

On peut rencontrer (de temps en temps) d'autres accords qui sont une combinaison d'accords du tableau ci-dessus. Eh bien, alors on va combiner … tout bêtement ! Vraiment. Il faut juste compter et appliquer.

Par exemple, un Do 5+/7M sera tout simplement un Do5+ auquel on rajoute la 7ème majeure (donc : Do-Mi-Sol#-Si ) ou encore un Do 7/5- qui est un Do 7 dans lequel la quinte est baissée d'un demi-ton (donc : Do-Mi-Solb-Sib ). Et ça marche tout le temps. Tout cela est d'une logique très basique, mais extrêmement efficace.

Rappelons qu'il y a quand même deux préalables très importants et incontournables pour bien s'en sortir en la matière :

- bien connaître les principes de la gamme majeure (les écarts de ton + les degrés)

- savoir compter jusqu'à sept !

Vous possédez maintenant le "comment ça marche" pour tout ce qui concerne le Do ; y'a plus qu'à transposer pour les autres tonalités ou, pour les plus courageux (et c'est ce que je conseille vivement à tous), de refaire le raisonnement pas à pas que nous rappelons ici (avec La, tiens, pour changer) :

  1. définir l'accord majeur (I, III, V – Écarts de ton = 2 puis 1,5 ) :
  2. La + 2 tons = Do# + 1,5 ton = Mi
  3. vérifier quel accord est demandé ou recherché (La m7 par ex.)
  4.  commencer par réaliser la première partie du chiffrage : donc ici le "m" donc "La mineur"
  5.  dans le tableau (ou mieux : dans sa mémoire !), on sait qu'un accord mineur est "un accord majeur dont la tierce est baissée d'un demi-ton" ; donc : tierce de La =Do# ; Do# moins ½ ton = Do La – Do – Mi
  6. on réalise la deuxième partie du chiffrage (s'il y en a une, bien sûr) : ici le "7"
  7.  on sait qu'un accord de 7ème est "un accord auquel on rajoute la 7ème [mineure]" donc ici un "Sol" (=note qui est le 7ème degré mineur de la gamme de La)
  8.  et puis on combine : donc un Lam7 est composé des notes suivantes : La – Do – Mi – Sol |— La m — † — 7 — |

Et pour un "Lam6", pour autre exemple, on aurait rajouté un Fa# à la place du Sol.

Facile, non ? Bon, d'accord : ça ne semble pas évident tout de suite. Mais c'est vrai, c'est facile. Vous verrez.

Surtout, surtout : il faut pra-ti-quer. Il faut jouer, "calculer" et réaliser des accords, jouer, jouer, réaliser, jouer, etc… Et ça viendra. Promis.

Oui, mais, oh, dis : et les chiffrages supérieurs à 7 ?

Bien sûr, nous avons tous rencontré (ou nous allons les rencontrer) des accords du style "Do 9" ou "Do11", etc. (C'est quand même très très rare ; ça se voit surtout dans le jazz ou le RnB).

Et on n'en a même pas parlé, dis donc !

Eh bien, c'est exprès ! C'est pour en parler maintenant. A part.

En effet, ces accords aux chiffres supérieurs à 7 sont tout simplement des accords dont l'étendue est supérieure à une octave (donc qui vont au-delà du Do aigu dans notre exemple de base).

Mais : le principe de "comptage" fonctionne de la même façon. Il faut juste savoir compter plus loin que 7 ! Et savoir soustraire : il faut en effet enlever 7 de tout chiffrage supérieur à 7 pour trouver la note caractéristique rajoutée à l'accord de base.

Exemple : un "Do 11". – On soustrait 7 : -> 11 – 7 = 4

Nous aurons donc à rajouter la quarte (= Fa) en plus de l'accord de Do7 complet et au-dessus.

Donc les notes du Do 11 sont : Do-Mi-Sol-Sib-Fa

Un "Do 9" (7 – 9 = 2) sera donc : Do-Mi-Sol- Sib -Ré

(N.B. : on peut toujours ne pas jouer une note si elle existe déjà dans l'accord – une fois suffit) .

Et toutes les combinaisons de chiffrage seront à faire comme pour tous les autres accords. (Dom7/11 , Do7/9-, etc.). Il suffit d'être appliqué et rigoureux. C'est tout.

Allez. Amusez-vous bien !

Exercices

Téléchager TITRE  EN TABLATURES d'application sur notre site www.ecole-de-guitare-vannes.fr 

Que l'accord soit majeur ou mineur, entre la tonique et la quinte, il y a toujours 3,5 tons. La quinte est juste sauf pour notre dernier accord Bmb5, ici, il y à 3 tons.

La quinte est diminué chiffré b5.

NOTE :

  1. Les accords du I, IV, V degré de la gamme sont majeurs
  2. les accords du II, III, VI degré sont mineurs
  3. et l'accord du VII degré est diminué

Voici les accords en partition et tablature à l'état fondamentale

Si vous avez essayez de jouer les accords écrit sur la partition vous constatez que les positions sont difficiles à exécuter, en fait en guitare du fait de l'accordage on joue souvent les doublures d'accord ou changement de position (ex: C - G - E). Je vous ai fait la gamme de C, il vous reste 11 gammes à faire!!! Prenez donc votre papier et crayon et au boulot. Je sais c'est fastidieux mais si vous faites ça vous comprendrez le principe et enfin la construction des accords à 3 sons ne sera plus un secret pour vous!!! Vous verrez la correction au prochain chapitre!!! On y résume tout, car pour les accords à 4 sons c'est la même chose on empile une tierce en plus et on obtient une septième... Je n'en dis pas plus c'est pour le prochain chapitre.  Mais quelle est l'utilité de tout savoir sur les accords et les gammes? Et bien, la prochaine fois que vous écoutez un morceau et que vous avez envie de le jouer, ces connaissances vont vous permettrent de retrouver très vite la tonalité et ainsi tous les accords de celui-ci avec la gamme qui correspond. Cela développe en plus l'oreille musicale et donc petit exercice c'est justement du ear training (travail de l'oreille)
    1. Prenez 5 morceaux que vous ne savez pas jouer
    2. Ecoutez le premier et cherchez la ou les gammes qui correspondent
    3. Pour la gamme, prenez le schéma vu ici et transposez-le si besoin.
    4. Une fois la ou les gammes trouvées, écrivez tous les accords
    5. Enfin écoutez le morceau à nouveau et testez les accords
    6. Trouvez la grille (la construction) du morceau
    7. Attention! il y a parfois des accords isolés
    8. Si le 1er est complet répétez les étapes pour les 4 autres morceaux

Harmonisation de la gamme majeure

Téléchager TITRE  EN TABLATURES d'application sur notre site www.ecole-de-guitare-vannes.fr 

Pour faire le lien entre une gamme et une suite d’accords, on commence par repérer les accords qui sont construits à partir de chaque degré de la gamme.

Harmonisation de la gamme de DO majeur

Nous allons voir dans cet article quels sont les accords à 4 sons qu’on peut construire sur chaque degré de la gamme majeure, en n’utilisant exclusivement que des notes de cette gamme.

Nous allons prendre pour exemple la gamme de DO majeur, construire un accord sur chaque degré en n’utilisant que des notes de la gamme de DO majeur, et observer quelle types d’accords nous allons obtenir.

Pour construire un accord à 4 sons, on prend :

  • La fondamentale
  • La tierce
  • La quinte
  • La septième
Remarque : pour trouver facilement les notes d’un accord, il est pratique d’avoir en tête le cycle des tierces. Et j’explique de manière plus détaillée comment construire un accord à 4 sons et leur notation ici

Commençons par le premier degré :

  1. DO, la fondamentale, la note qui donne le nom de l’accord. On utilisera la notation anglo-saxonne : C
  2. sa tierce sera le MI. un intervalle de 2 tons, donc il s’agit d’une tierce majeure. Par convention quand la tierce est majeure on ne rajoute aucune indication dans la notation de l’accord. Par défaut, on considère que la tierce est majeure.
  3. La quinte sera le SOL. Elle est à 3,5 tons, elle est donc juste. Là non plus on ne rajoute aucune indication concernant la quinte. Par défaut, on considère que la quinte est juste.
  4. La septième sera le SI. Elle est à 5,5 tons, elle est donc majeure. Dans la notation, il sera nécessaire de le préciser. La septième est mineure par défaut. On utilise un grand M pour majeure

L’accord sur le premier degré est donc un CM7 (le grand M concerne la septième)

On peut refaire le même calcul pour chaque degré

Pour le deuxième degré :

  1. RE, la fondamentale : D
  2. sa tierce sera le FA. un intervalle de 1,5 ton, donc il s’agit d’une tierce mineure. Par défaut, on considère que la tierce est majeure, il faudra donc donner l’information dans la notation avec un petit m.
  3. La quinte sera le LA. Elle est à 3,5 tons, elle est donc juste. On ne rajoute aucune indication concernant la quinte.
  4. La septième sera le DO. Elle est à 5 tons, elle est donc mineure. Dans la notation, il ne sera pas nécessaire de le préciser. La septième est mineure par défaut.

L’accord sur le deuxième degré est donc un Dm7 (le petit m concerne la tierce)

Voici un tableau dans lequel on reproduit le même calcul pour chaque degré

DEGRÉS I II III IV V VI VII
Fondamentales DO RE MI FA SOL LA SI
Tierces MI FA SOL LA SI DO RE
Quintes SOL LA SI DO RE MI FA
Septièmes SI DO RE MI FA SOL LA
Accords CM7 Dm7 Em7 FM7 G7 Am7 Bm7(b5)
Notation Jazz D-7 E-7 G7 A-7 BØ7
Généralité (à apprendre par cœur II-7 III-7 IVΔ V7 VI-7 VIIØ7

On remarquera le 5ème degré qui contient une tierce majeure et une septième mineure. Noté G7 Et le 7ème degré qui contient une quinte diminuée. Noté Bm7(b5)

Le degré V (la dominante)  joue un rôle déterminant dans la construction de suite d’accords.

 Voir l’article sur les cadences.

En harmonisant chaque degré de la gamme de DO majeur nous avons obtenu une suite d’accords. Cette suite d’accord est non seulement valable pour les degrés de la gamme de DO majeur mais on peut en déduire une généralité qui est valable pour toutes les tonalités.

Le premier degré sera sera toujours un accord M7, le deuxième un accord m7, le troisième un accord m7 etc. (apprendre par cœur la dernière ligne du tableau).

Par exemple si on est dans la tonalité de SOL majeur.

Le premier degré sera GM7, le deuxième Am7, le troisième Bm7 etc.

EXERCICES
  • Refaire un tableau avec l’harmonisation de la gamme de SOL majeur
  • Refaire un tableau avec l’harmonisation de la gamme de FA majeur

La gamme majeure et les accords de 4 sons

Harmoniser la gamme en accords de 4 sons

Les accords de quatre sons foisonnent dans le Jazz. Moins fréquents dans le Rock, on les rencontre principalement dans les balades, "Nothing else matters", "Still loving you", "Stairway to heaven" pour ne citer que celles-ci. Pour construire ces accords, il suffit cette fois d'ajouter la septième.

Le tableau suivant dresse la liste des différents types d'accords de septième que l'on rencontre dans la gamme majeure.

Ce qui revient pour notre gamme de Do majeure, à écrire le tableau suivant :

Le nom quelque peu barbare de l'accord de degré VII (Si min7b5) permet de le différencier des accords min7. En effet ces derniers ont une quinte juste (trois tons + 1/2 ton), alors que l'accord min7b5 a une quinte diminuée d'où cette appellation.

La sonorité des accords de 4 sons

Voici un éventail de huit positions que vous devez impérativement connaître. Les quatre premières ont la fondamentale de l'accord sur la corde La, les quatre suivantes sur la corde Mi grave. Comparez les positions deux à deux afin d'entendre la différence de sonorité d'un type d'accord à un autre. Toutes ces positions sont bien évidement déplaçables sur le manche, c'est le grand avantage des positions avec un barré.

L'enrichissement des accords de quatre sons N'oubliez jamais que la tièrce et la septième sont les notes les plus importantes d'un accord et cela quelque soit son type. Au dessus de celles-ci, il va être possible d'ajouter des notes qui vont permettre d'enrichir la sonorité de l'accord. Ces enrichissements seront choisis en fonction du degré de la gamme sur lequel l'accord est construit.
  1. sur le degré I (Do Maj7) : on peut ajouter la note Ré correspondant à la neuvième, ainsi que la note La correspondant à la treizième
  2. sur le degré II (Ré min7) : on peut ajouter la note Mi correspondant à la neuvième, ainsi que la note Sol correspondant à la onzième
  3. sur le degré III (Mi min7) : on peut ajouter la note La correspondant à la onzième
  4. sur le degré IV (Fa Maj7) : on peut ajouter la note Sol correspondant à la neuvième, la note Si correspondant à la onzième dièse, ainsi que la note Ré correspondant à la treizième
  5.  sur le degré V (Sol 7) : on peut ajouter la note La correspondant à la neuvième, ainsi que la note Mi correspondant à la treizième
  6. sur le degré VI (La min7) : on peut ajouter la note Si correspondant à la neuvième, ainsi que la note Ré correspondant à la onzième
  7. sur le degré VII (Si min7b5) : on peut ajouter la note Mi correspondant à la onzième Voici quelques positions parmi les plus courantes. Les accords de la seconde ligne sont obtenus en remplaçant la septième par la sixte.

Construire des accords de 3 et 4 sons

Pour construire des accords à partir d’une gamme, nous allons utiliser les degrés I, III et V pour les accords à 3 sons et y ajouter le degré VII pour les accords à 4 sons. En effet, les accords de trois notes, aussi appelés triades (que vous connaissez mieux sous le nom d’accords majeurs et mineurs, ce qui en soi est une simplification) sont construits à partir de :
  • la tonique, qui donne le nom de l’accord
  • la tierce, qui détermine si l’accord est mineur ou majeur
  • la quinte, qui renforce la consonance ou la dissonance si elle est diminuée, mais nous reviendrons là-dessus ultérieurement.
  • la 7ème, et vous avez les outils de base pour vous lancer dans le jazz, la bossa, la country, etc.

Harmonisation de la gamme de C majeur

Prenons l’exemple de la gamme de C. Pour harmoniser cette gamme, revoyons d’abord les notes de la gamme de C et leurs degrés correspondants :

Degrés de la gamme de do Prenons maintenant les notes, et construisons leurs accords respectifs :

Harmonisation de la gamme de do majeur

Ainsi, les triades de la gamme de C sont : C, Dm, Em, F, G, Am, Bdim.

Les accords de 4 sons de la gamme de C sont : C7M, Dm7, Em7, F7M, G7, Am7, Bm7(5b).

Si vous êtes débutant, je vous recommande de rester sur les triades, et de revenir sur ce cours quand vous aurez approfondi le sujet et quand vous commencerez à utiliser les accords de 7.

Pour l’instant, retenez la formule suivante qui marche avec toutes les gammes majeures :

Accords à trois sons I IIm IIIm IV V VIm VIIdim
Accords à quatre sons I7M IIm7 IIIm7 IV7M V7 VI7m VIIdim

Harmonisation de G majeur

Si on prend la gamme de G pour finir d’illustrer notre propos :

G – A – B – C – D – E – F#

Accords à trois sons I IIm IIIm IV V VIm VIIdim
G Am Bm C D Em F#dim
Accords à quatre sons I7M IIm7 IIIm7 IV7M V7 VIm7 VIIm7(5b)
G7M Am7 Bm7 C7M D7 Em7 F#m7(5b)

Les Formes d'Accords :

Formes d'accord guitare

Les Formes d'Accords Enrichis:

construire-ses-accords-enrichis

Résumons la Structure des Accords & Gammes:

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

Les Accords Barré:

Télécharger:

Débutant à la guitare ? 

Le cours en vidéo pour apprendre à faire les accords barrés

Comment faire un accord barré – Les bases

Comment faire sonner toutes les cordes de vos accords barrés

Les accords sont présentés sous forme de diagrammes d’accords. Si vous ne savez pas les lire, pas de panique, on vous explique tout !
  • Un diagramme d’accord représente le manche de la guitare vu de face, comme si vous teniez votre guitare en face de vous. La corde la plus grave (le mi grave) sera donc à gauche.
  • Les frettes sont symbolisées par des cases.
  • Les ronds noirs vous indiquent où vous devez positionner vos doigts. Ils sont numérotés pour préciser la position de chaque doigt. Du 1 pour l’index au 4 pour l’auriculaire.
  • Une croix au-dessus d’une corde indique qu’il ne faut pas la jouer
  • Un rond indique qu’il faut jouer la corde « à vide », c’est à dire sans appuyer sur une case.

Vous avez maintenant les informations essentielles pour comprendre cette fiche pratique en tant que guitaristes débutants. Si vous voulez plus de précisions sur les grilles d’accords, n’hésitez pas à consulter notre article dédié à la lecture des grilles d’accord.

Jouer un barré, c'est utiliser un doigt pour plaquer plusieurs cordes de la guitare. Regardez.

Un barré sur un diagramme

Un barré

Un capodastre

Si vous en avez déjà vu, cette pince, c’est exactement le principe du capo (capodastre).

On peut aussi dire qu'un barré, c'est utiliser un doigt en guise de capodastre.

Semi-barré (diagramme)

Un barré ne se fait pas nécessairement sur les 6 cordes.

Apprendre les barrés en douceur

Pour apprendre les barrés en douceur, nous allons jouer un accord majeur (G) en faisant un barré sur 2 cases.

G avec semi-barré

G avec semi-barré : photo

Les barrés les plus courants

En général, les barrés se font sur 5 ou 6 cordes. Voici l'exemple d'un accord barré très fréquent. C'est un accord de Do mineur.

Cm avec barré Cm avec barré : photo

Cette fois-ci, les cordes de La et de Mi aigüe doivent résonner grâce au barré. Pas facile lorsqu'on n'est pas habitué.

Voici maintenant les principales formes d'accords barrés à connaître (les majeurs et mineurs). Il y en a très peu.

Majeur (fonda. corde de Mi) Majeur (fonda. corde de Mi) Majeur (fonda. corde de La) Majeur (fonda. corde de La) Majeur (fonda. corde de La) Mineur (fonda. corde de Mi) Mineur (fonda. corde de Mi) Mineur (fonda. corde de La) Mineur (fonda. corde de La)

L'accord qu'on a joué plus haut (Cm) est donc du type "Accord barré mineur - fondamentale corde de La".

Beaucoup de guitaristes se fatiguent ou s'énervent lorsque les barrés ne veulent pas "sonner". Voici quelques conseils qui vous permettront de bien faire les barrés et de ne pas prendre de mauvaises habitudes.

4 techniques indispensables pour réussir vos accords barrés Il y a 4 points sur lesquels vous devez être vigilant :
  • La position de votre index
  • La position de votre pouce derrière le manche
  • La position de votre poignet
  • La force que vous allez appliquer
La position de l’index pour faire un barré Tout d’abord, votre index doit être bien placé dans la case qu’il joue.

La position de l'index sur les cordes est très importante. Le doigt doit être près de la frette, presque dessus. Presque ! Veillez à ce que la première phalange de votre doigt ne soit pas exactement au-dessus d'une corde (sinon cette corde aura du mal à sonner pour les accords mineurs à fondamentale sur la corde de Mi grave). Certains plaquent leur doigt bien à plat, d'autres plus en biais. Faites votre choix.

Il ne faut pas qu’il soit trop loin de la frette (s’il est trop en arrière, les cordes vont grésiller), ni trop sur la frette (sinon il va étouffer les cordes).

Il faut qu’il soit juste derrière la frette.

Ensuite, votre index doigt être bien droit et bien à plat. Dans certain cas, faire une petite rotation vers l’extérieur (si vous êtes droitier, vous allez faire une rotation de votre index gauche, vers la gauche).

La position du poignet

C’est le secret pour réussir les barrés facilement et rapidement.

Vous pouvez avoir une pince bien en place (index et pouce), si votre poignet est mal placé, vous risquez fort d’avoir du mal.

L’astuce, c’est d’avancer au maximum votre poignet (pas trop quand même ;-).

Un bon répère, c’est d’avoir votre poignet sous le manche de la guitare. S’il est derrière, vos barrés seront très difficiles à faire.

la position du Pouce

Une fois votre index bien placé, vous allez venir lui opposer votre pouce derrière le manche. Le pouce et l’index font former une sorte de pince qui va venir appuyer sur les cordes.

La force à appliquer

C’est ce facteur qui va prendre du temps à développer. Au début, vous n’en aurez pas assez mais petit à petit, en vous entrainant quotidiennement, vous allez développer une force suffisante. Une fois que vous l’aurez, vous n’aurez pas besoin d’appuyer comme une brute. Comme toujours, il faut appliquer uniquement la force nécessaire et suffisante pour faire sonner les cordes mais pas plus. Sinon, vous allez vous crisper et vous fatiguer vite. Si c’est votre cas, je vous invite vraiment à lire le Secret des Vrais Guitaristes de Jamie Andreas qui vous aidera à réduire vos tensions et corriger vos mauvaises habitudes techniques.

L’avantage des accords barrés

L’énorme avantage des accords barrés, c’est qu’ils sont transposables.

Cela veut dire, qu’une fois que vous connaissez une position, il suffit de faire glisser cette position le long du manche pour trouver et jouer un nouvel accord.

En maitrisant les principales formes d’accords barrés, vous pourrez très facilement jouer de nombreux accords à la guitare.

Je vous montre un peu plus bas dans cet article comment faire pour réussir à jouer facilement les accords barrés.

La différence entre les accords ouverts et les accords barrés

Les accords ouverts sont des accords qui utilisent des cordes à vides. Ils sont généralement réalisés en haut du manche alors que les accords barrés nécessitent l’utilisation d’un doigt en position « barrée ». Ces accords n’utilisent généralement pas de cordes à vide.

Un même accord peut être fait de plusieurs façons. Et notamment : avec un accord ouvert, ou barré. Pour un même accord, les formes de l’accord barré et de l’accord ouvert n’ont pas les mêmes sonorités. Les accords ouverts ont des sonorités plus riches.

Reconnaitre un accord barré sur une tablature ou un diagramme d’accord

Sur une tablature, vous verrez plusieurs fois le même numéro de case dans l’accord, comme ci-dessous :

Mais attention, ce n’est généralement pas suffisant car pour certains accords, vous pouvez jouer la même case avec des doigts différents.

C’est pour cela qu’il est important de savoir à quoi ressemble les accords barrés pour les reconnaitre d’un coup d’oeil.

Rassurez-vous, à la fin de cet article vous saurez déjà le faire.

Sur un diagramme d’accord, c’est très visuel, vous pourrez facilement visualiser une barre joignant les points sur un même case, comme sur cet exemple.

Pour vous aider, voici un tableau pour voir les différences et les points communs entre ces 2 façons de représenter les accords. J’ai représenté un accord ouvert de Sol (G) et un accord barré de Sol (G). (ces deux accords sont majeurs). Pour tous les deux, vous avez la représentation sous forme de tablature et de diagramme d’accords à côté.

Pourquoi ces 8 formes d’accords de guitare en barré ?

S’il y a une étape que l’on ne peut pas sauter lorsqu’on apprend la guitare, c’est bien le barré ! L’apprentissage du barré constitue un véritable cap à passer pour un guitariste débutant, mais une fois maîtrisé, vous allez découvrir de nouveaux horizons ! Car le barré débloque de nombreuses possibilités d’accords de guitare, et vous verrez que vos séances d’entraînement valaient le coup !

(voir ci-dessous les principales formes d’accords barrés à la guitare)

Si vous débutez à la guitare et que vous ne maîtrisez pas encore le barré ce sont celles que vous devez apprendre en priorité, car elles sont très courantes, et vous les retrouverez dans presque tous les styles de musique ! Elles sont les positions de bases à connaître pour aborder d’autres positions d’accords plus complexes, ou plus spécifiques à un genre musical. De plus, les autres accords barrés que vous pourrez rencontrer sont souvent des évolutions de ces 8 formes d’accords. Il sera donc plus facile de les apprendre si vous connaissez déjà ces dernières !

Vous trouverez ces formes d’accords dans de nombreux morceaux, ce qui vous donnera de la matière pour vous entraîner.

Cette fiche pratique vous permet donc d’identifier les accords barrés qu’il faut apprendre en premier.!

Maitrisez-les et vous n’aurez aucun problème dans 99% des cas.

Un travail de longue haleine

Certaines choses s'acquièrent rapidement. Par exemple, la corne sur les doigts. Certaines choses s'acquièrent plus lentement. Par exemple, les barrés.

Pour jouer facilement un barré, il faut avoir les muscles (de l'avant-bras) suffisamment exercés, donc travailler les barrés régulièrement (l'idéal étant 10-15 min de barrés par jour). Ça ne s'acquière donc pas en 1 semaine, mais en 3 ou 4 mois voir 1 an... ou plus. Persévérez, et n'oubliez pas qu'il ne faut pas faire que ça si vous voulez bien progresser. Jouez des morceaux à côté, travaillez vos gammes, et sortez de chez vous pour faire du sport !

Combien de temps faut-il pour apprendre à faire les accords barrés ?

Cela dépend. Oui, je sais vous détestez cette réponse

Pour vous donner un ordre d’idée, je vous ai dit de 1 à 4 mois. Mais encore une fois, c’est une moyenne. Vous serez peut-être plus rapide ou peut-être plus lent.

Dans tous les cas, ça n’a pas d’importance. Ce n’est pas une course. Ce qui est important, c’est qu’au final, vous sachiez les faire.

Voici 3 principaux conseils pour apprendre les barrés à la guitare :

  • Commencez par apprendre la forme de Mi majeur (c’est la plus facile)
  • Entrainez vous un peu tous les jours (cela vous permettra de vous muscler plus vite)
  • Soyez patient et régulier
  • Continuez de vous exercer. Au début, il vous sera extrêmement difficile d'habituer vos doigts à ces positions, spécialement si vous n'avez aucune expérience préalable en guitare. Mais avec le temps, vous pourrez être capable d'appliquer tout cela sans même réfléchir.
  • N'abandonnez pas.
  • Si vous êtes débutant, vos doigts manqueront probablement de puissance. Ne soyez pas effrayé, car tout le monde est passé par là.
  • Plus vous vous exercez, plus facilement et rapidement vous saurez plaquer les accords.
  • Lorsque vous levez votre majeur de la corde sur laquelle il est posé dans la position d'un accord majeur, vous obtenez ainsi l'accord mineur. Lorsque vous déplacez ce même doigt d'une case vers l'avant, vous obtenez l'accord suspendu.

De toute façon il faudra en passer par là. Du coup, « serez un peu les dents », travaillez régulièrement, persévérez et ça viendra.

Ne dites pas au bout de 3 jours, je suis nul, je n’y arrive pas. Personne n’y arrive en 3 jours.

Pourquoi est-ce si long d’apprendre les accords barrés ?

L’explication est très simple : jouer un barré mobilise des muscles très rarement utilisés.

Ces muscles sont donc généralement faibles pour la plupart des gens.

Le temps de maitriser les barrés correspond donc au temps qu’il faut pour muscler ces muscles. Cela n’a rien à voir avec la technique ou votre talent.

Ceci mis de côté, vous pouvez obtenir des résultats très honorables rapidement. Dites vous que si vous faites sonner correctement 5 cordes sur 6 ou 4 cordes sur 5, c’est déjà très très bien. Le reste viendra avec le temps quand vous aurez développé plus de force.

Que faire une fois que vous savez jouer vos premiers barrés ?

  • Une fois que vous savez faire un barré de la forme de Mi majeur, entrainez-vous à faire des changements d’accords.
  • Au début faites un changement du Sol Majeur barré au La majeur barré.
  • Une fois que vous êtes à l’aise entrainez-vous avec des accords ouverts en faisant par exemple un passage de Mi majeur à Fa majeur barré.
  • Puis corsez un peu les choses en passant d’un Sol majeur (non barré) au Fa# majeur barré
  • Quand c’est bon pour vous, apprenez les autres formes de barrés sur la 6ème corde : Mineur, 7ème, … (voir ci-dessous)
  • Puis ensuite répétez le process avec les accords barrés de la forme de La (sur la 5ème corde), en commençant par le forme de La mineur (plus facile que la forme de La majeur), puis La majeur, La mineur 7, …

Comment enchainer les accords barrés à la guitare ?

Exercices pour avoir des changements d’accords fluides

Construire des accords barrés et en déduire tous les accords

Maintenant que vous avez compris comment faire un barré et que vous avez pratiqué le passage des accords barrés, passons à l’apprentissage des formes de barrés qu’il vous faut absolument connaitre, et découvrons comment trouver facilement tous les accords dont vous pouvez avoir besoin grâce au barré. Comment construire des accords barrés et en déduire tous les accords Prenons l’accord de E (mi majeur). L’idée ici est de déplacer cet accord tout le long du manche. Vous remarquerez que la difficulté réside dans le fait qu’il faut remplacer le sillet qui bloque les cordes. C’est le concept du barré. Comme vous l’avez certainement vu dans les cours précédents de ce module sur les accords, c’est l’index qui jouera le rôle du sillet en barrant les cordes nécessaires.

Accords de E et de F – barré forme de E

Si l’on change le positionnement du doigté de l’accord de E comme indiqué dans le graphique ci-dessous au lieu du doigté classique, on libère l’index qui permettra de remplacer sillet. Ainsi, si vous déplacez cet accord sur la 1ère case, vous obtiendrez un F. Sur la 2ème case, un F#, sur la 3ème un G, etc. Vous noterez par ailleurs que le nom de la tonique donnera le nom de l’accord, et la forme utilisée sa nature mineure ou majeure. Si vous comprenez ce point, vous venez d’apprendre la méthode qui vous donne accès à la construction de tous les accords de triades majeurs et mineurs, voire tous les accords en général lorsque vous aurez appris les formes d’accords plus complexes. Je vous recommande donc d’apprendre petit-à-petit les notes sur le manche de la guitare indiquées ci-dessous pour savoir à quel accord vous avez affaire. Commencez par les cordes de E, de A et de D car vous y trouverez les toniques des accords barrés de base (forme de E, de A, de C et de C). Noms des notes sur le manche de la guitare

Accords barrés en forme de E Note : les doigtés des accords E et Em sont différents des doigtés classiques. Ils sont indiqués ainsi pour vous faire réaliser quels doigtés

Accords barrés en forme de E (mi majeur et mi mineur)

Accords barrés en forme de A Note : les doigtés des accords A et Am sont différents des doigtés classiques. Ils sont indiqués ainsi pour vous faire réaliser quels doigtés utiliser pour libérer l’index et faire les barrés dans les formes adéquates.

Accords barrés en forme de A (la majeur et la mineur)

Accords barrés en forme de D Cette forme est plus difficile à faire et par conséquent moins fréquemment utilisée. Si vous êtes débutants, vous pourrez revenir dessus ultérieurement. Note : les doigtés des accords D et Dm sont différents des doigtés classiques. Ils sont indiqués ainsi pour vous faire réaliser quels doigtés utiliser pour libérer l’index et faire les barrés dans les formes adéquates.

Accords barrés en forme de D (ré majeur et ré mineur)

Accords barrés en forme de C Tout comme pour la forme de D, cette forme est plus difficile à faire et par conséquent moins fréquemment utilisée. Si vous êtes débutants, vous pourrez revenir dessus ultérieurement. Note : le doigté de l’accord de C est différent du doigté classique. Il est indiqué ainsi pour vous faire réaliser quel doigté utiliser pour libérer l’index et faire le barré dans la forme adéquate.

Comment transposer facilement vos chansons avec les accords barrés ?

Comme nous l’avons vu plus haut, le principal avantage des accords barrés à la guitare est qu’ils sont transposables.

Cela signifie qu’une fois que vous savez faire une position, il vous suffit de faire glisser cette forme sur le manche pour trouver tous les autres accords.

Pour cela, il vous faut connaître plusieurs choses :

  • Vous devez connaître les notes sur la 6ème et la 5ème cordes Si vous ne les connaissez pas encore, vous pouvez suivre notre cours gratuit pour maitriser l’organisation du manche de votre guitare. (c’est gratuit et l’inscription se fait sur cette page)
  • Ensuite, vous devez connaître la position de la fondamentale (la note qui donne son nom à l’accord) pour chaque position. Là encore, c’est facile, pour les formes d’accords barrés de Mi, la fondamentale est sur la 6ème corde. Et pour les formes d’accords barrés de La, la fondamentale est sur la 5ème corde.
  • Si vous connaissez bien le nom des notes de musique et que vous savez les retrouver sur les 6ème et 5ème cordes, vous avez tout ce qu’il vous faut.

Par exemple, avec un accord barré de la forme de Mi.

Si vous savez faire un Fa majeur, alors en le décalant d’une case, vous jouerez un Fa# majeur. En le décalant encore d’une case, vous aurez un Sol majeur. En décalant le Sol majeur de 2 cases, vous jouerez un La majeur, …

Pratique et Facile n’est-ce pas ?

Cette astuce fonctionne pour toutes les formes de barrés.

‍Conclusion sur les accords barrés à la guitare

C’est vrai, il faut un peu de temps pour réussir à bien les faire sonner.

Cependant, les accords barrés permettent de faire tellement de choses facilement que ça vaut largement l’investissement.

Plus tôt vous commencerez, plus tôt vous maitriserez les accords barrés à la guitare et plus tôt vous pourrez les utiliser et vous faire plaisir avec.

Prenez votre temps et vous serez récompensé. Une fois que vous en maitriserez un, vous maitriserez très vite les autres.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Utilisé avec abondance dans le rock, un accord de puissance, aussi appelé Power Chords, donc, représente l’accord le plus « pauvre » harmoniquement parlant, mais branché à une distorsion, sa simplicité lui confère justement toute sa puissance. Nous allons voir dans cet article tout ce qu’il faut savoir sur ce petit qui fait du bruit.

QU'EST CE QU'UN POWER CHORD ?

Si on traduit « power chord » on obtient « accord de puissance », terme qui est assez utilisé en français aussi. On les appelle aussi accord de quinte à cause de leur construction.

Leur construction parlons en ! Les power chords sont des accords qui ne contiennent que la fondamentale, la quinte (juste) et on peut également y rajouter la fondamentale à l'octave supérieure (pas obligatoire). Donc, les power chords ne contiennent que 2 fonctions différentes : la fondamentale et la quinte (juste). Pour la petite histoire et la rigueur, les accords de puissance ne sont pas vraiment (au sens de la définition d'un accord dans la musique) des accords en ce qu’ilne contiennent que 2 notes différentes. Mais ce n'est que du pinaillage, dans le cas de cet article, nous allons appeler ça un accord, ce sera plus simple.

COMMENT JOUER UN POWER CHORD ?

Un power chord se joue avec autant de cordes qu'il contient de notes : si on le joue juste avec fondamentale et quinte, nous avons juste besoin de 2 cordes s'il est joué avec la fondamentale en plus à l'octave, il se jouera sur 3 cordes. Logique.

Partons sur celui à 3 cordes, car dans tous les cas si vous voulez le faire avec 2 notes, il vous suffira simplement de retirer la corde la plus aiguë.

Petit rappel : l'accordage standard de la guitare (de la plus grave à la plus aiguë Mi, La, Ré, Sol, Si et Mi) fait que toutes les cordes, n'ont pas le même écart entre elles. Si vous remarquez bien entre la corde de sol et la corde si il n'y a que 4 demis-tons alors que les autres cordes ont 5 demis-tons de différence entre elles. Ce petit détail va être important pour la suite.

Alors donc, revenons-en à notre power chord. Sur 3 cordes les plus graves (accordage standard) il se joue habituellement comme ceci :

Voici la position la plus couramment utilisée.

Vous pouvez la jouer avec l’indexe sur la corde de mi grave (la corde la plus épaisse de votre guitare), ou la corde juste en dessous, la corde de La.

Power chords sur les cordes de Mi et La : une seule position à décaler d’une corde (le majeur n’est pas utilisé) Alors maintenant, expliquons le terme de « puissance », pourquoi accord de puissance ? Pour ne pas trop rentrer dans les détails, il faut savoir que quand vous jouez une note, vous ne créez pas qu'une fréquence, vous en jouez plusieurs, la fondamentale (oui comme pour les fonctions) qui correspond à la fréquence de base de votre note mais il y aura également d'autres fréquences plus aiguës que l'on va appeler les harmoniques (qui sont des multiples de la fréquence fondamentale). Et en fait la première harmonique de la fondamentale est son octave (que l'on peut jouer dans le power chord avec l'octave), donc ça va créer une résonance de plus. La 2e harmonique de la fondamentale va résonner avec la 1ère harmonique de la quinte. Il y a d'autres résonances, mais vous avez compris le principe. En étant à la même fréquence, ces ondes vont se cumuler et c'est ça que nous appelons une résonance. Le son sera donc gonflé, plus puissant ! Vous comprenez donc, le terme d'accord de puissance !

Les accords de puissance (ou Power Chords) sont l’un des trucs les plus cool que vous pouvez jouer à la guitare. Ce sont également les accords les plus simples à faire. Vous n’aurez besoin que de la force d’un doigt pour un accord de puissance. Ces merveilles à deux notes (qui ne sont pas vraiment des accords en soi) sont tellement simples qu’ils sont parfois appelés « cheaters chords » (accords de tricheurs).

Les accords de puissance sont utilisés dans tous les genres de musique et sont un élément clé du rock. Joués sur une guitare électrique avec un effet de distorsion, ils ajoutent de la profondeur et une couleur de son particulière. Leur son lourd et puissant aide à créer l’ambiance d’une chanson.

L’article qui suit vous montrera un aperçu du monde des accords de puissance et vous y trouverez des conseils pour les jouer.

Les 11 secrets des accords de puissance

1. Les origines de l’accord de puissance.

Les accords de puissance ont été utilisés pour la première dans les années 50 sur des enregistrements des guitaristes de blues Willie Johnson et Pat Hare. Link Wray les a utilisés en 1958 pour le morceau « Rumble ». Mais c’est Pete Townshend, membre de The Who, avec son fameux « windmill » (moulin), à qui on attribue souvent la paternité des accords de puissance.

2. Différence entre accords et accords de puissance.

Un accord est une combinaison de trois ou plusieurs notes jouées simultanément. Connus sous le nom de triades, ces accords sont constitués d’au moins une fondamentale, une tierce et une quinte. Les accords de puissance sont des intervalles. Ils sont composés d’une fondamentale et d’une quinte et peuvent également inclure en plus une de ces notes à l’octave.

3. Les accords de puissance ne sont ni majeurs ni mineurs.

Étant donné qu’un accord de puissance ne contient pas de tierce, la note qui détermine si un accord est majeur ou mineur, ils ne sont donc ni majeurs ni mineurs. Les accords de puissance sont ambigus. Ils peuvent être utilisés dans une situation où on aurait utilisé un accord majeur tout comme mineur.

4. Ils sont mobiles.

Contrairement aux accords et à leurs configurations changeantes, un accord de puissance est une position fixe que vous déplacez le long du manche de guitare pour créer différents accords de puissance. Tout ce qui change c’est le nom de l’accord et son emplacement sur le manche, pas sa forme.

5. Ils sont nommés d’après leur note fondamentale.

Les accords de puissance sont souvent appelés « quintes ». Si vous voyez un accord écrit G5, c’est un Power Chord de Sol. La fondamentale de l’accord G5 est jouée sur la sixième corde, troisième frette – un « Sol ». Si vous déplacez l’accord de deux cases jusqu’à la cinquième frette, toujours sur la sixième corde, c’est un accord de puissance de La ou un A5. Il est donc logiquement nommé d’après sa fondamentale, la 5e frette de la sixième corde est un La ». Je pense que vous avez saisi l’idée générale. En passant, si vous êtes un peu rouillé sur les noms des notes, c’est le moment de vous rafraîchir la mémoire !

6. Comment jouer un accord de puissance.

Pour gratter un accord de puissance, vous ne devez jouer que les deux ou trois premières cordes. Comme un accord de puissance ne contient pas de cordes à vide, vous ne devez jouer aucune des cordes que vous n’utilisez pas. Utilisez le bout d’un doigt pour la note fondamentale, avec le reste de votre doigt posé légèrement sur les cordes restantes dans cette case, vous empêcherez les cordes à vide de sonner. Les accords de puissance sont généralement joués rapidement et en rythme. Commencez avec des mouvements descendants puis ajoutez des déliés.

7. Laissez sonner !

Commencez avec l’accord de puissance de Sol ou G5. Pour former un accord de puissance classique, placez votre premier doigt sur la sixième corde (corde de Mi ou E), sur la troisième frette. C’est un Sol (G) et cette note donne son nom à l’accord. Ensuite, placez votre troisième doigt sur la cinquième corde (corde de La ou A), sur la cinquième frette. Gratter ces deux notes, en vous assurant que les deux sonnent bien. Maintenant, gardez la même position de main et essayez de la déplacer vers le bas du manche de votre guitare. N’oubliez pas d’empêcher les cordes à vide de sonner.

8. Ajoutez une octave.

Vous pouvez ajouter une troisième note à l’intervalle pour obtenir un son plus riche. Avec le G5, placez votre quatrième doigt sur la quatrième corde (corde de Ré ou D), sur la cinquième frette, juste sous votre troisième doigt (Vous pouvez également barrer les deux notes en cinquième case avec votre troisième doigt.). Ce sera une deuxième note de Sol, à une octave de la fondamentale.

9. Fondamentale sur une autre corde.

Vous pouvez construire un accord de puissance en utilisant la cinquième corde comme fondamentale de votre accord en décalant simplement votre main entière d’une corde vers le bas. Vous devrez passer la sixième corde en sourdine. Pour ce faire, jouez la fondamentale avec le bout de votre doigt et utilisez le reste pour empêcher la sixième corde de sonner. Posez légèrement votre doigt sur les cordes à vide pour ne pas les jouer.

10. Entraînez-vous à vous déplacer entre les cordes.

Essayez de faire un accord de puissance sur la sixième corde, puis déplacez l’accord vers le bas de votre manche. Bougez votre main dans les deux sens pour vous entraîner aux déplacements, tout en gardant les doigts en contact avec les cordes pendant que vous changez d’accord. Comme la position de la main reste identique, vous n’avez pas à lever les doigts.

11. Ne tombez pas dans le piège des accords de puissance.

Pouvoir jouer un accord de puissance de Do ne signifie pas que vous pouvez jouer un accord de Do. Ce sont deux accords tout à fait différents. Maîtriser les accords de puissance ne signifie pas que vous n’aurez pas besoin d’apprendre à jouer de vrais accords – vous devrez le faire.

Le power chord en partant de la corde de Mi

Vous allez appuyer sur les 3 cordes les plus graves de votre guitare. Mettez votre index (1) à la 2eme case de la corde de Mi. Puis votre annulaire sur la corde de La (juste en dessous) en 4eme case et enfin le petit doigt (4) sur la corde encore en dessous, la corde de Ré, aussi en 4eme case. Les diagrammes ci dessous vous récapitulent la manière dont vous devez jouer les powers chords.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

La méthode CAGED

Le C A G E D:

Jacques Chaurette Avril 2012

Voici un aperçu de la méthode CAGED. Cette méthode aide grandement à simplifier le nombre presque infini d'accords que vous trouvez dans un livre d'accords en les remplaçant par 5 formes que vous pouvez appliquer sur le manche. La méthode CAGED tire son nom du fait qu'il n'y a que cinq formes d'accord de base: C, A, G, E et D. Cette figure montre les 5 formes du système CAGED dans leurs positions ouvertes. Le X signifie que la corde n'est pas jouée et le O signifie que la corde est jouée ouverte. Comment seulement cinq accords peuvent-ils représenter tous les accords majeurs C, D, E, F, G, A et B? E a la même forme que F et B la même forme que B. Les accords joués dans leur position ouverte auront une ou plusieurs notes qui sont des cordes ouvertes. Lorsque vous montez sur le manche, les notes des cordes ouvertes sont remplacées par des notes sur le manche. Par exemple, voici C et E.

1 Si vous jouez l'accord C traditionnel et que vous jouez cet accord plus haut sur le manche, vous produirez tous les accords majeurs dans une octave de C. La même chose peut être dite du La, puis du G , puis les formes E et D, elles peuvent toutes être jouées tout le long du manche. Le savoir fournit une merveilleuse simplification à ce qui semble à première vue être un nombre infini d'accords qui doivent d'une manière ou d'une autre être mémorisés à chaque position sur la planche de frette. Ici, nous voyons chaque forme telle qu'elle peut être jouée sur le manche et le nom de l'accord lié à sa position.  2 L'impact de la connaissance de la méthode CAGED est profond; Je sais que ça a été pour moi. Il simplifie tout et apporte une compréhension du manche qui est un soulagement incroyable, une libération de la tyrannie du livre d'accords. Nous avons répondu à la question de savoir comment jouer différents accords en utilisant une seule forme. Comment pouvons-nous jouer le même accord à différentes positions du manche en utilisant différentes formes? Lorsque la séquence de formes C, A, G, E et D sont toutes jouées à la bonne position sur le manche, elles font le même accord C majeur.

3 Comment expliquez-vous que le do joué sur les 3 premières frettes et le do joué entre la 3e et la 5e frette sont le même accord? 3 Comment expliquez-vous que le do joué sur les 3 premières frettes et le do joué entre la 3e et la 5e frette sont le même accord? Ils ont certainement un aspect différent. Une façon de confirmer qu'ils sont identiques est de consulter leurs notes. Le premier do joué sur les 3 premières frettes a la séquence: C-E-G-C-E à partir de la 5ème corde. Le deuxième C a la séquence: C-G-C-E-G. Bien que l'ordre des notes ne soit pas exactement le même, il commence sur la même note C et pour notre propos, ce sont des accords identiques. L'autre façon de voir qu'ils sont identiques est de prendre la forme A et de la faire glisser vers le corps avec une barre supplémentaire. Lorsque vous jouez le A avec les notes des 2ème, 3ème et 4ème cordes sur la deuxième case, vous jouez le A en mode 4 ouvert. Lorsque vous jouez cette forme d'accord plus bas dans le manche, vous mesurez d'abord toutes les notes des 5 premières cordes de la 1ère frette, puis sautez une case et utilisez les notes des 2ème, 3ème et 4ème cordes sur la 3ème case. Lorsque vous barrez la première frette de cette façon, vous obtenez Bflat. Si vous déplacez le motif d'une case vers le haut, vous obtenez B, puis déplacez-le à nouveau d'une case vers le haut, vous obtenez C.

Vous pouvez faire la même chose avec les autres formes telles que G et trouver la position sur le manche qui correspond à C et la même chose pour E et D. Comme on peut s'y attendre, il existe une relation entre les formes CAGED et les gammes majeures, plus spécifiquement les différentes positions à partir desquelles nous pouvons jouer les gammes majeures. Si vous n'êtes pas familier avec les positions, vous voudrez peut-être visionner mon autre vidéo intitulée «Échelles et positions». Une position est une séquence de notes suivant un motif d'intervalle d'échelle majeur sur 4 ou 5 frettes. Étant donné que chaque position aura la plage d'au moins une octave, vous pourrez trouver la racine inférieure et supérieure d'une forme d'accord dans la position.

Chacune de ces positions peut être jouée n'importe où sur le cou.

chords_caged

Le C A G E D:

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

La gamme majeure et ses modes

Les modes, qu'est-ce que c'est ? A quoi ça sert ? Comment les utiliser ? J'ai souvent eu à répondre à ces questions par mail. Je vais essayer de vous en parler de la manière la plus exhaustive possible en vous donnant les petits trucs qui m'ont permis de comprendre et donc d'assimiler. Toutefois, avant d'aborder ce cours vous devez impérativement maîtriser les trois chapitres précédents.

La gamme majeure est composée de sept notes. En commençant à jouer la gamme par chacune de ces notes, on obtient un mode. Ces sept modes ont chacun une sonorité bien distinctes. Un mode sonnera plutôt rock, un autre plutôt jazz, un autre plutôt espagnol ...etc. Bien sûr ces diverses sonorités pourront être utilisées dans différents contextes.

Le nom des modes

Les modes ont chacun un nom plus ou moins barbare issus de la Grèce antique :

ionien, dorien, phrygien, lydien, mixolydien, aeolien, locrien. Afin de rendre les choses plus simples nous allons nous concentrer sur la gamme de Do majeur qui ne contient aucune altération (ni dièse "#" ni bémol "b") :

Les modes de la gamme

Maintenant nous allons retrouver tous les modes de cette gamme. La logique est assez simple :
  • Si on joue la gamme en prenant la première note comme référence, c'est le mode I
  • Si on joue la gamme en prenant la deuxième note comme référence, c'est le mode II, etc...
On appelera tonique la première note de chaque mode. Pour plus d'informations sur la création des modes,

Très bien. On a notre échelle d'intervalle qu'on a décalé d'un cran à chaque fois. La théorie c'est bien, la pratique c'est mieux. Jouons ces modes.

    1. Le mode ionien commence sur la première note (DO). C'est le mode de la gamme majeure (Do Ré Mi Fa Sol La Si). En tonalité de Do majeure ce sera le mode de Do ionien. Entre sa tonique (Do) et sa tierce (Mi), nous avons un intervalle de 2 tons (tierce majeure) c'est donc un mode majeur.
    2. Le mode de Ré dorien commence sur la deuxième note (Ré) : Ré Mi Fa Sol La Si Do. Entre Sa tonique (Ré) et sa tierce (Fa) nous avons un intervalle de 1.5 ton (tierce mineure) c'est donc un mode mineur.
    3. Le mode de Mi phrygien commence sur la troisième note (Mi) : Mi Fa Sol La Si Do Ré. Entre Sa tonique (Mi) et sa tierce (Sol), nous avons un intervalle de 1.5 ton (tierce mineure) c'est donc aussi un mode mineur.
    1. Le mode de Fa lydien commence sur la quatrième note (Fa) : Fa Sol La Si Do Ré Mi. Entre sa tonique (Fa) et sa tierce (La), nous avons un intervalle de deux tons (tierce majeure) c'est donc un mode majeur.
    1. Le mode de Sol mixolydien commence sur la cinquième note (Sol) : Sol La Si Do Ré Mi Fa. Entre sa tonique (Sol) et sa tierce (Si), nous avons un intervalle de deux tons (tierce majeure) c'est donc aussi un mode majeur.
    1. Le mode de La aeolien commence sur la sixième note (La). C'est le mode de la gamme de La mineur naturelle La Si Do Ré Mi Fa Sol. Et oui !! Do majeur = La mineur naturel. C'est ce que l'on appelle des gammes relatives. Nous reviendrons sur cette notion plus tard. Entre sa tonique (La) et sa tierce (Do), nous avons un intervalle de 1.5 ton (tierce mineure) c'est donc un mode mineur.
    1. Le mode de Si locrien commence sur la septième note (Si) : Si Do Ré Mi Fa Sol La. Entre sa tonique (Si) et sa tierce (Ré), nous avons un intervalle de 1.5 ton (tierce mineure) c'est donc aussi un mode mineur.

Les modes et leurs intervalles

Chaque mode est constitué d'une suite d'intervalles qui lui est propre.

Le mode ionien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde majeure (2M), d'une tierce majeure (3M), d'une quarte juste (4J), d'une quinte juste (5J), d'une sixte majeure (6M) et d'une septième majeure (7M). Si vous éprouvez des difficultés avec ces notions, revoyez impérativement le tableau des intervalles de la gamme majeure

Le mode dorien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde majeure (2M), d'une tierce mineure (3m), d'une quarte juste (4J), d'une quinte juste (5J), d'une sixte majeure (6M) et d'une septième mineure (7m).

Le mode phrygien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde mineure (2m), d'une tierce mineure (3m), d'une quarte juste (4J), d'une quinte juste (5J), d'une sixte mineure (6m) et d'une septième mineure (7m).

Le mode lydien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde majeure (2M), d'une tierce majeure (3M), d'une quarte augmentée (4+), d'une quinte juste (5J), d'une sixte majeure (6M) et d'une septième majeure (7M).

Le mode mixolydien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde majeure (2M), d'une tierce majeure (3M), d'une quarte juste (4J), d'une quinte juste (5J), d'une sixte majeure (6M) et d'une septième mineure (7m).

Le mode aeolien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde majeure (2M), d'une tierce mineure (3m), d'une quarte juste (4J), d'une quinte juste (5J), d'une sixte mineure (6m) et d'une septième mineure (7m).

Le mode locrien : Il est constitué d'une tonique (T), d'une seconde mineure (2m), d'une tierce mineure (3m), d'une quarte juste (4J), d'une quinte diminuée (5dim), d'une sixte mineure (6m) et d'une septième mineure (7m).

Entendre les modes

En général, lorsqu'on lit un ouvrage qui parle des modes, les explications s'arrêtent là. J'avoue qu'arrivé à ce stade je n'étais pas plus avancé. On joue la gamme de Do majeure en commençant à chaque fois par une note différente, c'est bien gentil, mais on n'entend toujours que la gamme de Do majeure. Pour commencer à entendre et donc à comprendre les modes, il faut comparer entre eux les modes majeurs puis faire la même chose avec les modes mineurs. Rappelez-vous que ce qui caractérise le coté majeur ou mineur d'un mode ou d'une gamme c'est son intervalle de tierce. Nous allons comparer les sonorités de nos trois modes majeurs en commençant par le mode ionien (notre mode majeur de référence) et le mode lydien. Prenez votre guitare et jouez les deux séquences ci-dessous. La première fait entendre le mode de Do ionien (correspondant à la gamme de Do majeure). La seconde séquence fait entendre le mode de Do lydien (correspondant à la gamme de Sol majeure). Ce mode est très employé par Joe Satriani (le thème de "Flying in a blue dream" notamment). Remarquez que la seule différence entre les deux séquences est le Fa# du mode lydien correspondant à la fameuse quarte augmentée vue précédemment. Jouez ces deux séquences plusieurs fois de suite jusqu'à bien entendre la différence de sonorité entre l'une et l'autre. Insistez bien sur le Fa# du mode lydien (case 9 de la corde La à vide). Vous commencez à voir où je veux en venir ? Je suis sûr que oui. Comparons maintenant le mode ionien avec le mode mixolydien toujours à l'aide de votre guitare. La seconde séquence fait entendre le mode de Do mixolydien (correspondant à la gamme de Fa majeure). Remarquez que la seule différence entre les deux séquences est le Sib du mode mixolydien correspondant cette fois à la septième mineure vue précédement. Après avoir passé en revue les trois modes majeurs, attaquons-nous maintenant aux quatre modes mineurs. Comparons le mode aéolien (notre mode mineur de référence) avec le mode dorien. La première séquence fait entendre le mode de La aéolien (correspondant à la gamme de La mineure naturelle). La seconde séquence fait entendre le mode de La dorien (correspondant à la gamme de Sol majeure). Remarquez que la seule différence entre les deux séquences est le Fa# du mode dorien correspondant cette fois à la sixte majeure vue précédemment. Comparons le mode aéolien avec le mode phrygien. J'espère que vous avez toujours votre guitare préférée entre les mains. La seconde séquence fait entendre le mode de La phrygien (correspondant à la gamme de Fa majeur). Remarquez au passage la sonorité très espagnol de ce dernier. La seule différence entre les deux séquences est le Sib du mode phrygien correspondant cette fois à la seconde mineure vue précédemment. Terminons ce tour d'horizon en comparant le mode aéolien avec le mode locrien. La seconde séquence fait entendre le mode de La locrien (correspondant à la gamme de Sib majeure). On trouve cette fois deux notes différentes le Sib et le Mib du mode locrien correspondant respectivement à la seconde mineure et la quinte diminuée vue précédemment.

Les notes caractéristiques

Ce que nous avons vu ci-dessus me permet de vous parler des notes caractéristiques. qu'est-ce dont encore que cette trouvaille ? Ce sont ni plus ni moins les notes qui ont été entourées en rouge dans le paragraphe précédent.
  • notes caractéristiques du mode ionien : aucune
  • notes caractéristiques du mode dorien : la sixte majeure (6M)
  • notes caractéristiques du mode phrygien : la seconde mineure (2m)
  • notes caractéristiques du mode lydien : la quarte augmentée (4+)
  • notes caractéristiques du mode mixolydien : la septième mineure (7m)
  • notes caractéristiques du mode aeolien : aucune
  • notes caractéristiques du mode locrien : la seconde mineure (2m) et la quinte diminuée (5dim)
Après en avoir compris les tenants et aboutissants, cette liste résume à elle seule ce qu'il faut savoir sur les modes de la gamme majeure. Apprenez-la par cœur.

Maintenant voici le tableau des notes caractéristiques des modes de la gamme majeure. Les notes caractéristiques sont les notes typiques d'un mode, celles qui font sa "personnalité" quand on le compare à la gamme majeure/mode ionien (si le mode est majeur) ou au mode mineur naturel/éolien (si le mode est mineur). C'est pour cette raison que les modes ionien et éolien n'ont pas de note caractéristique.

Mode Majeur ou Mineur Note caractéristique Intervalles
Ionien Majeur rien car référence WWHWWWH
Dorien mineur 6M WHWWWHW
Phrygien mineur 2m HWWWHWW
Lydien Majeur 4te aug (ou #4) WWWHWWH
Mixolydien Majeur 7m WWHWWHW
Eolien mineur rien car référence WHWWHWW
Locrien mineur 2m et 5dim HWWHWWW

Sachez aussi qu'en fonction de vos sources vous trouverez des explications différentes à ce sujet. Ici je présente mon approche, qui correspond assez fidèlement à la façon dont mon oreille perçoit les couleurs de ces modes. À vous de la confronter à d'autres approches et de voir celle qui vous convient le mieux.

Les modes les plus utilisés à la guitare

Nous allons étudier 3 modes très couramment utilisés.
  • Le mode Dorien
  • Le mode Lydien
  • Le mode Mixolydien
Pour les analyser, nous allons nous référer à la gammes majeure si le mode est majeur, et à la gamme mineure naturelle si le mode est mineur (c'est à la page Gammes de référence que vous apprendrez la gamme majeure et la gamme mineure naturelle). Mode majeur ? Mode mineur ? C'est simple : si un mode a une tierce majeure (intervalle entre sa première et sa troisième note) il est majeur, si un mode a une tierce mineure (intervalle entre sa première et sa troisième note) il est mineur.

le mode dorien

Ce qu'il faut savoir

  • Le mode dorien est construit sur le degré II de la gamme majeure.
  • Un mode dorien se joue sur un accord m7dont les notes caractéristiques (en bleu) sont les tierce mineure (3m) et septième mineure (7).
  • Les notes tensions(cadres jaunes) sont les 911 et 13. Elles permettent d'enrichir l'accord dorien (Cm9, Cm11...).
  • La note qui donne la couleur au mode dorien (encadrée) est la sixte (6).
  • Il n'y a pas vraiment de note à éviter dans le mode dorien. Surveillez dans vos harmonies le frottement entre la sixte (6) et la septième mineure (7) lorsque celle-ci est placée au-dessus.
  • Le mode dorien est le deuxième mode de la gamme majeure. On dit aussi que c'est le mode du deuxième degré de la gamme majeure.

C'est un mode mineur. On va donc comparer ce mode avec la gamme mineure naturelle que vous connaissez.

La gamme mineure naturelle

Comparez les intervalles contenus par nos deux concurrents.

Si vous êtes une minimum observateur, vous avez remarqué qu'il y a une seule différence entre ces 2 échelles : le mode dorien contient une sixte majeure (un La bécarre ici).

Cette note, c'est celle qui différencie le mode dorien des autres modes mineurs. On appelle cette note une note caractéristique. C'est en grande partie elle qui est responsable de la couleur du mode (enfin ça n'est pas la seule bien sûr). Pour vous en convaincre, réécoutez les extraits audio de la gamme mineure naturelle puis du mode dorien.

Si vous n'êtes toujours pas convaincu (ou si vous voulez simplement écouter un peu de musique) voici un extrait audio qui illustre ces propos. C'est une improvisation sur la gamme mineure naturelle puis sur le mode dorien. Écoutez comme le changement d'atmosphère (de mode) est perceptible.

LE MODE LYDIEN

Le mode lydien est le quatrième mode de la gamme majeure. On dit aussi que c'est le mode du quatrième degré de la gamme majeure.

Ce qu'il faut savoir

  • Le mode lydien est construit sur le degré IV de la gamme majeure.
  • Un mode lydien se joue sur un accord 7Mdont les notes caractéristiques (en bleu) sont les tierce majeure (3) et septième majeure (7M).
  • Les notes tensions(cadres jaunes) sont les 9#11 et 13. Elles permettent d'enrichir l'accord lydien (C9M, C7M#11...).
  • La note qui donne la couleur au mode lydien (encadrée) est la quarte augmentée (#4).
  • Il n'y a pas vraiment de note à éviter, seule la septième majeure (7M) est à surveiller par rapport à la fondamentale.

C'est un mode majeur. Comparons-le donc avec la gamme majeure. La gamme majeure

Seule une note diffère entre ces 2 échelles : Le mode lydien contient une quarte augmentée (un Fa# ici). C'est la note caractéristique du mode lydien. Elle donne une couleur très (trop?) "majeure" à ce mode, qui peut en partie s'expliquer par l'enchainement de 3 tons successifs à partir de la tonique (le début de ce mode sonne comme une gamme par tons).

Voici un extrait audio d'une improvisation sur la gamme majeure puis sur le mode lydien. Essayez de percevoir le changement de mode.

LE MODE MIXOLYDIEN

Ce qu'il faut savoir

  • Le mode mixolydien est construit sur le degré V de la gamme majeure.
  • Un mode mixolydien se joue sur un accord 7 dont les notes caractéristiques (en bleu) sont les tierce majeure (3) et septième mineure (7).
  • Les notes tensions(cadres jaunes) sont les 911 et 13. Elles permettent d'enrichir l'accord mixolydien (C9, C13...).
  • La note qui donne la couleur au mode mixolydien est la septième mineure (7).

Le mode mixolydien, c'est le cinquième mode de la gamme majeure. On dit aussi que c'est le mode du cinquième degré de la gamme majeure.

Ce mode est majeur. Le voici comparé à la gamme majeure. La gamme majeure

La note caractéristique de ce mode est sa septième mineure (un Sib ici). Voici un extrait d'une improvisation audio. Début en majeur, fin en mixolydien.

ET EN PRATIQUE ?

Maintenant que la partie théorique a été abordée il devrait vous venir la question suivante. A quoi ça me sert de savoir ça ? Comment je peux utiliser les modes ? Hey hey... Bonnes questions. Vous verrez qu'il est souvent utile de connaitre plusieurs modes, pour embellir une improvisation par exemple, ou plus simplement pour jouer par dessus un accompagnement un peu subtil. Pour apprendre à jouer les modes sur le manche de la guitare, allez voir la page Les modes sur le manche. Et pour les appliquer dans des improvisations, c'est à la page Improviser sur les modes. Les vidéos Comfortably Dumb, So What, Cantaloup irland, Bien apprendre ses gammes et ses arpèges ou Comprendre les accords et les gammes pourront vous intéresser.

Et avant de clore ce chapitre, faisons un petit rappel des notes caractéristiques des 3 modes étudiés (et des autres modes de la gamme majeure).

RECAPITULATIF

Mode Majeur ou Mineur Note caractéristique Intervalles
Dorien Mineur 6M WHWWWHW
Lydien Majeur 4aug WWWHWWH
Mixolydien Majeur 7m WWHWWHW

Tableau récapitulatif des notes caractéristiques de ces trois modes (ce qu'il faut absolument retenir).

Mode Note caractéristique
Dorien 6M
Lydien 4aug
Mixolydien 7m

Pour les curieux, voici un tableau pour tous les modes issus de la gamme majeure.

Mode Majeur ou Mineur Note caractéristique Intervalles
Ionien Majeur rien car référence WWHWWWH
Dorien Mineur 6M WHWWWHW
Phrygien Mineur 2m HWWWHWW
Lydien Majeur 4aug WWWHWWH
Mixolydien Majeur 7m WWHWWHW
Eolien Mineur rien car référence WHWWHWW
Locrien Mineur 2m et 5dim HWWHWWW

Et pour les hyper-curieux qui veulent savoir jouer tous les modes de la gamme majeure sur tout le manche, la page Modes de la gamme majeure y est consacrée.

Ce qu'il faut retenir de cette page, c'est que la couleur (la sonorité) d'un mode est liée à sa note caractéristique. Pour les intéressés, voici un document PDF issu de la vidéo Comprendre les accords et les gammes. Il rappele la gamme chromatique (notée en intervalles) et la structure des accords et gammes courantes.

LES MODES SUR LE MANCHE DE LA GUITARE

Pour jouer les modes sur le manche, il est conseillé de connaître la gamme majeure et la gamme mineure naturelle sur le manche.

Il existe deux approches pour apprendre les modes. La bonne et la mauvaise. Ne suis-je pas impartial ?

La mauvaise consiste à penser qu'un mode de la gamme majeure EST la gamme majeure prise à partir d'une note autre que la tonique. Cette approche est mauvaise parce qu'elle ne pousse pas à penser modal (mais tonal puisqu'on pense à la gamme majeure de référence).

La bonne méthode suit le raisonnement qu'on a fait pour analyser les modes (Les modes de la gamme majeure par exemple) : on se repère par rapport à la gamme de même qualité (majeure/mineure naturelle) et de même tonique que le mode, puis on modifie une note (ou plus), qui est (sont) la (les) note(s) caractéristique(s).

Exemple concret : je veux jouer dorien sur l'accord de Em.

  • La mauvaise méthode : "Jouer dorien sur Em (jouer en Mi dorien), c'est jouer les notes de la gamme de Ré majeur. Je prends donc les notes de Ré majeur, en insistant sur les notes de l'accord de Em (Mi, Sol et Si)".
  • La bonne méthode : "Jouer dorien sur Em (jouer en Mi dorien), c'est jouer la gamme de Mi mineur naturelle en changeant la 6m en 6M. Cette note est la note caractéristique du mode Dorien, je peux insister dessus pour faire entendre la couleur du mode".

DES IMAGES !

La nuance est assez fine. Pour que ce soit plus clair, illustrons la bonne méthode.

Le mode dorien

En images, la gamme de Mi mineure naturelle suivi du mode de Mi dorien.

Mi mineure naturelle (ou Mi éolien)

Il faut donc repérer la sixte mineure de la gamme mineure naturelle, puis de la monter d'un demi-ton. C'est très formateur, puisque répéter cette méthode pour tous les modes vous amènera à une bonne connaissance du manche, des intervalles et du rôle des notes dans une gamme. Savoir quel est le rôle des notes que vous jouez est très important.

Le même principe, mais sur tout le manche cette fois.

Mi mineure naturelle sur tout le manche

Le mode Lydien

En images, la gamme de Mi majeure suivi du mode de Mi Lydien.

Mi majeure sur tout le manche

Le mode Mixolydien

En images, la gamme de Mi majeure suivi du mode de Mi Mixolydien.

Mi majeure sur tout le manche

J'espère que ces diagrammes vous auront aidé à mieux comprendre la logique : toujours raisonner par rapport à la tonique du morceau sans penser à la gamme majeure d'où est tiré le mode qu'on souhaite jouer.

LES TUTOS

Mode unitonique (mode par tons)

Ce qu'il faut savoir

  • Ce mode est assez particulier car il ne se déduit pas d'une gamme majeure ou mineure. C'est ce que l'on appelle un mode symétrique. A partir d'une tonique, toutes les notes se suivent avec un même intervalle d'un ton. On obtient une couleur énigmatique.
  • Ce mode convient particulièrement bien à unaccord 7. Les notes tensions (cadres jaunes) sont les 9, b5 (#11) et #5 ( b13). Elles permettent d'enrichir l'accord septième (C7b5, C7#5, C7#11, C7b13, C9#5, C9b13...).
  • Il n'y a pas de note à éviter dans le mode unitonique.

Les positions

Si vous avez des difficultés pour comprendre ce qui suit, cliquez ici. Il y a en fait deux positions sans démancher et une en démanchant. Notez que les gammes unitoniques de Do, Ré, Mi, Fa#, Sol# et Sib ont les mêmes notes ! De même pour les modes unitoniques de Réb, Mib, Fa, Sol, La et Si. Gammes unitoniques sans démancher de :

Do, Ré, Mi, Fa#, Sol#, Sib

Position III-V-VII-IX-XI

(cadre rouge = note do)

Position III-V-VII-IX-XI

(cadre rouge = note do)

Gammes unitoniques en démanchant de :

Do, Ré, Mi, Fa#, Sol#, Sib

Position VI-VIII-X-XII

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Les Gammes mineures:

La gamme mineure est une des 2 gammes principales du système tonal. Il y a la gamme majeure et la gamme mineure.

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme mineure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr) (ecole-de-guitare-vannes.fr)

La gamme mineure est reconnaissable à sa tonalité mélancolique.

Définition de la gamme mineure

La gamme mineure correspond à un mode de la gamme majeure.

Pour rappel un mode est caractérisé par les intervalles séparant la note fondamentale de ses différents degrés. (si vous voulez en savoir plus vous pouvez consulter le cours sur le solfège). Une gamme est l’application d’un mode.

Par exemple, la gamme de Do majeur est l’application du mode majeur avec Do comme tonique ou fondamentale (Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do).

La gamme mineure est construite sur le 6ème degré de la gamme majeure.

Quand on regarde la gamme de Do, le 6ème degré est un La. La gamme mineure fait donc aussi parfois référence au mode de La.

Ce qui caractérise le plus une gamme mineure par rapport à une gamme majeure, c’est l’intervalle entre la tonique et la tierce. Dans une gamme majeure, il y a 2 tons entre la tonique et la tierce (on dit que la tierce est majeure). Dans une gamme mineure, il y a seulement 1,5 tons (on dit que la tierce est mineure).

C’est précisément cette tierce mineure qui donne  cette couleur musicale mélancolique.

Mise en garde: On parle souvent de la gamme mineure, mais c’est un abus de langage. En réalité, il existe plusieurs modes mineurs qui donnent aussi des gammes mineures. Cependant, dans la plupart des cas, quand on parle de gamme mineure, on parle de la gamme mineure issue du 6ème degré de la gamme majeure. Cette gamme mineure est aussi appelé gamme mineure relative par rapport à la gamme majeure.

Les 3 gammes mineures

Il existe trois gammes mineures

  1. La gamme mineure naturelle
  2. La gamme mineure harmonique
  3. La gamme mineure mélodique

Comment reconnaitre une gamme mineure ?

Ces trois gammes ont en commun un écart de un ton et demi entre la tonique et la tierce. Elles ont donc toutes une tierce mineure.

C’est de cette façon que vous pouvez reconnaître les gammes mineures par rapport aux gammes majeures. Quand la tierce est mineure, c’est bien souvent une gamme mineure.

Pour savoir ensuite s’il s’agit d’une gamme mineure naturelle, harmonique ou mélodique, il faut regarder les intervalles.

Dans la suite de cet article, nous allons voir les différentes gammes mineures et comment les jouer sur votre guitare.

Comment travailler la gamme mineure ?

Pour les guitaristes avancés

Plus vous les comparerez, plus vous les travaillerez et plus votre jeu gagnera en aisance. Le travaille des gammes aiguise votre oreille, votre technique, et augmente votre capacité à composer, à improviser et à comprendre la logique qui structure toute harmonie musicale. Alors ne faites pas l’économie de ce travail, vous verrez qu’il sera vite payant.

Conseil pour les guitaristes débutants

Si vous débutez, ne perdez pas de temps à apprendre et travailler les gammes mineures. Vous avez bien mieux à faire.

En particulier, vous devez d’abord travailler le rythme, les accords et la gamme pentatonique.

Le travail des gammes, des modes, … ne devrait intervenir qu’après 2 ou 3 ans de guitare, pas avant.

La gamme mineure naturelle

La gamme mineure naturelle est structurée sur le mode aéolien de la gamme majeure. Cela signifie qu’elle est issue du 6ème degré de la gamme majeure.

Si l’on prend comme référence de la gamme majeure, la gamme diatonique (c’est la gamme majeure de Do avec une tonique en Do), alors la gamme mineure (dite relative) aura une tonique en La.

On retrouve bien la tierce mineure qui caractérise les gammes mineures.

Comme toutes les autres gammes mineures, elle sera ensuite caractérisée par une suite particulière d’intervalles entre les notes.

Structure de la gamme mineure naturelle

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme mineure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr) (ecole-de-guitare-vannes.fr)

La gamme mineure naturelle suit le schéma ci-dessous. Observez bien qu’entre la tonique et la tierce, on peut compter précisément un ton et demi (tierce mineure)

Vous pouvez retenir la formule suivante : 2 – 1 – 2 – 2 – 1 – 2 – 2

(la formule de la gamme majeure si vous vous en rappelez est : 2 – 2 – 1 – 2 – 2 – 2 – 1. Vous remarquez donc que si vous commencez à compter à partir du sixième degré, vous retrouvez la formule de la gamme mineure naturelle)

Structure de la gamme mineure naturelle avec les intervalles

Vous pouvez aussi voir la gamme mineure naturelle avec les intervalles. En partant de la tonique, voici sa structure : :

  1. Tonique
  2. Seconde Majeure (2M)
  3. Tierce mineure (3m)
  4. Quarte Juste (4J)
  5. Quinte Juste (5J)
  6. Sixte mineure (6m)
  7. Septième mineure (7m)

Comme pour la gamme majeure, vous pouvez suivre ce modèle à partir de n’importe quelle note. Il vous suffit de respecter les différents intervalles. Voici 2 exemples :

Gamme mineure naturelle de Do :

La tonique est en Do.

Tonique Do Do Mi b Fa Sol La b Si b Do
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton

Gamme mineure naturelle de Mi :

La tonique est en Mi.

Tonique Fa Mi Fa # Sol La Si Do Mi
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton

 Conseil :

Ne vous embêtez pas à apprendre les notes de chaque gamme. Vous perdrez beaucoup de temps et ce n’est pas utile.

La bonne façon d’apprendre les gammes, c’est d’apprendre la formule et de les travailler en identifiant bien les intervalles entre chaque note et avec la tonique.

Comment jouer la gamme mineure naturelle ?

Voici une façon de jouer la gamme mineure naturelle. Je vous propose celle si car elle démarre avec la tonique sur la corde 6 et l’index sur la tonique. Elle a aussi 3 notes par cordes.

Sachez qu’il existe de très nombreuses façons de jouer cette gamme et beaucoup de positions différentes.

Comment travailler cette gamme ?

Rappel : Si vous êtes débutant, oubliez cette gamme et concentrez vous sur la pentatonique.

Si vous avez déjà 2 – 3 ans de guitare, alors vous pouvez la travailler de la façon suivante :

  • Apprenez la formule de la gamme mineure naturelle
  • Partez de n’importe quelle note sur votre manche et jouer la gamme sur une corde, puis 2 cordes, puis 3 cordes, … puis 6 cordes. (c’est exercices est excellent pour bien mémoriser une gamme. Il suffit de partir de la formule puis d’une note et de se donner des contraintes : une corde, 2 cordes, 4 cases, …). Il vous permettra aussi d’apprendre les intervalles entre chaque note.

Cet exercice aiguisera votre oreille et avec le temps, vous apprendrez à reconnaître à l’oreille si vous avez affaire à une gamme majeure ou mineure naturelle.

La gamme mineure mélodique

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme mineure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr) (ecole-de-guitare-vannes.fr)

La gamme mineure mélodique est construire sur la même base que la gamme mineure naturelle: Structurée sur le mode aéolien (6ème degré) de la gamme majeure, on compte bien un ton et demi entre la tonique et la tierce (tierce mineure).

Mais la différence entre la gamme mineure naturelle et la gamme mineure mélodique se situe au niveau de la sixte.

Dans la gamme mineure mélodique, la sixte est rehaussée d’un demi-ton. Exactement comme nous l’avions vue avec la gamme mineure harmonique, où c’était la septième qui était rehaussée d’un demi ton.

Structure de la gamme mineure mélodique

La gamme mineure mélodique suit donc le schéma ci-dessous. Observez bien qu’entre la tonique et la tierce, on compte toujours un ton et demi. Il s’agit donc bien qu’une gamme mineure. Remarquez bien aussi que la sixte est située cette fois un ton plus haut que la quinte (la cinquième note de la gamme).

Vous pouvez retenir la formule suivante : 2 – 1 – 2 – 2 – 2 – 1 – 2

Structure de la gamme mineure naturelle avec les intervalles

Vous pouvez aussi voir la gamme mineure naturelle avec les intervalles. En partant de la tonique, voici sa structure :

  1. Tonique
  2. Seconde Majeure (2M)
  3. Tierce mineure (3m)
  4. Quarte Juste (4J)
  5. Quinte Juste (5J)
  6. Sixte Majeure (6M)
  7. Septième mineure (7m)

Comme pour la gamme majeure ou les deux autres gammes mineures (naturelle et harmonique), vous pouvez suivre ce modèle à partir de n’importe quelle note. Il vous suffit de respecter à chaque fois les différents intervalles.

Voici 2 exemples : Gamme mineure mélodique de Do :
Tonique Do Do Mi b Fa Sol La Sib Do
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton 1 ton 1/2 ton 1 ton
Gamme mineure mélodique de La :
Tonique La Si Do Mi Fa # Sol La
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton 1 ton 1/2 ton 1 ton

Comment jouer la gamme mineure mélodique?

Comme pour les autres gammes mineures, il ne s’agit là que d’une façon de jouer la gamme mineure mélodique. Vous pouvez en trouver pleins d’autres.

Après cette lecture, on peut facilement constater que la gamme mineure mélodique se rapproche énormément de la gamme majeure. La différence se situe au niveau d’un seul intervalle : la quinte rehaussée d’un demi-ton.

Prenez soin de comparer la gamme majeure et les trois gammes mineures. Écoutez bien les nuances de chacune pour que votre oreille prenne l’habitude de les reconnaître.

Toutes les positions de la gamme mineure mélodique de Sol (sur tout le manche pour l'image ci-dessous). Gamme de Sol mineure mélodique sur tout le manche Gamme de Sol mineure mélodique (position I) accord de Gm superposé forme de Em Gamme de Sol mineure mélodique (position II) accord de Gm superposé forme de Dm Gamme de Sol mineure mélodique (position III) accord de Gm superposé forme de Cm Gamme de Sol mineure mélodique (position IV) accord de Gm superposé forme de Am Gamme de Sol mineure mélodique (position V) accord de Gm superposé forme de Gm

La gamme mineure harmonique

Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme mineure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr) (ecole-de-guitare-vannes.fr) La gamme mineure harmonique est construire sur la même base que la gamme mineure naturelle. Structurée sur le mode aéolien de la gamme majeure, on compte bien un ton et demi entre la tonique et la tierce. Mais ce qui fait la différence entre la gamme mineure naturelle et la gamme mineure harmonique se situe au niveau de la septième note. Dans la gamme mineure harmonique, la septième note est rehaussée d’un demi-ton.

Structure de la gamme mineure harmonique

La gamme mineure harmonique suit donc le schéma ci-après. Observez bien qu’entre la tonique et la tierce, on compte toujours un ton et demi (tierce mineure). Il s’agit donc bien qu’une gamme mineure. Remarquez bien aussi que la septième est située un ton et demi plus haut que la sixte (la sixième note de la gamme). Vous constatez ainsi que la septième ne se trouve plus qu’à un demi-ton de la tonique. On dit alors de la septième qu’elle est la note sensible de la gamme mineure harmonique, car c’est elle qui rend cette construction harmonique si spéciale.

Vous pouvez retenir la formule suivante : 2 – 1 – 2 – 2 – 1 – 3 – 1

Structure de la gamme mineure harmonique avec les intervalles

Vous pouvez aussi voir la gamme mineure harmonique avec les intervalles.

En partant de la tonique, voici sa structure : 

  1. Tonique
  2. Seconde Majeure (2M)
  3. Tierce mineure (3m)
  4. Quarte Juste (4J)
  5. Quinte Juste (5J)
  6. Sixte mineure (6m)
  7. Septième Majeure (7M)
Une fois que vous connaissez la structure, vous pouvez reconstruire n’importe quelle gamme mineure harmonique. Pour cela il vous suffit de partir d’une note et de respecter les intervalles entre les notes. Voici 2 exemples de gammes mineures harmoniques Gamme mineure harmonique avec tonique en Do :
Tonique Do Do Mi b Fa Sol La b Si Do
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton ½ ton 1½  ton ½  ton
Gamme mineure harmonique avec tonique en La :
Tonique La Si Do Mi Fa Sol # La
Intervalle 1 ton ½ ton 1 ton 1 ton ½ ton 1½  ton ½  ton
Comment jouer la gamme mineure harmonique ?

Comme pour les autres gammes mineures, il ne s’agit là que d’une façon de jouer la gamme mineure mélodique. Vous pouvez en trouver pleins d’autres.

Après cette lecture, on peut facilement constater que la gamme mineure mélodique se rapproche énormément de la gamme majeure. La différence se situe au niveau d’un seul intervalle : la quinte rehaussée d’un demi-ton.

Prenez soin de comparer la gamme majeure et les trois gammes mineures. Écoutez bien les nuances de chacune pour que votre oreille prenne l’habitude de les reconnaître.

La gamme mineure harmonique

La gamme mineure harmonique est construire sur la même base que la gamme mineure naturelle. Structurée sur le mode aéolien de la gamme majeure, on compte bien un ton et demi entre la tonique et la tierce.

Mais ce qui fait la différence entre la gamme mineure naturelle et la gamme mineure harmonique se situe au niveau de la septième note. Dans la gamme mineure harmonique, la septième note est rehaussée d’un demi-ton.

Structure de la gamme mineure harmonique

La gamme mineure harmonique suit donc le schéma ci-après. Observez bien qu’entre la tonique et la tierce, on compte toujours un ton et demi (tierce mineure). Il s’agit donc bien qu’une gamme mineure.

Remarquez bien aussi que la septième est située un ton et demi plus haut que la sixte (la sixième note de la gamme). Vous constatez ainsi que la septième ne se trouve plus qu’à un demi-ton de la tonique. On dit alors de la septième qu’elle est la note sensible de la gamme mineure harmonique, car c’est elle qui rend cette construction harmonique si spéciale.

Toutes les positions de la gamme mineure harmonique de Sol (sur tout le manche pour l'image ci-dessous). Gamme de Sol mineure harmonique sur tout le manche Gamme de Sol mineure harmonique (position I) accord de Gm superposé forme de Em Gamme de Sol mineure harmonique (position II) accord de Gm superposé forme de Dm Gamme de Sol mineure harmonique (position III) accord de Gm superposé forme de Cm Gamme de Sol mineure harmonique (position IV) accord de Gm superposé forme de Am Gamme de Sol mineure harmonique (position V) accord de Gm superposé forme de Gm Vous pouvez télécharger la fiche PDF des 7 positions de la gamme mineure à la guitare sur cette page (ecole-de-guitare-vannes.fr)

GAMMES mineures 1

Les Relatives:

RELATIVE MAJEURES mineures

Télécharger:

GUIDE dr choix d"Accord et Gammes:

GUIDE DE CHOIX D ACCORD ET GAMME

WORLD MODE + Anatole:

WORLD MODES

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Les Pentatoniques Majeures, mineures, Blues:

PENTATONIC Majeur, mineur, Blues Télécharger:

La Gamme Pentatonique à la Guitare

Hello les zikos et bienvenue dans ce nouvel article traitant du thème « La Gamme Pentatonique À La Guitare » !

« Gamme pentatonique ». Quel nom barbare… Surtout quand on sait que c’est la gamme la plus utilisée par les guitaristes, et notamment par les débutants !

Eh oui, que l’on soit adepte de Blues, de Metal, de Reggae, de Folk, de Punk, de Classic Rock, de Boogie, de Funk, de Variété ou de Country, la Gamme Pentatonique se dissimule partout et sait apparaître au moment opportun quand on en a besoin.

« Mais alors, en quoi est-ce donc que cette gamme consiste-t-elle donc ? »

Eh bien, pour le savoir, lisez cet article jusqu’au bout : vous saurez tout d’elle, en long, en large et en travers. Ses particularités, ses fonctions, ses forces mais aussi ses faiblesses.

Alors, sans plus tarder, c’est parti !

DÉFINITION

Tout d’abord, la Gamme Pentatonique est, comme son nom l’indique, une Gamme.

que l’on connaît tous : « Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do »,

Eh bien, son nom exact est « Gamme Diatonique de Do Majeur ».

D’abord, la notion de « Gamme » désigne un groupement de notes successives.

Ensuite, « Do Majeur »

Et enfin, « Diatonique » veut simplement dire que chacune des notes doit avoir un nom différent.

Logique, vous me direz ? Et pourtant…

Et maintenant, si on compte le nombre de notes que l’on a dans cette gamme, on tombe sur… 7 !

Autrement dit, cette gamme est une Gamme Heptatonique ! Bon, comme il n’existe que 7 noms de notes différents, c’est un mot qu’on ne prononce jamais.

Et donc, « Pentatonique » désigne une Gamme qui n’est constituée que de… 5 notes ! Bizarre, non ?

Eh bien, pas tant que ça, quand on regarde d’un peu plus près…

LES AVANTAGES DE LA GAMME PENTATONIQUE

Alors, pourquoi une Gamme à 5 notes et pas 7 ?

Eh bien, parce que 5 notes sont amplement suffisantes pour commencer à faire sonner de beaux solos et de belles mélodies, et c’est pour cette raison qu’elle nous intéresse tout particulièrement, nous, les guitaristes !

Elle est donc :
  • Très rapide à apprendre 
  • Simple à mémoriser dans toutes ses formes 
  • Facile à reconnaître à l’oreille 

Ce qui permet aux débutants de pouvoir commencer à se faire les dents sur des solos de légende qui ont marqué l’Histoire de la Musique – et en particulier du Rock – et de pouvoir s’essayer à l’improvisation même après quelques mois de pratique. Cool, non ?

De plus, quel que soit le style le style que vous aimez, vous y trouverez votre compte dans 80% des cas.

C’est une vraie Gamme « passe-partout » que vous pouvez utiliser en toutes circonstances et qui vous sera la plus utile dans votre carrière de guitariste.

LES MODES DE LA PENTATONIQUE

Lorsque l’on parle de « mode », on fait référence aux 7 modes de la Gamme Majeure que sont :

  • Le mode Ionien, construit à partir du Ier degré de la gamme :
Do –  – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do
  • Le mode Dorien, construit à partir du IInd degré de la gamme :
 – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do – 
  • Le mode Phrygien, construit à partir du IIIème degré de la gamme :
Mi – Fa – Sol – La – Si – Do –  – Mi
  • Le mode Lydien, construit à partir du IVème degré de la gamme :
Fa – Sol – La – Si – Do –  – Mi – Fa
  • Le mode Mixolydien, construit à partir du Vème degré de la gamme :
Sol – La – Si – Do –  – Mi – Fa – Sol
  • Le mode Aeolien, construit à partir du VIème degré de la gamme :
La – Si – Do –  – Mi – Fa – Sol – La
  • Le mode Locrien, construit à partir du VIIème degré de la gamme :
Si – Do –  – Mi – Fa – Sol – La – Si

Mais voilà, comme la Gamme Pentatonique n’est constituée que de 5 notes, soit 5 des 7 degrés de la Gamme Majeure, 2 modes Pentatoniques ne vont pas pouvoir être construits, logique.

Et ces 2 modes, ce sont les n°IV et le n°VII, le « Lydien » et le « Locrien », même si on ne peut pas parler des modes de la Gamme Pentatonique comme étant les mêmes que ceux de la Gamme Majeure… Mais vous avez compris l’idée.

Vous l’aurez compris : une Gamme Pentatonique est une Gamme Majeure amputée de ses IVème et VIIème degrés, soit le Fa et le Si dans le cas de la Gamme de Do Majeur.

Bon, vous êtes un peu perdus ? Pas de panique, j’ai une bonne nouvelle pour vous :

À partir des 5 modes que l’on peut construire, on ne va en utiliser réellement que… 2.

Eh oui, seulement le Ier (soit le plus simple) et le VIème !

C’est plus simple comme ça, non ?

Alors, pourquoi ces deux-là ?

Eh bien, si vous manipulez déjà un peu la musique et que vous vous intéressez aux accords, à l’harmonisation et à la compréhension des notions d’« armure » et de « tonalité », vous avez sûrement dû remarquer quelque chose…

  • Les intervalles peuvent être qualifiés de diminués, d’augmentés, de justes, de Majeurs et de mineurs… Les Majeurs et les mineurs étant liés entre eux;
  • Un accord parfait existe sous 2 formes : sa forme Majeure et sa forme mineure.
  • Les tonalités Majeures ont toutes des tonalités relatives mineures;

Il existe plusieurs types de Gammes dont, par exemple : les Gammes Majeures, Pentatoniques, Blues, Modales et les Gammes… mineures.

Et lorsque l’on cherche, dans chacun des cas, la relation qui lie le Majeur et le mineur, on se rend compte qu’il faut souvent descendre de 3 demi-tons, soit d’une Tierce mineure, soit de 3 notes, etc.

Par exemple :

  • La Tonalité relative de Do Majeur est La mineur;
  • La Tierce mineure en descendant en partant du Do nous donne l’intervalle Do – La;

Et le 3ème exemple que je peux vous donner, c’est qu’une Gamme Majeure possèdera les mêmes notes que sa Gamme mineure relative, qui a pour point de départ… son VIème degré.

En effet, la Gamme de Do Majeur (Do –  – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do) est la même que la Gamme de La mineur (La – Si – Do –  – Mi – Fa – Sol – La), mais cette dernière part du « La », sa 6ème note. Et en réalité, il s’agit simplement d’un abus de langage pour désigner le mode Aéolien de la Gamme de Do Majeur.

Vous voyez : la musique, c’est une bulle où tout se rejoint et qui relie chacune des notions de part en part… et c’est ça qui est magique.

Bon, mais, après la philosophie, revenons à nos modes Pentatoniques  :

En conclusion, on peut dire qu’il existe 2 modes Pentatoniques:

  • La Gamme Pentatonique Majeure;
  • La Gamme Pentatonique mineure;
Tout simplement.

Alors, généralement, quand on commence à étudier une notion qui implique les qualifications de « Majeur » et de « mineur », on étudie d’abord le côté « Majeur » avant le côté « mineur ».

Mais pour les Gammes Pentatoniques, on va plutôt commencer… par la version mineure.

Si toutes les notions que j’ai évoquées dans cette 1ère partie vous donnent l’impression de découvrir une autre langue… ou de réaliser que vous ne les maîtrisez pas encore parfaitement, je vous propose de découvrir mon livre sur les Bases de la Musique au Piano & à la Guitare !

Ce guide plutôt complet vous permettra de vous familiariser profondément avec les bases théoriques de la musique de façon ludique mais structurée afin d’entamer votre carrière musicale sur les chapeaux de roues !

Comment utiliser la gamme pentatonique à la guitare ?

Vous voulez vous aussi improvisez desolos de guitare facilementgrâce à la gamme pentatonique ? Oui bien sûr ! Mais d’abords, voyons ce qu’est la gamme pentatonique.

Une pentatonique est composée de cinq notes ( d’où le nom car « penta » signifie « cinq » en Grec). Une gamme pentatonique peut être majeure ou mineure. Malgré la diverse gamme pentatonique, la plus utilisée par un guitariste est celle de la pentatonique mineure. Des grandes guitaristes telles que Jimi Hendrix, BB King, l’en utilise souvent. Comme elle est facile à apprendre, elle est la gamme apprise pour ceux qui veulent apprendre à jouer de la guitare. Cet article vous éclairera sur certains points que vous devez connaître à propos de cette fameuse gamme pentatonique.

Quelles sont les raisons d’utiliser une gamme pentatonique ?

Connaître la gamme pentatonique est une des principales règles lorsqu’on veut jouer de la guitare. Il s’agit de la gamme qu’on apprend aux débutants et à des guitaristes autodidactes.

Facile à mémoriser, contrairement à celle des gammes majeures, il vous suffit de maîtriser les 5 positions par tonalité pour l’apprendre. Il s’agit donc d’une gamme passe-partout qu’on peut improviser à la guitare avec des styles différents, car elle n’est composée que par quelques notes.

Lorsqu’on joue les pentatoniques sur des accords, elles créent des tensions, ainsi que des notes exceptionnelles.

Par exemple : En la jouant de Ré majeur sur l’accord C, vous obtiendrez une couleur lydienne. Néanmoins, si vous ne voulez pas créer que peu de tension pour une raison ou une autre, vous pouvez aussi la jouer de façon simple.

Des conseils utiles pour utiliser la gamme pentatonique :

Pour utiliser efficacement la gamme pentatonique, il faut en premier lieu avoir une bonne concentration auditive et surtout éviter de regarder la guitare.

Il faut aussi que vous appreniez par cœur les phrases que vous aimez jouer sur la pentatonique. Si vous êtes celui qui préfère jouer avec plusieurs notes, essayez d’en jouer moins de notes et optez aussi pour des notes qui ne sont pas incluses dans la gamme en vous fiant à votre oreille.

Vous pouvez également jouer la pentatonique en « gamme brisée » ou en faisant un saut de cordes. Lorsque vous jouez des notes, vous pouvez en faire sans solfier, c’est-à-dire sans dire le nom des notes. Il va falloir aussi que vous imposiez une position de la gamme ou d’une corde.

Vous devez travailler surtout vos points faibles quand vous êtes motivé.

Écoutez de temps en temps des morceaux de solo de guitariste pour que vos oreilles s’habituent à la gamme pentatonique en l’identifiant.

Apprendre la gamme pentatonique :

Avant d’apprendre la gamme pentatonique mineure, il est impérativement conseillé de savoir lire et travailler un diagramme de gamme. Pour maîtriser la gamme pentatonique, il faudra apprendre ces 3 choses importantes :
  • Dans un premier temps, on va vous donner quelques conseils pour que vous le compreniez très bien. Il s’agit des conseils techniques concernant le doigté de la main gauche, mais également des conseils méthodologiques sur la façon de travailler.
  •  Dans la deuxième partie, nous allons vous donner des détails sur les cinq positions de la pentatonique mineure, en vous donnant des instructions à propos du niveau doigté, ainsi que quelques petits détails.
  • Dans la troisième partie, nous vous donnons des instructions sur l’économie de mouvement accompagné de quelques astuces à ne pas négliger pour que vous puissiez exploiter à fond vos gammes.

Notons que l’étude de la gamme pentatonique sur une guitare pourra bien s’effectuer sur une guitare électrique, guitare folk ou guitare classique.

Le travail de la main gauche :

Le travail d’un diagramme de gamme se réalise en général avec plusieurs doigtés. Pour cela, il vous faudra faire un test de vos différents doigtés pour que vous puissiez déterminer celui qui vous plait le plus, car il se trouve qu’il y en a toujours un qui est vraiment meilleur que les autres. Une fois que vous aurez choisi un doigté, commencez à travailler avec celui-là. Quant aux autres, vous pouvez les faire travailler plus tard.

Veillez à faire bien attention à la position de votre main gauche : pouce derrière la manche, poignet cassé, doigts arrondis se trouvant près des frettes. Dans cet exercice, il faut que vous efforciez de ne pas aplatir vos doigts, tout en veillant à respecter toujours cette position.

Le travail de la main droite :

La meilleure façon de travailler une gamme avec la main droite sera de jouer au médiator, en aller-retour. Cependant, certaines personnes ne se sentent pas à l’aise avec cette technique. Dans ce cas, ils peuvent se contenter de ne faire que des coups vers le bas au médiator. Certes, même si cette méthode est pratique pour commencer l’initiation à la guitare, vous serez limité. C’est pourquoi il faut penser à travailler le cours sur l’aller-retour pour appliquer cela sur votre gamme en veillant à appliquer un aller-retour strict. Quels que soient les changements de cordes ou de notes, vous devez toujours accompagner un coup vers le bas d’un coup vers le haut.

Pour vous exercer à la rythmique de la main droite

En conclusion :

Les gammes pentatoniques sont très connues grâce à leur polyvalence.

En optant pour des gammes pentatoniques, vous pouvez jouer une myriade de styles comme des Rocks, des blues, des jazz, etc. Les pentatoniques resteront la gamme la plus préférée des grands guitaristes tels que Jimi Hendrix, Jimmy Page, Angus Young, Eric Clapton, Steve Vai, etc.

Comme elle n’est composée que par quelques notes, elle est donc très pratique et facile à apprendre, même pour ceux qui n’ont pas encore une notion de la guitare. Son atout, c’est qu’on peut l’utiliser dans différents contextes.

Maintenant que vous détenez des informations essentielles à propos de la gamme pentatonique, il ne vous reste plus qu’à l’apprendre et jouer vos musiques préférées.

Le squelette des gammes pentatoniques – les triades

Les triades sont les formes les plus simples d’accords. Ce sont des accords à trois sons qui comptent :

  • Une fondamentale
  • Une tierce (mineure ou majeure)
  • une quinte juste
Pour rappel,
  • une tierce mineure est située à 1.5 tons au-dessus de sa fondamentale. Trois cases de guitare la séparent de sa fondamentale (une case vaut un demi-ton).
  • Une tierce majeure est située à 2 tons au-dessus de sa fondamentale, donc quatre cases la sépare de sa fondamentale.
  • Une quinte juste est située à 3.5 tons au-dessus de sa fondamentale.
A ce stade, il vous est primordial de commencer à apprendre vos notes sur le manche si ce n’est déjà fait. Tous les accords de base que vous avez appris sont construits à partir des triades. Voici ci-dessous l’ensemble des triades majeures de La majeur. Le R rouge est le mot anglais Root qui veut dire fondamentale. En ce qui concerne les pentatoniques mineures, c’est quasiment la même chose sauf que la tierce est abaissée d’un demi-ton, ce qui donne : L’identité de la gamme pentatonique majeure.

Une fois que vous avez les triades majeures dans une tonalité (ici en La), il ne vous manque plus que deux notes pour avoir votre pentatonique majeure.

Et oui, dans triades, il y a TROIS, et dans pentatonique il y a PENTA veut dire CINQ en Grec.

Sans plus attendre, les deux notes qui font l’ADN de la pentatonique majeure sont :

  • une seconde majeure
  • une sixte majeure

Une seconde majeure est située à un ton au-dessus de sa fondamentale, soit séparée de deux cases. Une sixte majeure est située un ton au-dessus de la quinte juste, soit séparée de deux cases.

En visuel, ça donne ça :

L’identité de la gamme pentatonique mineure.

Pour la gamme pentatonique mineure, les deux notes caractéristiques sont différentes. Il s’agit :

  • D’une quarte juste
  • D’une septième mineure

La quarte juste est située un ton en dessous de la quinte soit séparée de deux cases.

La septième mineure est située un ton en dessous de l’octave soit séparée de deux cases.

Ce qui nous donne : Le tour est joué, nous avons reconstruit nos deux gammes pentatoniques. Désormais ce ne sont plus des positions aveugles que vous avez sous les yeux mais une vrai carte routière qui vous indique le parcours.

Et alors ? Ça vous fait une belle jambe ?

Et oui, à ce stade, je vous ai tout déballé sans ménagement. Peut-être ne voyez vous pas encore à quel point il est utile et plus facile de voir les choses ainsi.

Laissez-moi avancer quelques arguments.

  • En développant votre reconnaissance visuelle et sonore des intervalles, vous allez vite repérer lesquelles vous aimez voir sonner sur tel ou tel accord
  • De même, vous saurez mieux aborder les changements d’accord en sachant quelles notes cibler et en vous préparant à l’avance grâce à votre connaissance du manche
  • Une fois que vous maitriser les triades, il ne vous manque à chaque fois que deux ou trois notes pour construire n’importe quelle gamme. Par exemple, le mode de La Ionien (gamme majeure) comprends toutes les notes de la pentatonique majeure plus une quarte juste et une septième majeure.

J’ouvre juste la porte. Vous pouvez tester toutes sortes de pentatoniques à partir de ce matériel. Un cours exhaustif sur les pentatoniques hybrides prendrait 50 pages et ne servirait à rien.

C’est comme pour les bouquins d’accords. C’est complètement inutile. Apprenez à les construire et à les retrouver.

Ne les apprenez pas par cœur !

La méthode est plus forte que la mémoire.

Je vous ai donné ici beaucoup d’informations brutes. Dans le dernier chapitre, je vais vous donner les clés pour intégrer cette masse d’informations dans votre jeu.

Pratiquer les gammes pentatoniques

Il faut distinguer ici deux choses :

  • Le travail de fond
  • Le travail de plans et de solos

Le travail de fond

Le travail de fond est le travail qui vous permet d’intégrer de nouvelles gammes dans le corps et le cerveau. C’est souvent un travail rébarbatif que peu de personnes sont prêtes à faire bien qu’il fasse la différence à l’arrivée. Concrètement il s’agit de faire rentrer dans le cerveau la position et la qualité sonore de chaque intervalle joué. Je vous conseille pour cela les exercices suivants.

Exercice 1 :

Jouer les triades majeures et mineures sur une seule corde.

  • En partant de la fondamentale, puis de la tierce, puis de la quinte.
  • En montant et en descendant
  • En disant/chantant les intervalles
  • En disant/chantant les notes
Exercice 2 :

Faites la même chose en rajoutant les intervalles caractéristiques de la gamme.

Exercice 3 :

Faites le même travail sur une position du manche.

Comment intégrer ces exercices à votre programme ?

On va pas se le cacher, ces exercices sont ennuyeux au premier abord et pourtant ils requièrent beaucoup de concentration.

C’est grâce à eux que vous allez savoir en permanence où jouer juste sur votre instrument.

Il faut les faire dans un état second, quasiment méditatif. Faites les concentrés, à fond, et essayez d’être très présent. Plus vous serez présents, plus vite vous allez les intégrer. Se débarrasser de ces exercices devant la télé ne vous servira à rien.

Le mieux, c’est de prendre 5 minutes en début de chaque session de jeu pour s’échauffer dessus avant de passer à des exercices plus plaisants ensuite.

Travailler par-dessus un backing track peut également rendre l’exercice beaucoup plus agréable. Si vous vous abonnez à ma newsletter, sachez que j’envoie de temps en temps des backing tracks pour travailler l’impro. Et surtout, la règle d’or : un petit peu chaque jour vaut beaucoup mieux que une heure toutes les deux semaines. C’est neurologique. Votre cerveau intègre bien plus des actions répétées chaque jour, même très peu, plutôt que des actions réalisées ponctuellement, même intensément.

Si vous pensez qu’il vous faut huit heures par jour pour devenir excellent en guitare, j’ai une bonne nouvelle, vous vous trompez. En travaillant intelligemment, vous pourrez égaler et dépasser des guitaristes moins méthodiques qui travaillent plus d’heures que vous.

Le secret, je me répète, c’est donc de travailler intensément, en conscience, sur une courte période de temps, mais TOUS LES JOURS (ou presque).

Si ces sujets d’efficacité et d’optimisation vous intéresse, je vous recommande les lectures suivantes de Timothée Ferriss :

  • The Four Hour Week

Le travail de plans et de solos

Grâce à ce travail de fond, vous allez aborder votre apprentissage de plans et de solos d’une manière bien plus saine.

Au lieu de reconnaitre à peu prêt des positions aveugles de pentatonique, vous saurez précisément quels intervalles et quelles notes votre guitar hero préféré a utilisé par dessus tel ou tel accord.

Apprenez alors un maximum de plans ! Récupérez des partitions, apprenez les passages qui vous plaisent, et surtout, transcrivez !

Si vous êtes dans une période où vous travaillez l’improvisation, je vous propose le plan de travail suivant pour 30 minutes par jour :

  • cinq à dix minutes de travail de fond
  • Dix minutes de travail de plans et de solos en pentatoniques
  • Dix minutes d’improvisation et/ou de construction de votre propre solo sur un backing track.

Conclusion

En définitive, les pentatoniques, c’est tout simplement des triades majeures ou mineures auxquelles on a rajouté deux notes :

  • une seconde majeure et une sixte majeure pour la pentatonique majeure
  • une quarte juste et une septième mineure pour la pentatonique mineure

La dose de théorie nécessaire pour comprendre ça n’est pas énorme. Vous devez être au point :

  • sur les intervalles
  • la position des notes sur le manche (quoique cette approche va vous les faire travailler si vous partez de zéro)

Apprendre les gammes pentatoniques en partant de la triade, c’est donc :

  • comprendre en profondeur la relation entre l’accord joué et la gamme
  • développer son oreille en reconnaissant la couleur sonore des intervalles
  • développer sa connaissance du manche
  • s’ouvrir des portes pour apprendre n’importe quelle gamme rapidement

J’espère vous avoir ouvert des horizons et surtout vous avoir convaincu de modifier votre méthode d’apprentissage.

Je serais curieux d’avoir vos retours si vous vous mettez en tête d’appliquer ce programme pendant trois mois. Aussi, comme je n’ai pas la science ultime de l’apprentissage des gammes pentatoniques, n’hésitez pas à partager ici vos propres méthodes. Je suis très curieux !

A très bientôt pour un nouvel article pédagogique ou une nouvelle transcription commentée !

Toutes les positions de la gamme pentatonique mineure de Sol (sur tout le manche pour l'image ci-dessous). Pour plus d'infos sur cette gamme, c'est à la page La gamme pentatonique. Gamme de Sol pentatonique mineure sur tout le manche Gamme de Sol pentatonique mineure (position I) accord de Gm superposé en forme de Em Gamme de Sol pentatonique mineure (position II) accord de Gm superposé en forme de Dm Gamme de Sol pentatonique mineure (position III) accord de Gm superposé en forme de Cm Gamme de Sol pentatonique mineure (position IV) accord de Gm superposé en forme de Am Gamme de Sol pentatonique mineure (position V) accord de Gm superposé en forme de Gm

Les Gammes Pentatonic mineur :

Les Gammes Pentatonic Majeur :

Les Gammes Pentatonic Blues :

LES TUTOS:

Comment passer d’une gamme à sa gamme relative par un simple déplacement sur le manche

Comme vous le savez sans doute, quand des gammes sont dites “relatives”, cela veut dire :

  • qu’elles contiennent exactement les mêmes notes ;
  • mais que la note de départ (qu’on appelle la tonique) est différente, ce qui fait que les intervalles entre les notes, qui donnent sa couleur sonore à chaque gamme, sont différents.

ces gammes étant directement issues de la gamme majeure. Détaillons dans un premier temps la structure de ces pentatoniques avec les intervalles qui les composent : On peut considérer qu’une pentatonique majeure est une gamme majeure à laquelle on aurait enlevé la septième majeure et la quarte, et la pentatonique mineure une gamme mineure à laquelle on aurait enlevé la seconde et la sixte mineure. On peut donc faire un parallèle avec la gamme majeure :

toute gamme pentatonique majeure possède une relative mineure un ton et demi plus bas que sa fondamentale.

A l’inverse, une pentatonique mineure possède une relative majeure un ton et demi plus haut.

Ce petit schéma devrait vous aider à bien visualiser la chose :

Quand et comment utiliser la gamme relative mineure

L’utilisation de la gamme mineure relative est un vaste sujet sur lequel nous nous étendrons sur ce site. Pour commencer, et si vous êtes à vos débuts en matière d’improvisation et de composition, sachez que cette gamme sonnera particulièrement bien sur un morceau en mineur. Mais comment déterminer la tonalité pour commencer ?

En simplifiant de manière un peu exagérée, je vous recommande de regarder la suite d’accords du morceau que vous jouerez. Il y a de fortes chances que si le premier accord du refrain ou du couplet est mineur, cet accord donnera la tonalité de ce couplet/refrain. Bien sûr, ce n’est pas systématique et il faudrait passer par une analyse harmonique avant d’en être certain et de s’assurer qu’il n’y a pas de modulation (changement de tonalité). Toutefois, si vous débutez en improvisation, n’hésitez pas à essayer pour vous mettre dans le bain pour sentir l’ambiance mineure avant d’approfondir la question.

Par exemple, sur une cadence du type Im – III – Vm en Am, cela donne en accompagnement Am – C – Em, et la gamme de Am mineur sera parfaite pour créer une mélodie et pour improviser.

Rien ne vaut un schéma pour visualiser tout ça,

A partir de la pentatonique mineure

Ce principe va par conséquent s’appliquer aux pentatoniques majeures et mineures, ces gammes étant directement issues de la gamme majeure. Détaillons dans un premier temps la structure de ces pentatoniques avec les intervalles qui les composent :

Si l’on prend comme gamme de référence la pentatonique mineure, sa relative majeure est la gamme jouée à partir de sa tierce mineure :

On voit bien sur ce schéma (où le trait horizontal représente une corde de guitare et les traits verticaux les frettes) que ce sont les mêmes notes puisqu’elles sont dans les mêmes cases ! Jouer à partir de la tierce mineure, cela veut dire “donner à la tierce mineure le rôle de tonique de la nouvelle gamme ainsi créée”. Les couleurs relatives permettent de prendre facilement conscience des nouveaux intervalles qui en découlent : la quarte devient seconde, la quinte devient tierce majeure (cette nouvelle gamme est donc majeure), etc. A partir de la pentatonique majeure Prenons maintenant comme gamme de référence la pentatonique majeure. Dans ce cas, la relative mineure part de la sixte : Là encore, il est facile de comprendre que : • les notes sont les mêmes (mêmes cases jouées) • les intervalles sont différents (tonique différente) Pour bien assimiler ce principe, avoir une guitare dans les mains peut aider ! Je vous ai noté ci-dessous les 5 positions des pentatoniques de Do majeur (donc aussi de La mineur) en mettant en évidence les fondamentales dans chaque position. C’est en jouant que l’on se rend bien compte que Do majeur pentatonique et La mineur pentatonique ont exactement les mêmes notes et les mêmes positions. Tout ce qui change c’est la note que l’on considère comme étant le point de départ de la gamme, c’est à dire la fondamentale. Les chiffres romains en dessous des diagrammes indiquent le numéro des cases sur le manche. https://ecole-de-guitare-vannes.fr/wp-content/uploads/2020/09/Les Relatives Majeures & mineures pdf

Une gamme pentatonique aux sonorités modales

Pour quoi faire?

En remplaçant la septième mineure par une sixième majeure dans une gamme pentatonique nous obtenons une pentatonique modale aux sonorités doriennes très utile pour improviser en sortant des sentiers battus. Cette gamme mineure ‘modale’ est utilisée par les guitaristes de jazz/fusion dont notamment Robben Ford, Larry Carlton, John Scofield… Il sera très utile d’apprendre cette gamme modifiée si vous souhaitez commencer à improviser avec les modes ou pour changer un peu les sonorité de vos solos en pentatonique mineure.

Comment construire cette gamme pentatonique/dorienne?

Comme vous pouvez le voir ci-dessous, la gamme mineure pentatonique partage toute ses notes avec le mode dorien dans la même tonalité.
  • pentatonique mineure (SOL):
I – sol (G) | III min – la# (A#) | IV – do  (C) | V – ré (D) | VII min – fa (F)
  • mode dorien dans une tonalité de SOL également:
I – sol (G) | II maj – la (A) | III min – la# (A#) | IV – do (C) | V – ré (D) | VI maj – mi (E) | VII min – fa (F) Il suffit donc de remplacer le cinquième degré de la pentatonique mineure qui est une septième mineure (FA dans la tonalité de SOL) par la sixième majeure (mi) du mode dorien en tonalité de SOL pour obtenir notre gamme pentatonique ‘modale’.
  • gamme mineure pentatonique + VI majeure:
I – sol (G) | III min – la # (A#) | IV – do  (C) | V – ré (D) | VI maj – mi (E)

Voici les cinq formes à apprendre pour pouvoir ensuite commencer à les intégrer dans vos impros. Gamme Pentatonique « modale » + sixième majeure

SOL mineure pentatonique + 6ème majeure

Instructions

En remplaçant la septième mineure par une sixième majeure dans une gamme pentatonique nous obtenons une pentatonique modale aux sonorité dorienne très utile pour improviser en sortant des sentiers battus.

Cette gamme mineure 'modale' est utilisée par les guitaristes de jazz/fusion dont notamment Robben Ford, Larry Carlton, John Scofield...

Comme vous pouvez le voir ci-dessous, la gamme mineure pentatonique partage toute ses notes avec le mode dorien dans la même tonalité.

PENTATONIQUE mineure (SOL)

I - SOL | III min - LA# | IV - DO| V - RE |VII min - FA

Mode DORIEN (SOL)

I - SOL |II MAJ - LA |III min - LA# |IV - DO |V - RE |VI MAJ - MI |VII min - FA

Il suffit donc de remplacer le cinquième degré de la pentatonique mineure qui est une septième mineure (FA dans la tonalité de SOL) par la sixième majeure (mi) du mode dorien en tonalité de SOL pour obtenir notre gamme pentatonique 'modale'.

PENTATONIQUE mineure + VI majeure (SOL)

I - SOL | III min - LA# | IV -DO | V - RE | VI MAJ - MI

Voici donc les cinq formes à apprendre qu'il vous faudra apprendre pour ensuite pouvoir commencer à l'intégrer dans vos impros/solos.

La vidéo d'illustration - qui est dans une tonalité de LA contrairement aux diagrammes de l'exercice qui sont en SOL - vous vous permettra de découvrir la sonorité de cette gamme et comment l'utiliser dans un blues. Elle est tirée du site "Blues Guitar Universe" que je vous invite à visiter !

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

Les Arpèges à la Guitare :

Vous êtes plutôt jeu en accords ou jeu en arpèges ?

Vous pouvez télécharger la fiche PDF ARPEGES Majeurs & mineurs (ecole-de-guitare-vannes.fr)

Pourquoi pas les deux ? Les arpèges on y pense pas toujours, surtout quand on est guitariste débutant et que l'on apprend la guitare.

Pourtant, c’est un très bon moyen de changer l’interprétation d’une grille ou d'une rythmique d’accords. Ca permet de varier les goûts et les couleurs.

On recense dans le répertoire guitaristique de nombreux morceaux légendaires qui utilisent cette technique
  • Stairway to Heaven de Led Zeppelin
  • Simple Man de Lynyrd Skynyrd
  • Nothing Else Matters de Metallica
  • Still Loving You de Scorpions
  • Behind Blue Eyes de The Who
Définition de l’arpège

Une définition simple de l’arpège consiste à dire qu’il s’agit de notes jouées successivement et qui forment un accord lorsqu’on les additionne ensemble.

La guitare est un instrument polyphonique.

En tant que guitariste, on a la possibilité de jouer plusieurs notes d’un coup pour former un accord plaqué ou de jouer les notes successivement pour faire un accord arpégé.

Accord de Mi mineur joué de 2 manières différentes à la guitare

C’est le cas d’autres instruments (piano, harpe...) mais pas de tous les instruments (flute, trombone…). 

Dans cet article, nous allons aborder les arpèges dans le sens de l’accompagnement à la guitare.

L’idée principale est de jouer des enchainements d’accords  différemment pour vous permettre de varier votre jeu et de commencer peut-être à jouer aux doigts. 

DISCLAIMER : l’article n’aborde pas les arpèges dans un contexte de jeu solo pour improviser en Jazz ou travailler des techniques telles que le Sweeping. 

Bien qu’il y ait des similitudes entre les deux, on utilise le terme pour deux choses assez différentes chez les guitaristes. Je préfère préciser tout de suite le contenu de l'article.

Jeu aux doigts ou au médiator ?

Lorsqu’on parle d’arpèges à la guitare, la première question qui se pose est comment exécuter cette technique ? 

Il existe deux méthodes : le jeu aux doigts et le jeu au médiator. 

Chaque technique présente des avantages et des inconvénients. Dans tous les cas, les deux techniques sont intéressantes à travailler. 

Jouer des arpèges aux doigts

AVANTAGES
  • Son doux et suave (sans ongles)
  • Plus simple pour jouer plusieurs cordes simultanément
  • Plus adapté pour introduire des effets percussifs
  • Moins de limites sur la vitesse de jeu (surtout pour les motifs avec sauts de cordes)
INCONVENIENTS
  • Son moins claquant qu’au médiator (sans ongles)
  • Plus difficile de mettre une grosse attaque
  • Demande de s'habituer à une nouvelle position au niveau de la main droite (pour les droitiers)
  • Plus difficile de jouer en palm mute (son étouffé)
Note : ces avantages/inconvénients sont assez personnels. Je ne prétends pas que tous les guitaristes aient le même avis. Je vous présente ma vision des choses. S’il manque des choses, n’hésitez pas à laisser un commentaire.

Technique de jeu

Doigts utilisés par corde en picking Technique picking Largement popularisée par Marcel Dadi, la technique picking consiste à distribuer à chaque doigt des cordes bien précises dans l’exécution des arpèges. Ainsi :
  • le pouce se charge des 3 cordes les plus graves : Mi, La, Ré
  • l’index pince la corde de Sol
  • le majeur joue la corde de Si
  • l’annulaire joue la corde de Mi aigu
Il s’agit d’une technique très adapté au jeu picking du même nom qui est voisin du jeu en arpège traditionnel mais qui a ses particularités dans les motifs joués au niveau de la main droite. Je n’aborderai pas dans le détail la technique picking ici, ça mériterait un article à part entière. La distribution des cordes stricte du picking est un super point de départ pour jouer en arpèges. Maintenant, la distribution des cordes graves peut poser problème si vous devez jouer des enchainements rapides sur les cordes graves : Dans cet exemple, est-ce pertinent de respecter à la lettre la technique picking ou jouant tout au pouce ? Dans ce cas de figure, il vous faudra peut être oublier la règle principale pour trouver une bonne combinaison de jeu à la main droite. Les règles sont juste un point de départ, un référentiel pour vous aider.  En fonction des situations et des plans vous serez amené à les enfreindre pour exécuter des arpèges. En parallèle de la technique picking, on retrouve d’autres techniques :
  • le jeu à 5 doigts(ajout de l’auriculaire)
  • le jeu à 3 doigts(le meilleur représentant de cette technique est peut-être Mark Knopfler de Dire Straits qui utilise principalement le pouce, l’index et le majeur pour jouer des arpèges mais aussi des riffs et des solos)
  • le jeu à l’ongle(même principe que le picking traditionnel avec un onglet sur le pouce)
Je dois vous avouer que je n’ai jamais pratiqué d’autres techniques que le picking (sans onglet). Les exemples qui suivent présenteront donc des doigtés en majeure partie picking.

Vous pouvez télécharger la fiche PDF ARPEGES Majeurs & mineurs (ecole-de-guitare-vannes.fr)

Jouer des arpèges au médiator

AVANTAGES
  • Son claquant
  • Possibilité d’attaquer assez fortement les cordes
  • Facilité d’étouffer des arpèges
  • Plus adapté au jeu arpégé en distorsion
INCONVENIENTS
  • Plus difficile de gagner en vitesse (notamment sur les motifs non linéaires)
  • Complexité pour jouer des notes simultanément (il faut utiliser la technique hybrid picking dans ce cas)
  • Peu adapté pour ajouter des effets percussifs
Note : encore une fois, ces avantages/inconvénients sont assez personnels. Si vous voulez débattre, n’hésitez pas à laisser un commentaire.

Technique de jeu 

Il existe deux techniques principales pour jouer des arpèges à la guitare :
  • le jeu au médiator traditionnel
  • l’hybrid picking(combinaison du médiator et des doigts (à savoir le majeur et l’annulaire)
On le verra par la suite, mais il est intéressant de travailler au médiator pour améliorer sa précision au niveau de la main droite. C’est très utile pour les riffs, les solos, etc.

Ongles longs ou courts ? 

Si vous jouez des arpèges aux doigts, vous serez surement amené à vous poser la question suivante :

" Faut-il que je me laisse pousser les ongles ? "

Pour le coup, je peux en parler car j'ai testé les deux. J’ai commencé la guitare aux doigts (avec des ongles longs) et j’ai exploré ce système pendant à peu prêt 3 ans. Avec des ongles longs, je trouve qu’on a de meilleures sensations et une excellente attaque des cordes. C’est un peu comme si on avait une sorte de médiator au bout de chaque doigt. Ca permet de se rapprocher du claquant et de la puissance d’attaque d’un médiator traditionnel. Maintenant, ça demande de l’entretien. Quand on en casse un, c’est assez chiant. Il faut mettre des produits pour les renforcer, etc. C’est toute une organisation. A l’inverse, les ongles courts rendent l’attaque plus difficile. C’est peut-être un peu moins naturel au début mais on peut tout à fait s’en sortir. Je trouve personnellement que les sensations sont un peu moins bonnes dans le sens ou on a l’impression que l’on ne peut pas attaquer les cordes à leur maximum. Je ne sais pas si mon avis est biaisé vu que j’ai commencé avec des ongles longs. Difficile à dire. Côté avantages, on obtient un son suave/doux et on supprime toutes les tracasseries liées à l’entretien des ongles (c’est loin d’être négligeable).

Une technique pour la folk ou l’électrique ? 

Les deux ! Je trouve vraiment intéressant d’utiliser les arpèges sur les deux familles d’instrument. Les sons sont différents, les sensations aussi. A l’électrique, j’ai naturellement tendance à jouer les arpèges au médiator pour jouer en palm mute avec de la distorsion. C’est aussi intéressant aux doigts car les cordes sont un peu plus souples. On peut aussi les « slapper » légèrement pour varier les sons. A l’acoustique, je préfère jouer aux doigts pour le côté percussif de l’instrument. Maintenant, c’est aussi très intéressant au médiator. Si vous avez une guitare électrique et une guitare acoustique sous la main, je vous conseille de tenter les exercices sur les deux, c’est intéressant de comparer.

 Les Arpèges M & m:

ARPEGES Majeurs et mineursTélécharger:

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

LES TRIADES:

Les Triades, qu’est-ce c’est ?

Vous le savez peut-être déjà : par définition, un accord est l’assemblage d’un minimum de trois notes différentes. Ce sont ces trois notes de base que l’on nomme “triades”.

Les accords simples que connaissent tous les débutants sont basés sur des triades majeures ou mineures, composées des notes suivantes :

  • une Fondamentale (F) qui donne son nom à l’accord
  • une Tierce (3) qui donne à l’accord son caractère majeur (tierce majeure) ou mineur (tierce mineure)
  • une Quinte (5) qui donne à l’accord son caractère diminué (quinte diminuée) ou augmenté (quinte augmentée).

Alors quel est l'intérêt des triades à la guitare ?

La plupart des guitaristes débutants et grands débutants connaissent uniquement 2 façons de jouer chaque accord : à savoir la position ouverte (avec cordes à vides en haut du manche) ou son équivalent en accord barré.

Les triades permettent ainsi de jouer ce même accord dans plusieurs positions différentes sur toute la longueur du manche. Elles vont ainsi apporter des sonorités particulières en fonction des cordes choisies, qui seront la plupart du temps les plus cordes les plus aigues à savoir sol-si-mi ou ré-sol-si voire même la-ré-sol avec d'éventuels sauts de cordes, et surtout l'ordre dans lequel les 3 notes de la triade seront jouées, c'est-à-dire si l'on choisit comme note la plus grave la tonique, la tierce ou la quinte. C'est ce qu'on appelle des renversements d'accords.

Ainsi plutôt que de plaquer un même accord trop longtemps dans un morceau ou une chanson, on peut ainsi créer du mouvement et enrichir son jeu de sonorités complémentaires grâce aux triades. Elles sont également très utiles pour le jeu en groupe et éviter de marcher sur les platebandes graves du bassistes ou sur les pieds du second guitariste par exemple. On obtient ainsi plus de relief ainsi qu'un meilleur équilibre entre chaque instrument pour mieux discerner chaque partie.

Attention, on ne dit pas ici qu'il faut jouer uniquement en triades ! Il s'agit d'un outil complémentaire des autres (accords, gammes, arpèges…) qui permet de mieux connaître les notes sur le manche, d'appréhender différemment la composition des accords ou des gammes en lien avec le CAGED notamment, et vraiment d'enrichir son vocabulaire à la guitare.

Les triades sur la guitare

Pour repérer ces notes sur la guitare, je propose de commencer par apprendre des positions qui ressemblent à des positions d’accords que vous connaissez déjà.

En effet, les accords à 3 sons que vous connaissez bien utilisent les mêmes notes (la fondamentale, la tierce et la quinte) que les triades dont nous sommes en train de parler.

Sauf qu’on ne va pas avoir la contrainte de ne jouer qu’une note par corde, et on va pouvoir ainsi jouer les 3 notes une par une et dans l’ordre.

Les triades majeures

La Triade majeure est à la base d’un accord majeur. Cela signifie qu’un accord majeur utilise les notes de cette triades et uniquement ces notes.

La Triade majeure est constituée :  de la tonique (1) de sa tierce majeure(3) et de sa quinte juste (5)

Elle se note par la lettre (système anglo-saxon) ou le nom (système standard) de la note (avec altération si nécessaire) seule sans suffixe:

Par exemple : la triade de Do ou Triade C est composée des notes Do, Mi, Sol elle se note C=(C-E-G),

Un autre exemple serait la triade de Fa dièse qui se note F#=(F#-A#-C#), la triade de Ré qui se note D=(D-F#-A), ou la triade de Si bémol qui se note Bb=(Bb-D-F), etc.

EXEMPLE: E / Mi

Grâce aux couleurs, vous pouvez constater que :

  • la Fondamentale (Mi) est jouée 3 fois
  • la Quinte (Si) est jouée 2 fois

En pratique, quand on parle de “triades”, c’est pour désigner les groupes de 3 notes au sein d’un accord.

Si l’on reprend notre exemple de E majeur, on peut en extraire 3 triades majeures :

En pratique, les triades seront surtout jouées sur les cordes aiguës de la guitare (cordes 1 à 4), ce qui laissera la place au bassiste pour jouer les basses. Mais ce n’est évidemment pas obligatoire et, en particulier si vous jouez seul(e), rien ne vous interdit d’expérimenter toutes les variantes de triades possibles.

En pratique encore, on utilise principalement quatre types de triades :

  • triades majeures : F, 3, 5
  • triades mineures : F, 3m, 5
  • triades diminuées : F, 3m, b5
  • triades augmentées : F, 3, #5

Vous trouverez aussi, moins souvent, d’autres formes de triades, comme les accords “suspendus”, à la seconde (sus2) ou à la quarte (sus4) où la Tierce est remplacée respectivement par la Seconde ou par la Quarte.

Les triades mineures

La Triade mineure est à la base d’un accord mineur. Cela signifie qu’un accord mineur utilise les notes de cette triades et uniquement ces notes.

La Triade mineure est constituée :  de la tonique (1) de sa tierce mineure (b3) et de sa quinte juste (5)

Elle se note par la lettre (système anglo-saxon) ou le nom (système standard) de la note (avec altération si nécessaire) avec un petit «m» comme suffixe:

Par exemple : la triade de Do mineur ou Triade Cm est composée des notes Do, Mi bémol, Sol elle se note C=(C-Eb-G),

Autres exemples de triades mineure : F#m=(F#-A-C#), Dm=(D-F-A), Bbm=(Bb-Db-F), etc.

Les triades augmentées

La Triade augmentée est à la base d’un accord augmenté. Cela signifie qu’un accord augmenté utilise les notes de cette triades et uniquement ces notes.

La Triade augmentée est constituée :  de la tonique (1) de sa tierce majeure (3) et de sa quinte augmentée (#5)

Elle se note par la lettre (système anglo-saxon) ou le nom (système standard) de la note (avec altération si nécessaire) avec un «+» ou «aug» comme suffixe:

Par exemple : la triade de Do augmentée ou Triade C+ est composée des notes Do, Mi, Sol dièse elle se note C=(C-E-G#),

Autres exemples de triades augmentée : F#aug=(F#-A-D(Cx do double dièse)), Daug=(D-F#-A#), etc.

Les triades diminuées

La Triade diminuée est à la base d’un accord diminué. Cela signifie qu’un accord diminué utilise les notes de cette triades et uniquement ces notes.

La Triade diminuée est constituée :  de la tonique (1) de sa tierce mineure (b3) et de sa quinte diminuée (b5)

Elle se note par la lettre (système anglo-saxon) ou le nom (système standard) de la note (avec altération si nécessaire) avec un «dim» comme suffixe:

Par exemple : la triade de Do diminuée ou Triade Cdim est composée des notes Do, Mi bémol, Sol bémol elle se note Cdim=(C-Eb-Gb),

Autres exemples de triades diminuée : F#dim=(F#-A-B(Cb)), Ddim=(D-F-Ab), Bbdim=(Bb-Db-E(Fb)), etc.

TRIADES MAJEURES mineures

chords_triad

LES TUTOS:

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

VOCABULAIRE DU GUITARISTE

Lexique Guitare: Dictionnaire de la guitare, définitions de termes pour guitaristes. Certains termes correspondent à des tags du site, cliquez-les pour obtenir la liste des cours correspondants.

A

  • Accompagnement : L'accompagnement est la partie instrumentale qui est censée soutenir une mélodie ou un solo. L'accompagnement, souvent effectué en utilisant des accords, a un rôle harmonique très fort et contribue grandement à la définition du style du morceau. On peut en effet créer des accompagnements complètement différents pour une même mélodie.
  • Accord : Un accord désigne une combinaison d'au moins trois notes jouées simultanément.
  • Accord barré : Un accord barré est un accord dont la position sur le manche aura une particularité : l'index "barrera" toutes les cordes afin de les fretter à la même case. (comme s'il s'agissait d'un capodastre en quelque sorte)
  • Accord de puissance : C'est un accord uniquement composé de la tonique (éventuellement doublée à l'octave) et de la quinte. Le terme d'"accord de puissance" est un abus de langage car d'un point de vue théorique ce n'est qu'un intervalle de quinte.
  • Accordage : L'accordage désigne une façon de s'accorder. Les accordages sont souvent définis par une succession de 6 notes correspondant aux 6 cordes à vides de la guitare. Même si l'accordage standard (EADGBe) est le plus fréquent, il existe de nombreuses façons de s'accorder.
  • Accordeur : Un accordeur est un outil électronique permettant un accordage très précis de la guitare. Il capte par un micro intégré (ou un cable Jack, etc.) le son qui est émis par votre guitare, et vous affiche la note la plus proche ainsi que la distance à laquelle vous êtes de cette note . Il existe de nombreux formats d’accordeurs différents.
  • Aller-retour : Le terme d'aller-retour désigne la technique à la main droite qui consiste à alterner de façon régulière des coups vers le bas et des coups vers le haut. Cette technique peut être utilisée aux doigts ou au médiator, sur des accords ou des mélodies.
  • Altération : Symbole utilisé pour modifier la hauteur d'une note.
  • Arpège : Terme généralement utilisé pour désigner des notes que l'on joue à la suite et qui formeraient un accord si elles étaient jouées simultanément.
  • Arrangement : L'arrangement (ou le ré-arrangement) consiste à créer ou modifier des accompagnements pour une mélodie. Le but étant d'adapter l'accompagnement aux instruments : un duo de guitaristes ne jouera pas l'accompagnement de la même façon qu'un orchestre symphonique. L'arrangement est donc nécessaire quand on veut jouer un morceau avec une formation différente de celle pour laquelle la partition a été écrite.

B

  • Bémol : Altération représentant un abaissement de la note cible d'un demi-ton.
  • Bend : Technique de la main gauche consistant à tirer ou pousser une corde de guitare afin d'augmenter la hauteur de la note jouée.
  • Bottleneck : Accessoire cylindrique en métal ou en verre qui sert à fretter les cordes sans avoir à presser celles-ci contre les frettes, permettant de jouer entre les demi-tons, et apportant ainsi des sonorités particulières.
  • BPM : Beat Per Minute, valeur représentant le nombre de temps par minute, indiquant ainsi la vitesse d'exécution d'un morceau.

C

  • Capodastre : Accessoire qui permet de bloquer toutes les cordes simultanément sur une même case, dans le but d'adapter la hauteur de la guitare à la tessiture d'un chanteur.
  • Corde : Une corde est un élément vibrant maintenu sous une tension contrôlée (selon l'accordage), permettant de produire un son qui sera amplifié lorsque fretté à la hauteur désirée. Les cordes sont constituées de matériaux souples (acier, le nylon) permettant de conserver un profil bas et une flexibilité suffisante à des fins de jouabilité.

D

  • Degré : S'écrit généralement sous la forme de chiffres romains, servant la plupart du temps à désigner la place d'une note dans une gamme, de 1 (I) à 7 (VII) pour les gammes majeures. Peut se généraliser à toutes les échelles musicales existantes.
  • Diagramme : Un diagramme est une représentation schématique et visuelle d'une position d'accord. Il se présente sous la forme de 6 lignes verticales représentant les cordes de la guitare et de 4/5 lignes horizontales définissant les cases sur le manche. Des points définissent le placement des doigts sur les cordes, et des symboles additionnels (cercles pour une corde à vide, une croix pour une corde à ne pas jouer) permettent de définir des informations complémentaires.
  • Diapason : Ce mot peut représenter : - un petit outil en métal permettant d'entendre une note de référence, généralement le "la 440Hz". - distance entre le sillet de tête et le sillet de chevalet d'une guitare. Dièse : Altération représentant une augmentation de la note cible d'un demi-ton.

E

  • Epicéa : Bois généralement utilisé pour la fabrication des tables d'harmonie . Il génére un son cristallin et clair.

F

  • Fast picking : Technique de jeu au médiator, consistant à gratter les cordes en double croche a une vitesse supérieure ou égale à 160 bpm.
  • Fondamentale : Note servant de fondation pour un accord, qui donne son nom à l'accord et qui est généralement jouée à la basse (dans le cas contraire, nous avons affaire à un renversement).
  • Frette : Élément métallique placé en travers du manche à des intervalles déterminés. En appuyant sur la corde entre deux frettes, la longueur vibrante de la corde change, ce qui modifie la hauteur du son émis.

G

  • Gamme : Une gamme est une suite de notes qui seront utilisées ensembles dans un certain contexte musical. Chaque gamme apportera une sonorité particulière, certaines gammes étant ainsi plus adaptées à certains styles que d'autres.
  • Guitar Pro : Guitar Pro est un éditeur de tablatures et partitions musicales permettant de convertir des fichiers MIDI et ASCII en tablature, avec la possibilité de les modifier, les imprimer, mais surtout de les écouter.

H

  • Harmonie : L'harmonie est un ensemble de règles, de définitions et de codes qui permettent d'expliquer le rapport entre les notes, la construction des accords et des gammes et les particularités de chaque style musical.
  • Harmoniser : L'action d'harmoniser consiste à créer des accords utilisant les notes d'une même gamme, nous assurant ainsi que les accords s'enchaineront de façon juste.

I

  • Intervalle : L'intervalle est la "distance" entre deux notes, exprimée en ton et en demi-tons, qui sert à définir les rapports entre les notes. Plusieurs intervalles joués simultanément forment un accord.

L

  • Legato : Enchainement de hammer-on et de pull-off

M

  • Médiator : Le médiator est une petite pièce de plastique ou de caoutchouc triangulaire plus ou moins rigide servant à pincer les cordes.

N

  • Note : Une note est un son dont la hauteur est définie par une fréquence mesurée en Hertz (Hz).

P

  • Position : Une position est le nom traditionnellement donné à un schéma définissant de façon visuelle les notes d'un accords ou d'une gamme.
  • Power chord : Voir "accord de puissance"

R

  • Renversement : Un renversement est une position d'accord dans laquelle la fondamentale n'est pas jouée à la basse.
  • Riff : Mélodie résultant d'une combinaison de notes (ou d'accords) permettant d'identifier facilement une chanson. Les riffs sont le plus souvent joués de manière répétitive.

S

  • Shred : Le shred est une technique de jeu à part entière utilisé pour enchainer un maximum de notes à la seconde. C'est un mélange de sweep, fast picking, sweep, tapping, légato, etc.
  • Solfège : Le solfège regroupe toutes les formes écrites de la musique. Par extension il inclut également la faculté de lire cette musique. Le solfège existe sous différentes formes : partitions, tablatures, grilles d'accords. Bien que pratique pour l'apprentissage de morceaux et d'exercices, le solfège est limité à cause de plusieurs éléments qui ne peuvent être représentés efficacement et/ou précisément par écrit, notamment toutes les nuances possibles dans l'interprétation d'un morceau.
  • Sweeping : Le sweeping est une technique main droite permettant de jouer des plans arpégés de façon très rapide, en utilisant un seul mouvement de bas en haut ou de haut en bas, "balayant" ainsi toutes les cordes de façon très fluide.

T

  • Tempo : Voir "BPM"
  • Tiré : Voir "bend"
  • Tremolo picking : Attaque au médiator d'une seule corde à vitesse maximale.
  • Truss Rod : Tige en métal qui est déposée dans le manche lors de sa fabrication. Son écrou prévu pour le réglage ressort au niveau de la tête ou dans le talon du manche pour les guitares électriques. Pour les folk on peut trouver cet écrou en regardant dans la bouche de la guitare au niveau de la barre de renfort supérieur de la bouche.
  • Turnaround : Littéralement "demi-tour”, mais en musique il désigne les deux dernières mesures d’une grille blues (le I-V) de la fin. Il est très couramment utilisé par tous les musiciens, à l’oral ou à l’écrit. (Il n’y a pas de traduction française)

V

  • Voicing : En musique, le terme voicing désigne deux éléments différents : - l'arrangement des notes dans un accord : comme dans le renversement, on change l'ordre des notes dans l'accord, à la différence qu'on conserve la fondamentale comme basse. - voicing est également la contraction des mots "voice leading" en anglais : l'étude des mouvements mélodiques des notes dans un enchainement d'accords.

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

ENTRETENIR SA GUITARE, C’EST BIEN L’ENTREPOSER😁!

La guitare mérite comme tous les autres instruments le plus grand soin. La majorité des éléments de la guitare sont faits de bois et donc sont très sensibles aux changements de températures et d'humidités.

Donc déjà, évitez de la poser à côté d'un point de chaleur : radiateurs, cheminées, fours, plaques de cuisson etc. Il faut également éviter que le soleil ne s'arrête trop sur la guitare ou que le froid ne la touche. La poser loin des ouvertures extérieures et qu'elle reste protégée de la lumière solaire serait le mieux.

Pour l'humidité, il est souhaitable de ne pas l'entreposer dans une salle humide : salle de bain, WC, cuisine, mais également toutes pièces trop touchées par l'humidité.

J'ai bien conscience du côté très restrictif de ces recommandations mais ce ne sont absolument pas des obligations ce sont plutôt des conseils pour éviter que le bois ne se déforme et permettant ainsi que votre instrument reste le plus longtemps possible utilisable.

COMMENT L’ENTREPOSER ?

La façon de poser sa guitare peut avoir une incidence sur sa durée de vie. Les tensions que les cordes génèrent font travailler le manche, mais la façon de la poser peut accentuer cette tension et ainsi provoquer une vrille du manche.

La vrille est le cauchemar des luthiers : le bois se déforme soit en se bombant vers les cordes, soit en se creusant sous les cordes, soit en se tournant d'un côté ou de l'autre.

Ce qui est conseillé c'est de ne pas poser la guitare de façon à ce que la force exercée soit opposée au travail que font les cordes. Il faut donc faire en sorte que la pression se fasse sur la tête vers le dos, c'est à dire de l'intérieur (côté cordes) vers l'extérieur (côté dos).

Bien évidemment si la force est la plus douce possible c'est encore mieux. Ce conseil vaut pour les fois où vous posez votre guitare contre le mur (entre parenthèse, la meilleure chose à faire pour la faire tomber et l’abimer !). Ça veut donc dire qu'en pratique vous devez voir le dos et non les cordes quand elle est posée au mur.

Sinon, l’une des meilleures façons d’Entreposer votre guitare est en utilisant une accroche murale qui appuie sur la tête et ne provoquera ainsi aucune vrille. A condition d'avoir une tête à sa guitare !

     Voici une accroche murale de guitare:

CHANGEZ VOS CORDES !😁!

Ces cordes ont clairement fait leur temps ! PENDANT LE CHANGEMENT DE CORDES…

Il faut profiter de ce moment où diverses parties de votre guitare sont « nues » pour faire une petite toilette à votre instrument. Déjà, enlevez la poussière sur le corps à l'aide d'un torchon doux propre.

Si jamais certaines traces résistent, vous pouvez l'humidifier très légèrement pour faciliter le nettoyage. Pensez à nettoyer la tête de la guitare aussi !

Pour les guitares électriques, profitez-en pour nettoyer l'oxydation qui peut se faire sur les parties métalliques.

C'est également le moment de nettoyer le manche pour enlever le dépôt et les différents résidus qui se sont accumulés. Il existe pour se faire différents produits. Vous pouvez déjà nettoyer le manche (s'il est en ébène ou en palissandre) avec de la laine d'acier (évitez de frotter trop fort) ça permettra d'enlever les dépôts.

Pour la nettoyer, donc, il existe plusieurs produits spécialement conçus à cet effet. Vous pouvez opter pour des produits « tout-en-un » qui ont pour fonction de nettoyer autant le manche que le corps de votre guitare. Ou alors, si vous préférez, vous pouvez acheter des produits spécifiques à chaque partie de votre guitare. L’équipe de l’Ecole de Guitare de Vannes 34 vous conseille par exemple les produits DUNLOP avec kit de nettoyage comprenant un Polish pour le corps et une huile citronnée pour la touche. Ce kit comprend également 2 chiffons. Bien pratique, donc : Pour l'utilisation de l'huile citronnée (parfaitement adaptée pour les manches en ébène et en palissandre), il faut la passer en frottant avec un torchon légèrement imprégné de cette huile. Une fois tout le manche imbibé, laissez le bois absorber le produit durant quelques minutes.

ATTENTION !

Pour les touches en érable, elles sont souvent déjà vernies, il faut donc éviter l'huile de citron qui risque de décaper.

Par contre vous pouvez passer très légèrement de la laine d'acier fine pour enlever les dépôts. Mais j'insiste sur le fait qu'il faudra y aller doucement. Et après, vous pouvez continuer avec un léger traitement à l'huile de lin, ça évitera que le verni ne s’abîme trop vite.

On peut reluire l'accastillage (partie métallique de la guitare) avec du polish vaporisé sur un chiffon doux et délicatement passé sur toutes les parties métalliques. Ça les fera briller et ça évite la rouille !

POUR LE RÉGLAGE

Si vous ne souhaitez pas gérer tout ce nettoyage et le changement de cordes, vous pouvez aller voir un luthier ou un guitar tech qui s'occupera de ça pour vous.

Vous devriez en profiter pour lui demander un forfait réglage complet : réglage de l'intonation (justesse de toutes les notes sur le manche en jouant sur la longueur de chaque corde avec les pontets), réglage de l'action (hauteur des cordes par rapport à la touche en jouant sur la hauteur du chevalet/floyd et sur l'angle du manche avec le truss rod), détection et correction de la vrille du manche en jouant sur le truss rod et sur les attaches du manches et détection et planification des frettes (remettre toutes les frettes à la même hauteur car elles ont été usées), etc.

Si jamais les frettes sont trop abîmées, il faut refretter totalement la guitare (opération plus coûteuse qu'une planification).

Pour info, le truss rod est la tige métallique qui se trouve dans les manches des guitares électriques et folk mais également de certaines guitares classiques.

LES PETITS PLUS 

- Si vous vous y connaissez en électronique, vous pouvez en profiter pour dégripper les potentiomètres et nettoyer la partie électronique. Sinon, n'hésitez pas à faire appel à un luthier ou un guitar tech.

- Jetez un coup d’œil sur les mécaniques aussi, dégrippez les si besoin, qu'elles aient le moins de jeu possible. Vous verrez que l'accordage de votre guitare sera plus efficace et plus agréable !

- Pour les guitares acoustiques, vérifiez le collage de votre chevalet et l'état de vos sillets. Il peut également arriver que le sillet en tête du manche se décale légèrement, remettez le bien en place.

- Vous pouvez aussi passer du polish sur l'arrière du manche (là où vous placez le pouce) pour entretenir le vernis. Si jamais c'est trop usé, vous pouvez voir si ce n'est pas plus intéressant de carrément revernir le manche.

Normalement après tout ça, votre instrument est dans un état impeccable et prêt à tout donner ! Faites ça régulièrement et votre guitare tiendra le plus longtemps possible !

CONCLUSION:

Entretenir sa guitare est bien plus important que ce que l’on croit car ce n’est pas seulement visuellement que les soins apportent quelque chose. Cela aura également l’utilité de stabiliser votre guitare autant en prise en main qu’en confort de jeu ou simplement en terme de son.

Prenez vraiment le temps de ces changements de cordes pour nettoyer votre guitare comme il se doit. Elle vous le rendra bien.

VOUS ÊTES UN MANIAC DE LA PROPRETÉ DE VOTRE GUITARE ? RACONTEZ-NOUS VOS ASTUCES POUR LA FAIRE BRILLER 😋 GRATT-VADOR www.ecole-de-guitare-vannes.fr

LES TUTOS😁!

GRATT-VADOR

www.ecole-de-guitare-vannes.fr

close

Soyez informés des dernières publications !

Nous ne spammons pas !

Consultez notre politique de confidentialité pour plus d’informations.